tag:blogger.com,1999:blog-24948706252958511702024-02-26T09:35:00.022-08:00Fantasmas de lo nuevoLuis Ortelladohttp://www.blogger.com/profile/14876361558949662947noreply@blogger.comBlogger78125tag:blogger.com,1999:blog-2494870625295851170.post-31611531501432419472023-06-21T12:33:00.008-07:002023-06-22T12:50:26.882-07:00El Arte es Pueblo, a propósito del documental Ojos que no ven...Movimiento Espartaco. Una de las grandes cuestiones que atraviesa nuestra contemporaneidad es <b>la memoria</b>, <b>el pasado</b> y las disputas de los relatos por ocupar ese lugar de importancia que determina la manera en que se a pensar las historias de las generaciones que nos preceden.
La problemática sobre la memoria, es una constante en las ficciones, cuestión que no le es indiferente a la <b>industria </b>cinematográfica, donde se ha ensayado una y otra vez el mismo argumento: un personaje amnésico que al recuperar parte de su pasado huye despavorido, no puede aceptar lo hecho, generalmente el personaje es un agente que asesina sin miramientos emocionales ni humanos.
Esta temática tan insistente retrata de manera indirecta al <b>siglo XX</b>, no es casual que afloren tantas ficciones sobre ello, si algo tiene el siglo pasado es la constatación de la destrucción como método y la ciencia como argumento final para determinar quienes viven y quienes no.
El final del siglo XX tuvo la enorme pretensión de ser recordado con el cántico del fin de la historia y de las ideologías, como sabemos si esto hubiera ocurrido hubiéramos asistido al grado cero de todas las luchas que sacudieron las entrañas del pensamiento.
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Si esto fuera posible el relato del mundo sería único e indivisible, y no habría espacio para el disenso, porque todo absolutamente todo estaría justificado desde esta victoria.
Sabemos cuál es el relato global que se impuso mediando el siglo XX, terminando de consolidarse cuando <b>La Unión de las Repúblicas socialistas </b><b>Soviéticas</b> finalmente cae.
Ese fantasma que recorrió al mundo como una certera esperanza pero también como la gran y gorda excusa para intervenir, digitar, auspiciar, subvencionar gobiernos tan títeres como sangrientos.
La leyenda del fin de la historia tenía la responsabilidad de ser la marquesina victoriosa y rimbombante del<b> Occidente Neoliberal y Capitalista</b>, pero no fue del todo así, es de público conocimiento que la <b>Historia</b> metió la cola y lo violentamente negado terminó por explotar en las torres gemelas.
Por eso es vital la importancia de la memoria y las formas en que podamos recuperar al pasado, no cualquier pasado sino el nuestro como país latinoamericano.
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Sobre estas cuestiones trata <b>“Ojos que no ven...el movimiento Espartaco" (2018)</b>, un documental dirgido por<b> Ana Caride Burgos</b>, junto a un excelente equipo de trabajo que hizo posible este documento, este ensayo, este notable film.
Ojos que no ven es una apuesta por la memoria desde las herramientas del cine, es una reflexión sobre los alcances políticos y sociales de las artes plásticas como vehículo expresivo del sentir del pueblo, en un momento histórico donde lo estético era una continuación necesaria de la política.
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El movimiento Espartaco fue un movimiento de pintores de estética figurativa y social que tuvo lugar en nuestro país entre los años 1959-1968, una época convulsionada por los aires de cambio y revolución, <b>un momento histórico donde la política no era una mala palabra</b> sino una herramienta poderosa.
El documental es un viaje al pasado donde la voz narradora, es la de<b> Malena Sessano</b> la hija del artista plástico Carlos Sessano, comparte a lo largo del film las incógnitas y los afectos frente a algo que trasciende lo biográfico y esta indiscutiblemente ligado con el destino de nuestro país y el continente.
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<b>Carlos es mi padre, y yo no sé muy bien qué hago aquí, buscando tratando de dar forma a un padre desconocido, en el intento descubrir parte de su pasado voy a encontrarme con él</b>.
En este recorrido que propone el documental, la voz narradora se irá encontrando con los dos únicos sobrevivientes del movimiento, uno de ellos su padre y el otro es <b>Juan M. Sanchéz</b> más conocido como el <b>gordo Sanchéz</b> que juntos van pincelando el retrato de un grupo de artistas que trataron de ir más allá del atril para volver a él y retratar con<b> furia y humanidad</b> la condición latinoamericana.
La conciencia de clase era una moneda corriente dentro de la juventud de aquel entonces, una juventud politizada por la herencia del peronismo, y por lo que ocurría a nivel continental, con Cuba, Fidel y el Che.
El rumbo de la historia parecía torcerse hacia la izquierda, pero hay que aclarar que la izquierda en Latinoamérica no tiene el mismo espesor ni la misma densidad que en la vieja Europa.
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Si bien los artistas plásticos del Movimiento Espartaco no ponían a la política por encima de sus producciones, estaba en un mismo nivel de preocupación, la problemática para el movimiento Espartaco tal como lo expresa uno de sus pintores<b> Mario Mollari</b> fue la siguiente.
<b>“La posibilidad de que existiera un arte que encajara más con nosotros (…) dentro de un tipo de imagen incluso reconocible (…) cómo vamos a responder plásticamente a esto (…) interpretar a los personajes de América a su problemática (…) si hacíamos una exposición hacíamos la revolución, estábamos locos indudablemente. </b>
El movimiento Espartaco responde a la vieja utopía del arte no mercantilizado, un arte que se nutre de las paredes de la ciudad, un arte que busco lo más posible la construcción de la identidad y la lucha latinoamericana, o en todo caso descubrir en las temáticas y en la misma realidad que la identidad de Latinoamérica <b>está en su lucha</b>.
Su manifiesto escrito en el año 1959 lo dice todo.
<i>“Es evidente que en nuestro país, a excepción de algunos valores aislados, no ha surgido una expresión plástica trascendente, definitoria de nuestra personalidad como pueblo. </i>“
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El movimiento Espartaco como todo movimiento que se precie y ponga de manifiesto su credo estético problematiza a su tiempo y cuestiona duramente lo que se institucionaliza como arte, pero el planteo es aún más radical porque el arte que brilla en las pasarelas tiene muy poco que ver con el sentir del pueblo latinoamericano.
En el segundo y tercer párrafo del manifiesto la mirada es netamente política.
<i>“Si analizamos la obra de la mayor parte de los pintores argentinos, especialmente de aquellos que la crítica ha llevado a un primer plano, observaremos como característica común el total divorcio con nuestro medio (…) Las causas determinantes de esta situación está en la base misma de nuestra vida económica y política, de la cual la cultura es su resultado y complemento, una economía enajenada al capital imperialista extranjero no puede originar otra cosa que el coloniaje cultural y artístico que padecemos”.</i>
El documental de Ana Caride Burgos no se desentiende, uno de los momentos más interesantes del documental es cuando el historiador de arte e hijo de <b>Esperilio Bute, </b>otro de los pintores del movimiento explica al contexto histórico en que surgieron su padre y sus compañeros de ruta
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkpL9OQMUWdtaeJOADzo20ww96sHR4T5AZI_U7i5cwD32zWUJav2XssrJyZ3RuUsHA1P3KVurnprEfx0CZPzMAvLkBn_pHaXejkMWbICHUL5Mq8jjKVz2d1C1kRJpd9ERGebYCoRvB0G2xR8Ny_-S3uVSHtouo38_V_U2tcS7tzQ0jMvcAeDfwRqzWJ6bn/s300/images%20%282%29.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="153" data-original-width="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkpL9OQMUWdtaeJOADzo20ww96sHR4T5AZI_U7i5cwD32zWUJav2XssrJyZ3RuUsHA1P3KVurnprEfx0CZPzMAvLkBn_pHaXejkMWbICHUL5Mq8jjKVz2d1C1kRJpd9ERGebYCoRvB0G2xR8Ny_-S3uVSHtouo38_V_U2tcS7tzQ0jMvcAeDfwRqzWJ6bn/s320/images%20%282%29.jpg"/></a></div>
<b>“Yo me doy cuenta que Espartaco no es una iniciativa de unos jóvenes pintores sino que realmente es una iniciativa del aparato cultural argentino de ese momento, capitaneado por Rafael Squirrou (…) esto tiene que ver con un contexto internacional que esta viviendo una guerra fría entre el realismo soviético y el arte américano (…) los americanos quieren promocionar un arte abstracto, y a partir de ahí comienza la influencia norteamericana en países como argentina, el coloniaje cultural rechaza a los Espartaco".</b>
Las líneas en el documental están claras, Espartaco rechazaba de plano <b>al colonialismo cultural</b> no estaba de acuerdo con abonar con el arte abstracto porque en nada tenía que ver con la realidad política y cultural de nuestro país.
Espartaco fue un movimiento al borde de lo instituido, le escapaban a la mercantilización no estaban de acuerdo con un arte para pocos, para una Élite de abultada billetera y prestigio, se pintaba por y para el Pueblo, para visibilizar su lucha, darle rostro, entidad, entendimiento.
El mandarín de las artes visuales en aquel tiempo <b>Jorge Romero Brest</b>, el adalid de la crítica responsable y promotor del arte abstracto en nuestro país, no consideraba pintura lo que hacía el grupo, hay un ninguneo muy característico de la crítica, no se analiza la cuestión pictórica sino que directamente se la descalifica, entonces de esta manera no participa del debate pictórico del momento o en el decir del gordo Sanchéz <b>“lo que estábamos pintando eran monstruos para ellos”</b>.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgiQbILv6DqAb2sA2pH_bvYv7szRht0SGN7K5lNapCLxeBuCH5ZJKDCoINieU4SwRdk5qQLbC8WyK4poA-xE5ozUSqiiCHS4Dzn_xjrKsK1gstkJFaw5qgppwRqRbLFZhXbW5jO3VSOAUdg32yrwKRufSBxL5myfF3nIJ9CluUbrjQqmGxTr0z_HHgfJehy/s241/descarga%20%2814%29.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="241" data-original-width="209" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgiQbILv6DqAb2sA2pH_bvYv7szRht0SGN7K5lNapCLxeBuCH5ZJKDCoINieU4SwRdk5qQLbC8WyK4poA-xE5ozUSqiiCHS4Dzn_xjrKsK1gstkJFaw5qgppwRqRbLFZhXbW5jO3VSOAUdg32yrwKRufSBxL5myfF3nIJ9CluUbrjQqmGxTr0z_HHgfJehy/s320/descarga%20%2814%29.jpg"/></a></div>
Haciendo un paralelo con el campo de la música, especialmente dentro del rock, el movimiento Espartaco fue lo más parecido al <b>punk</b> en la pintura,como todos saben hizo de la precariedad su posibilidad y de la ética una urgencia que había que plasmar a como de lugar para denunciar lo que ocurría en las entrañas de la realidad, pero también el heavy de cuño local encuentra ecos en el movimiento, no es dificil imaginar las emblemáticas tapas de los discos de Hermética como una continuación y actualización de la misma problemática de representación.
Cómo el arte abstracto norteamericano iba a reflejar todo eso si en nada tenía que ver con sus orígenes, no porque no sea posible una re-apropiación, sino que para el candente momento histórico en que se vivía apelar al arte abstracto era darle el visto bueno a la colonización y a la entrega no solo material sino subjetiva de nuestra identidad como pueblo.
Para el Movimiento era importante que el arte <b>sea figurativo </b>la intención era la comunicación, que sea inteligible para la gente, el pueblo, en el fondo que no haya competencia cultural para apreciar el hecho estético, porque de lo que se habla muestra y pinta pasa por la sensibilidad, los sentidos y la empatía.
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El documental tampoco maquilla a los personajes de esta historia al contrario los expone en su singularidad como un grupo de pintores comprometidos con el cambio social y político pero de simiente machista, una sola pintora formo parte, <b>Elena Diz</b> que a su vez fue mujer de Juan M. Sanchez , tardaron dos años en aceptarla como parte del movimiento.
Ojos que no ven tiene una riqueza notable en su construcción cinematográfica, no pretende más de lo que es, un retrato sensible de un momento histórico donde la revolución no era una utopía sino una certeza que había que hacerla real.
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<b>Franco Venturini</b> uno de los últimos pintores en entrar al movimiento fue el que más lejos llego en su compromiso con la inmediata realidad y no pudo sobrevivir a ello.
<b>Carlos Sessano</b> estuvo en la Cuba del Che participo activamente por un tiempo hasta que volvió imbuido por la experiencia de revolución.
<b>Ricardo Carpani</b> fue el más dogmático, el más trosco según sus compañeros, el mismo se definía como un político que pinta, cosa que sus aliados de ruta no, ellos mismos dejan sentado en el documental <b>“Carpani siempre hablaba de política nosotros más de pintura”</b>.
No obstante Carpani aún en su delirio revolucionario -tomando prestado una expresión de Sessano cuando estaba en Cuba- tenía las cosas muy en claro, como todo dogmático hacía de la claridad conceptual un axioma para la praxis.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOp25EAHr3K-332MY7tn9azjk6eJSTN4Vlx46TUSjGT6rxW_3aFMtKRs9co0qxfBbYduxl3JvIyNCWm_EYPeAK5wbP6xnMoF8MqgcmnicVvN6zAVIfZJKFOcdFLCOY1AZmcqMxWfMoy8D9xE43oB6Vv5JxOJKf4bgnJbuKyyWqBF_tw_JumqZdxOuwAQ5r/s291/descarga%20%2816%29.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="173" data-original-width="291" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOp25EAHr3K-332MY7tn9azjk6eJSTN4Vlx46TUSjGT6rxW_3aFMtKRs9co0qxfBbYduxl3JvIyNCWm_EYPeAK5wbP6xnMoF8MqgcmnicVvN6zAVIfZJKFOcdFLCOY1AZmcqMxWfMoy8D9xE43oB6Vv5JxOJKf4bgnJbuKyyWqBF_tw_JumqZdxOuwAQ5r/s320/descarga%20%2816%29.jpg"/></a></div>
<b>“Para que el arte cumpla esa función social de promover el cambio a nivel político, la sociedad tiene que estar cambiando, evidentemente, en la medida que la sociedad no se cuestiona los valores vigentes, el arte tampoco lo cuestiona”.</b>
Hablar de la historia del movimiento Espartaco no es tan solo hablar de un momento histórico particular y significativo, sino también de las <b>familias</b> que estuvieron comprometidas, de los hijos que nacieron en el exilio, y de la reconstrucción del legado como es el caso de Malena la narradora que al final del film comparte su sentir: nostalgia, pérdida pero también abre una pregunta ética sobre el arte de sus mayores.
<b>“Al pasado no se puede volver, ni podemos recuperarlo tal cual fue, pero qué hacemos con las huellas, los restos.”</b>
Ojos que no ven es una excelente oportunidad para escuchar y dialogar con su imágenes, con lo que se comparte y piensa, una oportunidad para entender que el arte tiene que nacer dentro de la comunidad y no ser un comentario aparte, inaccesible y hermético.
El arte es del pueblo y la única sublimación valedera es la de la tierra, los orígenes, la sangre, los ancestros, la herencia es un legado pero también un combate con el presente, porque <b>la herencia es un bien discutible</b> y hay que discrimar lo que fue válido en su tiempo y en el presente no.
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El movimiento Espartaco intento cambiar las reglas del juego y a su modo lo hicieron, fue la cara visible de los movimientos sindicalistas, pintaron con dignidad y belleza a las tribus originarias entendieron que para hablar de lucha hay que remontarse a la conquista, hicieron de los muros un espacio político y bello, un estandarte de lucha y un mensaje a través de los tiempos.
Ojos que no ven, es un film necesario una pieza faltante para entender como se concibió un arte que no pedía más espacio que la calle y en su enorme figuración generar la diferencia, acercar la pintura a la gente, salir de las galerías y de la pretensión de seriedad académica, romper la institución del caballete, pintar con el cuerpo, los humores, el amor, y la voluntad del cambio político.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0mFzgLImldo2LDU-WL0duXSrOu7MY7w2fSGx934CKEECYu2aYE3j8oZJkcantmA7nkxpWx3wNNU7ZbX3vEThPgXSOv-uZjPoIpgIzXKh3S-pKV_jTugSbgHPUY0uPxmJQ1z0ujejEg2sZBGNUAyRyNizPplTCSMgWd_Qpgc10E0Jxba-3Q03c1-VVudDY/s418/images%20%284%29.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; "><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="120" data-original-width="418" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0mFzgLImldo2LDU-WL0duXSrOu7MY7w2fSGx934CKEECYu2aYE3j8oZJkcantmA7nkxpWx3wNNU7ZbX3vEThPgXSOv-uZjPoIpgIzXKh3S-pKV_jTugSbgHPUY0uPxmJQ1z0ujejEg2sZBGNUAyRyNizPplTCSMgWd_Qpgc10E0Jxba-3Q03c1-VVudDY/s320/images%20%284%29.jpg"/></a></div>
Bute lo dice mejor citado por Malena <b>“necesitamos un lugar donde lo imposible, se vuelva posible y es en la poesía donde los límites de lo posible es transgredido de buena ley, arriesgándose, el decía que un poema es una pintura dotada de voz y una pintura es un poema callado.”</b>
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Grupo Espartaco
Esperilio Bute, Ricardo Carpani, Pascual Di Bianco, Elena Diz, Raúl Lara, Mario Mollari, Carlos Sessano, Juan Manuel Sanchéz, Franco Venturi.
Para ver el documental entrar a la página Cine.AR PLAY: https://play.cine.ar/INCAA/produccion/8026
Para leer el manifiesto del grupo: https://www.margen.org/desdeelmargen/num3/esparta.html
Luis Ortelladohttp://www.blogger.com/profile/14876361558949662947noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2494870625295851170.post-47399203843267482202022-01-16T10:01:00.000-08:002022-01-16T10:01:24.317-08:00Oxidarse o Resistir (una lectura filosófica de Hermética)
Una de las problemáticas que atraviesa de lleno a la cuestión estética, es si <b>una obra puede cambiar vidas<i></i></b>, si puede modificar subjetividades arraigadas en prejuicios, costumbres y modos de pensar y por lo tanto afectando también los modos del hacer.
Puede una obra artística <b>moldear sensibilidades<i></i></b> y enseñar a percibir, mirar y escuchar, es posible mostrar que existen otros caminos como formas de pensar y de vincularse al mundo.
La respuesta a esta pregunta como bien sabemos es <b>puramente subjetiva</b>, somos seres sociales atravesados por una infinidad de discursos que hacen decursos y derivas en nuestro imaginario cultural, que con el tiempo y de acuerdo a decisiones concientes o no coagulan en una forma que sintetiza los años de formación.
A veces este proceso de acuerdo a las sensibilidades y el talento decanta en una obra nueva a partir de sus precursores y la tradición o también posibilita un espacio tan amplio de pensamiento que no puede más que reclamar su expresión en un libro.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgdjbUv_tRNEO6A2uxfAAQAI2wMY6AKYQXNLYs4q6-yFAYelGV5-CHgkcCMolC1TtYM7tFp_xe1ysvOecK_hOGzGGD_8frVkQ5P4Sas3Er_MfuYoKgMfYx-OaBunNIC4brfX2OACNCxNYXkr0_kH0uYsRhxPumCmyV4TXia3ceTWJqHIhNFvQQbM0Px4A=s268" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="268" data-original-width="188" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgdjbUv_tRNEO6A2uxfAAQAI2wMY6AKYQXNLYs4q6-yFAYelGV5-CHgkcCMolC1TtYM7tFp_xe1ysvOecK_hOGzGGD_8frVkQ5P4Sas3Er_MfuYoKgMfYx-OaBunNIC4brfX2OACNCxNYXkr0_kH0uYsRhxPumCmyV4TXia3ceTWJqHIhNFvQQbM0Px4A=s320"/></a></div>
Tal es el caso de <b>“Oxidarse o Resistir, Reflexiones sobre la íntima conciencia”</b> un ensayo enteramente dedicado a la poética de la banda de thrash metal <b>Hermética</b>, escrita con una prosa tan límpida como puntillosa por un autor novel llamando <b>Salvador N. Gómez</b>.
Hay que destacar una propuesta que no apunta a lo histórico aunque si lo es por consecuencia no le interesa el anecdotario acrítico como si sucede con el documental <b>La H de Nicanor Loretti</b>, ni tampoco apela a la cantera musical para hablar de influencias ni tendencias musicales, Oxidarse o Resistir, <b>es un ensayo filosófico que toma como entero motivo de su pensamiento a la lírica de Hermética.<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhmLRYW7AOpHcpwfkOE3XQfrJ0zdKHrqfrZr7y_GNXuhUDJ4XY7OKGiYeH6lWy9adr3A_qkvvpA4cZ4MPIJodWA8B_m7PjwTyE-PZDIrs4PsOOAd7mnOIjVrZ4OQhn7APtlW8YyPWTmcvVVETL-6DyBicpgNZhttSkt5eZwzoQBIjIWzeyD_KCeYsbCvQ=s250" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="250" data-original-width="202" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhmLRYW7AOpHcpwfkOE3XQfrJ0zdKHrqfrZr7y_GNXuhUDJ4XY7OKGiYeH6lWy9adr3A_qkvvpA4cZ4MPIJodWA8B_m7PjwTyE-PZDIrs4PsOOAd7mnOIjVrZ4OQhn7APtlW8YyPWTmcvVVETL-6DyBicpgNZhttSkt5eZwzoQBIjIWzeyD_KCeYsbCvQ=s320"/></a></div>
Nada en el libro señala detalles curriculares o biográficos que sustenten de manera vistosa la aventura de pensamiento en la que se embarca el autor que parece más bien <b>un oportuno accidente </b>para que el libro tenga lugar, porque nada nos indica quién es Salvador N. Gómez, pero lo que queda de manifiesto una vez embarcado en las primeras páginas es que el autor fue moldeado íntegramente por el devenir estético y poético de la banda de <b>Ricardo Iorio</b>.
Es decir el autor no esconde que es <b>un fan de la primera hora<i></i></b> y fue uno de los tantos huérfanos que quedaron sin respuestas cuando Hermética de disolvió en su propia entropía.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgB7VrBG7KkyFn6Cpd2ZeA86iHu4O6GHIdDA3u9SM8UFWHhafbFqJlcZ2Oi-NKgvwBrxFU6-5phOQwiuZz7dsjzt5hG601YPOi4tPFiWVra2f-x2yrAfS3QYA_on9rHS_Pi2rIPtKEF--d2U1JT0aAL3r6pGpMFWSeUGFe8dQyvoMAOeE1fDc-cHus8rQ=s225" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="225" data-original-width="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgB7VrBG7KkyFn6Cpd2ZeA86iHu4O6GHIdDA3u9SM8UFWHhafbFqJlcZ2Oi-NKgvwBrxFU6-5phOQwiuZz7dsjzt5hG601YPOi4tPFiWVra2f-x2yrAfS3QYA_on9rHS_Pi2rIPtKEF--d2U1JT0aAL3r6pGpMFWSeUGFe8dQyvoMAOeE1fDc-cHus8rQ=s320"/></a></div>
Oxidarse o Resistir es un libro que redobla la apuesta lírica de esta banda heavy de principios de los 90, porque se pregunta de manera tan socrática como directa sobre <b>las consecuencias de llevar una vida heavy<i></i></b>, tal como la plantea los presupuestos estéticos y políticos de Hermética, porque claro está el autor es el mejor ejemplo de esta vida que no tuvo más remedio que probar sus verdades en la contingencia del mundo más inmediato.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhUNgUjPp6OLHv5i4DWScx2mTWFGnCbi4qXJ6NpQCXFMUCWjus8ZVqLdg6UqtxPBs90rRNKoPanP1zjWcU1J_5DoqJqAea45L3rGna_yTQn53q_eEPfSuCDE9UWbJDyqVwhN6qrvU5X4yi6PnF6ILWYilOFxuMm1S1Z-c6btytZhmF1kA9fJ29EOK1Lkg=s310" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="162" data-original-width="310" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhUNgUjPp6OLHv5i4DWScx2mTWFGnCbi4qXJ6NpQCXFMUCWjus8ZVqLdg6UqtxPBs90rRNKoPanP1zjWcU1J_5DoqJqAea45L3rGna_yTQn53q_eEPfSuCDE9UWbJDyqVwhN6qrvU5X4yi6PnF6ILWYilOFxuMm1S1Z-c6btytZhmF1kA9fJ29EOK1Lkg=s320"/></a></div>
Lo más llamativo del libro es su <b>honestidad intelectual</b> Salvador N. Gómez expone página tras página el vínculo que establece con la banda prácticamente desde los comienzos, y de cómo este dispositivo estético -auditivo, lírico y visual- entro a su vida para cambiar todo orden y sentido.
Pero para que ello ocurra tuvo que existir una predisposición, una articulación inconciente entre la sensibilidad del oyente y la música, un vínculo inmediato que escapa a las interpretaciones previas para dialogar de manera directa con eso que el mismo escucha no sabe muy bien qué es.
Para Salvador N. Gómez este hecho indudablemente fue una de las bandas más representativas de principios década del 90.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgi_oWHr_fZtkhLZCAQmm5qs57yhamHyGeSLlt8EAQEXQa31ESx2-MkWqLW5ODpiekdlbCM65f7z_ysZEBPbecGaxs_UUCNQmdOsZuADbpI4fXuE1pH1vA7CaGiuVpR9ezn8C5Qccu7Xadlw0udpns7BLWAGfxa6UKwSsIbMmiYfIgaRHe-DPmgvm8u4g=s275" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="183" data-original-width="275" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgi_oWHr_fZtkhLZCAQmm5qs57yhamHyGeSLlt8EAQEXQa31ESx2-MkWqLW5ODpiekdlbCM65f7z_ysZEBPbecGaxs_UUCNQmdOsZuADbpI4fXuE1pH1vA7CaGiuVpR9ezn8C5Qccu7Xadlw0udpns7BLWAGfxa6UKwSsIbMmiYfIgaRHe-DPmgvm8u4g=s320"/></a></div>
<b>“Escuchar Hermética por primera vez en mi vida (…) fue un antes y un después, nada volvió a ser lo mismo desde entonces”.<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhfPICbtqk3XnhA-F-OPs2XvFtRz_6EnNZsggfEniEcCQS4oKtc5lv5qIZTPS1ikSMkhWGDgVmIrA8YFU-1d6cWY4C1C-BuBEhAsizR9rhU4Vz3dnOs1KT9Pf5UWpItxKrgPyH3bExhVsbyk8oH76Biu2nWOw2vQ57FyEBAATwB6C0BBIKYxsrYcbFtAA=s293" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="172" data-original-width="293" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhfPICbtqk3XnhA-F-OPs2XvFtRz_6EnNZsggfEniEcCQS4oKtc5lv5qIZTPS1ikSMkhWGDgVmIrA8YFU-1d6cWY4C1C-BuBEhAsizR9rhU4Vz3dnOs1KT9Pf5UWpItxKrgPyH3bExhVsbyk8oH76Biu2nWOw2vQ57FyEBAATwB6C0BBIKYxsrYcbFtAA=s320"/></a></div>
Pero el dato más curioso es que el autor encuentra una filiación en la poética de Hermética que lo conecta directamente con su progenitor, con su origen de clase, en la estriada voz de este grupo de thrash metal el autor resuena <b>“Era la voz de los trabajadores oprimidos (…) Era la voz de mi viejo al que tantas veces había escuchado hablar de la explotación del hombre por el hombre”.<i></i></b>
De alguna manera la educación familiar fue responsable de preparar el terreno para que esta singular banda encontrara oyentes tan activos como críticos, como es el caso de este autor que toma al pie de la letra esta propuesta musical e intentara en su recorrido ir hasta el fondo de las cuestiones más inasibles.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjubin2v8Y1TGcplkiHjXIxRhETaYjU4TYbnbwwgolMLUPXkmFiOiOMOxR0IlkiG_LID3BPYoECgu1_fM_AE8mBL3vDHvuCqHlOh7veDA6nfsaPurq0Yil83YZUDq_eb7WyDbQyeaIIeISzdN1UVYRzhq5oSpPhmZhkulbTtdhWz8DTtxrhfFJ82p3RsQ=s323" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="156" data-original-width="323" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjubin2v8Y1TGcplkiHjXIxRhETaYjU4TYbnbwwgolMLUPXkmFiOiOMOxR0IlkiG_LID3BPYoECgu1_fM_AE8mBL3vDHvuCqHlOh7veDA6nfsaPurq0Yil83YZUDq_eb7WyDbQyeaIIeISzdN1UVYRzhq5oSpPhmZhkulbTtdhWz8DTtxrhfFJ82p3RsQ=s320"/></a></div>
Una de las problematicas que el autor no evita es el mismo nombre de la agrupación, al poner sobre el tapete a <b>la filosofía Hermética<i></i></b> como una de las directrices de esta etapa rica en lucidez como aciertos de un jóven Ricardo Iorio.
Salvador N. Gómez toma la propuesta estética y poética de la banda contextualizando en su verdadero horizonte de saberes.
No deja de ser paradójico que una de los grupos más populares del heavy tenga un nombre elitista que apele a un saber entre iniciados que es tan antiguo como la cultura misma.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjGAsr6m-uMCL6OLJTPnXa3pRFc3t5Vs_hui3Qc1RwMXqPtJpq8GbOvvWezGlHS95lKKrMJ4V0nyj2purEk7I32M70pp9o8ynSMytdCtjhWOU49s-tLFsf85KAoxywyhe3JcHPG0HicdqFwUJ9PzMEW6vLrAWbi0Fa5G6Fos4Lc2qTkAi6slPxLcUshMw=s225" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="225" data-original-width="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjGAsr6m-uMCL6OLJTPnXa3pRFc3t5Vs_hui3Qc1RwMXqPtJpq8GbOvvWezGlHS95lKKrMJ4V0nyj2purEk7I32M70pp9o8ynSMytdCtjhWOU49s-tLFsf85KAoxywyhe3JcHPG0HicdqFwUJ9PzMEW6vLrAWbi0Fa5G6Fos4Lc2qTkAi6slPxLcUshMw=s320"/></a></div>
En este aspecto por lo que deja vislumbrar el libro el pensamiento de Salvador N. Gómez es el de un <b>platónico existencialista<i></i></b> -si tal cosa es posible- alguien que horadara hasta las últimas representaciones para raspar su verdad en la mácula de la existencia, lo que deja en claro el autor de manera oblicua es que esta agrupación de Thrash Metal comporta en su imaginario ese momento tan particular de la civilización cuando las divisiones entre Oriente y Occidente no eran tan claras, exponiendo si se quiere (en el mejor de los casos) que <i>el origen del Logos </i><b>occidental es fruto de Oriente.<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhta-kd8NlP1vdvBbCOh5jAIRINSb7YLLCof6BIP6CNRQxUXOYXBWdGVtjA_XDslVUKXfwn6KsFiY2gca-sDvOuAochAYNxd6zbUushUVMIC_M36EUjgfOHUljqJojRi-GM0fD_5VTXXfgn4BLs22Xc4LdvuMRmDhBSiJjPkCKtwmrtJxrDJzfUycRPQQ=s258" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="196" data-original-width="258" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhta-kd8NlP1vdvBbCOh5jAIRINSb7YLLCof6BIP6CNRQxUXOYXBWdGVtjA_XDslVUKXfwn6KsFiY2gca-sDvOuAochAYNxd6zbUushUVMIC_M36EUjgfOHUljqJojRi-GM0fD_5VTXXfgn4BLs22Xc4LdvuMRmDhBSiJjPkCKtwmrtJxrDJzfUycRPQQ=s320"/></a></div>
Por eso Salvador N. Gómez comienza hablando de la filosofía Hermética y sus principios, hay un rodeo histórico que ilumina la comprensión de la lírica de la banda que quiso el destino en la década del 90 fuera tomada solamente en su vertiente social, cuando esto tan solo era el emergente de un pensamiento mucho más profundo.
Oxidarse o Resistir fija su punto de partida en la tradición Hermética para ir desarrollando la amplitud de miras en un campo que va desde la misma historia del heavy local a la profundidad metafísica, de la coyuntura social a la angustia por la intemperie de la existencia.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjYGoie1osxhWBWfYQAhXTQBJNwRSL6pX9jorA9it74BbJXya-PT2ndGbqWOLUuCAWkFhAkFrkMhVJ5-pOWsl5Oklu07Zowgc_OblLhe-91kvqV6xnMJ4HzKLGphql_zt8_PSm2QgiaMG617Sm7IqCL64SCZqG2VVZwXATFF1mUfvr5MqkXlCOQ7wwq3A=s200" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="150" data-original-width="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjYGoie1osxhWBWfYQAhXTQBJNwRSL6pX9jorA9it74BbJXya-PT2ndGbqWOLUuCAWkFhAkFrkMhVJ5-pOWsl5Oklu07Zowgc_OblLhe-91kvqV6xnMJ4HzKLGphql_zt8_PSm2QgiaMG617Sm7IqCL64SCZqG2VVZwXATFF1mUfvr5MqkXlCOQ7wwq3A=s320"/></a></div>
El libro está enhebrado con letras de la banda, siempre con la cita oportuna de tal o cual letra subrayando el entretejido de un relato cultural que no pasa por la linealidad de la denuncia ni se esconde en un opaco elitismo solo para entendidos.
Por una cuestión de espacio y desarrollo tan solo voy a tomar a la última parte de Oxidarse o Resistir, en este recorrido el autor toma dos letras del mismo autor pero en épocas distintas para analizar la ruptura y el cambio de una poética que viró de destino cuando el propio artista en este caso Ricardo Iorio cayó en<b> la propia trampa autorreferencial.<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEitlas-imd17vUEVf4OE328qtI36pfPNK6nkwDVm-QsQ1tfJxPIOIyfmK3wgbDnJhsdToDzzYcMKPF0s9O9EAZKog64U0IeAqkSoPSHMFsTGhqKXlxFicTYtHFhWqerc9yS-zr5e7YeGytWaFDMVbHBDwisngL2lHzJCit8udAPUlLutcV_UO8W6UBvnQ=s259" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="194" data-original-width="259" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEitlas-imd17vUEVf4OE328qtI36pfPNK6nkwDVm-QsQ1tfJxPIOIyfmK3wgbDnJhsdToDzzYcMKPF0s9O9EAZKog64U0IeAqkSoPSHMFsTGhqKXlxFicTYtHFhWqerc9yS-zr5e7YeGytWaFDMVbHBDwisngL2lHzJCit8udAPUlLutcV_UO8W6UBvnQ=s320"/></a></div>
El capítulo del que hablo se llama <b>“De la vida impersonal a Sé vos”</b>. El autor es programático y ordenado en cada capitulo enuncia los temas para desarrollarlos con férrea convicción.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEg5qgfpnEPMyvBb8-K1iKJ1W3FnBOYfpmHL9IxkHVujrHgi35WK5u_PV9-jGk-YRo6RtEV2So6ubrQQXbBgARhOobTfJY3e3yR1ycZ7C2xOJKlkIXTNoXZ1tMCyjTXAHixbPCXJmur4m-IbSMREFk0LyFzORmzhbp1Kk-hyblQs2iiRvvOdxyYMDUcIwQ=s225" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="224" data-original-width="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEg5qgfpnEPMyvBb8-K1iKJ1W3FnBOYfpmHL9IxkHVujrHgi35WK5u_PV9-jGk-YRo6RtEV2So6ubrQQXbBgARhOobTfJY3e3yR1ycZ7C2xOJKlkIXTNoXZ1tMCyjTXAHixbPCXJmur4m-IbSMREFk0LyFzORmzhbp1Kk-hyblQs2iiRvvOdxyYMDUcIwQ=s320"/></a></div>
<b>“Vida Impersonal (Hermética, 1989) y Sé vos (Almafuerte 1998) son dos grandes temas del metal argentino pertenecientes al mismo autor, Ricardo Iorio. La intención de este capítulo es hacer un análisis profundo de ambos, para indagar sin en esas letras se puede llegar a rastrear ya algún tipo de quiebre filosófico, aunque sea incipiente en la lírica del autor.”<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEg5pfCA9ofrXf57ZGLbt4v5MOCW3rbp8u0bJJIpgaGrGPf76u5TEO5oAjI5nDF32uBA7aySpxX5mJAvB_fTwcNf1is8Q8TMnvE7q9fyicskaG8qUaA5eGSqO_r5CzYRFmCvoaW4akF68_BfJW6Uhajj5Bh5uiEPaK4ZsfiYf6As_uoE58LZwToqQHkIHw=s290" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="174" data-original-width="290" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEg5pfCA9ofrXf57ZGLbt4v5MOCW3rbp8u0bJJIpgaGrGPf76u5TEO5oAjI5nDF32uBA7aySpxX5mJAvB_fTwcNf1is8Q8TMnvE7q9fyicskaG8qUaA5eGSqO_r5CzYRFmCvoaW4akF68_BfJW6Uhajj5Bh5uiEPaK4ZsfiYf6As_uoE58LZwToqQHkIHw=s320"/></a></div>
Para Salvador N. Gómez la existencia social es una puesta en escena que en su relato escamotea lo que realmente debe importar, por ello en estas dos letras están representadas las antinomias de dos percepciones en abierta colisión.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhiBc126Wpit6vEHexrRo7R-d2PFtZ1FiO4-jUMgO6r3t5p7xTSDBDKs-P0MkJx2Tehy54r8F7H-R2K7MbMgpZHiiUiK6WwxSjiiTXmaCmTO-WZrYC7HRCBIAShvDT237X9w6nzZpcQh_qyD-MmxXlk9NqHQh4Ffzn9q9DY2-n5P3eSqvidDVeWwEbjJA=s300" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="168" data-original-width="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhiBc126Wpit6vEHexrRo7R-d2PFtZ1FiO4-jUMgO6r3t5p7xTSDBDKs-P0MkJx2Tehy54r8F7H-R2K7MbMgpZHiiUiK6WwxSjiiTXmaCmTO-WZrYC7HRCBIAShvDT237X9w6nzZpcQh_qyD-MmxXlk9NqHQh4Ffzn9q9DY2-n5P3eSqvidDVeWwEbjJA=s320"/></a></div>
<b>“Construimos una vida totalmente artificial basada en el materialismo. Somos testigos de la eternidad, pero lo ignoramos al caer en la oscuridad de la diferencia ontológica entre ser y ente.
Esto nos lleva a “cosificar” la existencia y confundir lo individual con el individualismo y la identidad con el personalismo, que no son más que una máscara del yo”.<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhhqVdh5cEV4154X-G91S-oKj7blAtRrYpYbJGxZSdzxliVPZDMjMZ5_aPyCf9T6FIGg0CAt3anFZPVnqu1Dj6msWc7hqR_1E_VQOD-42NOE8_428XPu_jA--jaCHHZVTanSG6M5uUni9TSo5qciQVIdwEXrYlaEmwoucu9LTPjAa7VoeERtyDlbQrlEQ=s259" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="259" data-original-width="194" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhhqVdh5cEV4154X-G91S-oKj7blAtRrYpYbJGxZSdzxliVPZDMjMZ5_aPyCf9T6FIGg0CAt3anFZPVnqu1Dj6msWc7hqR_1E_VQOD-42NOE8_428XPu_jA--jaCHHZVTanSG6M5uUni9TSo5qciQVIdwEXrYlaEmwoucu9LTPjAa7VoeERtyDlbQrlEQ=s320"/></a></div>
Vida Impersonal como el mismo autor lo enuncia es una de las tantas letras incomprendidas de Hermética, o tan solo alcanzada en una instancia de su poética, más ligada a lo mundano, pueden confundir sus metáforas sin tan solo nos quedamos con la cuestión más prosaica del asunto.
Salvador N. Gómez toma como punta de lanza para analizar a esta letra <b>El Kybalion</b>.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgDW5L7Mc7sia4pDxNuE7Fz1GD-BGYC5xyJehV7KsCybhwOGRdwptLXvlDPBB7vH3mfyvIApY00kO54ocvGalo45ZDIcFChPHuEjAL_zYo3JMT4QhaEBJWPrY6piY2HT4mMreVSfB01I-oOmgzvPZF7b9Eepp-ms85Vl0ZXxKK9pIowZi8O8wclMMXe0w=s270" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="270" data-original-width="187" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgDW5L7Mc7sia4pDxNuE7Fz1GD-BGYC5xyJehV7KsCybhwOGRdwptLXvlDPBB7vH3mfyvIApY00kO54ocvGalo45ZDIcFChPHuEjAL_zYo3JMT4QhaEBJWPrY6piY2HT4mMreVSfB01I-oOmgzvPZF7b9Eepp-ms85Vl0ZXxKK9pIowZi8O8wclMMXe0w=s320"/></a></div>
Como lo he expresado el estilo del autor es muy claro en sus intenciones, hay un afán pedagógico en su forma, que en este análisis roza la propia clausura semántica.
La lírica de Hermética comienza enunciando su propio misterio al decir <b>“Ya no maltrates a tu animal/ pues no lo debes vencer/ sino amar y salvar”<i></i></b>
Para Salvador N. Gómez esta línea enuncia la problemática de <b>instinto versus razón </b>–con todo lo que eso implica claramente- <b>“Se refiere al<i></i></b> <b>animal interno que vive en nosotros y que la sociedad incita a encerrar para poder convivir dentro de una cultura preestablecida según sus normas y reglas.<i></i></b>
La filiación que encuentra el autor en la siguiente línea viaja en el tiempo y conecta directamente a la banda de Ricardo Iorio con <b>Platón</b>.
<b>“Ahogado por la pared/ que sostiene las últimas sombras” esta parte se puede explicar claramente con la alegoría de la caverna de Platón. Describe que lo que interpretamos como verdad solo son sombras generadas por titiriteros sobre un muro y “sostenidas por los muertos que viven de lo externo”. El materialismo en el cual estructuramos nuestras vidas crea un mundo ilusorio, por eso vamos como nubes donde nos lleve el viento.”<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhtzOCFgg1v9Tl_8IAtMESZG7LNNeDgQjG-8BKVPcuuROq49WXf0gXnQ5ko20lxgMJqR1hb_LPOL_Ovdyfm_5g8pPSR3sR-HvuQd10mrHRff8gOiQUi1NBYeoZ9h6XEUcTrlFuXeD-DeUru2sxggEwjk5ZBM998W4x2OI3SHwL4HgjnilX28atlZcUStg=s277" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="182" data-original-width="277" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhtzOCFgg1v9Tl_8IAtMESZG7LNNeDgQjG-8BKVPcuuROq49WXf0gXnQ5ko20lxgMJqR1hb_LPOL_Ovdyfm_5g8pPSR3sR-HvuQd10mrHRff8gOiQUi1NBYeoZ9h6XEUcTrlFuXeD-DeUru2sxggEwjk5ZBM998W4x2OI3SHwL4HgjnilX28atlZcUStg=s320"/></a></div>
Lo que Oxidarse o Resistir propone es que Vida impersonal aboga por el ocaso de los ídolos, tal como el libro de Friedrich Nietzche la verdadera identidad no esta afuera sino dentro, pero como seres gregarios y domesticados por la filosofía del rebaño nos revestimos de lujos, de confort como de gordas excusas para no enfrentarnos a la propia contingencia de nuestras vidas, es <b>más fácil dejarse llevar por los relatos autorizados<i></i></b> y autenticados por los poderes de turno que animarse a vivir uno propio.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgi29Jba17ZHgj3mK00KoEjMGN-P34doaH2m1977L6nLpBaVB3m486crtfpYJUEqt9ylN47gnMc2rWlU5OfKs9J0HpvcSlkw4gz7DX8w1KyM0XBjkSHej8UrB-No-Wp0ZwoUPE7gMeh2aZ8-Vhos7NQSE4aNU55ICR19oiFCRCjR3cBUFNzY5G0wIHaIg=s284" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="177" data-original-width="284" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgi29Jba17ZHgj3mK00KoEjMGN-P34doaH2m1977L6nLpBaVB3m486crtfpYJUEqt9ylN47gnMc2rWlU5OfKs9J0HpvcSlkw4gz7DX8w1KyM0XBjkSHej8UrB-No-Wp0ZwoUPE7gMeh2aZ8-Vhos7NQSE4aNU55ICR19oiFCRCjR3cBUFNzY5G0wIHaIg=s320"/></a></div>
<b>“Encontrarse con uno mismo puede ser el momento más trágico o más sublime de nuestra existencia, porque el yo que construimos como escudo para no enfrentar cara a cara a la nada se siente más seguro aferrado a sus cadenas externas que en el vértigo de la libertad interior.”<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhOane-iowHCdIXMrNUIIFv92fXwh5XYIVjoHvPvE8fRwcQt99cg21p7hOL-xIbrxM42G3rp37fWW5xncshP-mW5Rm4gClgp_SPLNZU81tDqg40nsz9439idKI1pN6XAxTOw3yZMNgZQWhUlm9ZDISxG88IXQ4rIZCuysvuc2aaSz6Y4Q1BsMRl6MmmeQ=s291" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="173" data-original-width="291" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhOane-iowHCdIXMrNUIIFv92fXwh5XYIVjoHvPvE8fRwcQt99cg21p7hOL-xIbrxM42G3rp37fWW5xncshP-mW5Rm4gClgp_SPLNZU81tDqg40nsz9439idKI1pN6XAxTOw3yZMNgZQWhUlm9ZDISxG88IXQ4rIZCuysvuc2aaSz6Y4Q1BsMRl6MmmeQ=s320"/></a></div>
Por eso en el mundo según esta percepción y tal como lo señala la letra <b>no se hallará más que ilusión</b>, porque claro está según esta mirada vemos y sentimos al mundo no con nuestros sentidos sino que ya estamos mediados por una cultura que nos dice cómo mirar, cómo sentir, qué es el bien, el mal, qué es lo bello o lo feo, por nombrar las grandes polaridades de nuestra idiosincracia de seres atados a una moralidad que ha perdido su especificidad para transformarse en puro mandato.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgOTgn3H7ZUeeosAzKM43mla7-k2LbM1ta-Ws4A8g7yNY6btcuelYvRcUTsereZojgtkj2VoqGJLowXbO-l45RO10gi_sIP6GDQsebubTlkh1ayJb89swjrhGwN0vcVKLElIca2B1F2yP3hC8_K1nHwGmVhPViuqk9mLoQgLjK-0V871n67TnIWCsTg9g=s266" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="266" data-original-width="189" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgOTgn3H7ZUeeosAzKM43mla7-k2LbM1ta-Ws4A8g7yNY6btcuelYvRcUTsereZojgtkj2VoqGJLowXbO-l45RO10gi_sIP6GDQsebubTlkh1ayJb89swjrhGwN0vcVKLElIca2B1F2yP3hC8_K1nHwGmVhPViuqk9mLoQgLjK-0V871n67TnIWCsTg9g=s320"/></a></div>
En "Sé vos" la canción de Almafuerte la siguiente agrupación de Ricardo Iorio, la cuestión es bien diferente, acá es donde el autor se posiciona y entreve como la poética de este cantante y bajista comenzó a empobrecer su discurso tentándose con la autoreferencialidad, claro está que la mejor constatación del fuerte imperativo “Se vos” es el mismísimo Ricardo Iorio, el mensaje peca en su autoafirmación y comparte un lugar muy cercano a las terapias de autoayuda, la cultura de la buena onda y los coaching espirituales.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEig-dU0hcrbnmRoFBxm282k66Z2b8_KRM_nqdwHhRsPu6wajLSkgnZklvYBxrs0YKyjpC4Hlk9THkqt5gf5cDjYzJfWsGc9NIYbpjeMfwRaADLdGp3bK9epx_--DqGBZhWRUKuPcHTG1DGkaC2LAqphHXbmIEsJNhjub7GbvdOr8gAZjWOLkrYiQXXipQ=s300" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="168" data-original-width="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEig-dU0hcrbnmRoFBxm282k66Z2b8_KRM_nqdwHhRsPu6wajLSkgnZklvYBxrs0YKyjpC4Hlk9THkqt5gf5cDjYzJfWsGc9NIYbpjeMfwRaADLdGp3bK9epx_--DqGBZhWRUKuPcHTG1DGkaC2LAqphHXbmIEsJNhjub7GbvdOr8gAZjWOLkrYiQXXipQ=s320"/></a></div>
<b>“La letra hace hincapié constantemente en ser uno mismo sin importar la opinión de los demás. “¿Por qué falsear, si ser uno es ganar? ¿Por qué engañarse y mentirse?”, se interroga el autor, y dentro de la pregunta formula la ya categórica respuesta “Ser uno es ganar”<i></i></b>
Si bien la entereza de llevar una vida auténtica como clamaban las vanguardias estéticas a finales del siglo XIX y principios del XX encuentra eco en esta afirmación de la canción, el soporte del discurso no es el mismo, como tampoco el contexto, las vanguardias buscaron caminos por fueras de las normas de la civilización, intentaron construir otro relato aunque en muchos casos esto los llevo a la locura, el suicidio o la muerte, había un precio que pagar para sostener desde los hechos la afirmación de una vida entera.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEj1_0nfyAEJTuoESuCcxfzH30L7tQgSZMJWka9JEX62d-ivum7W4Gc8DsER3mo6ox1UJk_JHLOP8313NDEaK9v6U00oaPLTsFxgamXCBZTfUsy_KtjYo6YKj7D0W8V__TnHB4_fhHueg0GvBUS0L3HHtE15qm-G1j-r7jKDr0gAsGgoGesm9Tsl5Tf1Kw=s327" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="154" data-original-width="327" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEj1_0nfyAEJTuoESuCcxfzH30L7tQgSZMJWka9JEX62d-ivum7W4Gc8DsER3mo6ox1UJk_JHLOP8313NDEaK9v6U00oaPLTsFxgamXCBZTfUsy_KtjYo6YKj7D0W8V__TnHB4_fhHueg0GvBUS0L3HHtE15qm-G1j-r7jKDr0gAsGgoGesm9Tsl5Tf1Kw=s320"/></a></div>
En el caso de Ricardo Iorio el camino es diferente, la canción es de finales del siglo XX, ya la industria cultural a fagocitado la fuerza inconoclasta de las vanguardias, el formato es una canción que entra de lleno en la categoría musical de heavy metal o rock pesado, un código de lectura debidamente estoqueada en el supermercado de la industria musical.
Iorio ha cimentado su trayectoria en tres bandas fundacionales de un camino estético, pero si tal como lo señala Salvador N. Gómez en la etapa de Hermética apuntaba su mirada hacia el interior de uno mismo, en Almafuerte esta mirada se apoya en la mirada de los otros, porque justamente la otredad -dentro de este código de interacción-es <b>la que determina la singularidad del otro<i></i></b>.
Es decir el imperativo categórico “Sé vos” es uno de los tantos productos debidamente embalados de nuestra cultura de la imagen, el mismo Iorio se pasea por los medios dando a conocer toda su perfomance para ser uno mismo, esto implica y determina una poética de autoayuda que tan solo se regodea en sí mismo, sin mirar más allá de sus narices y sin tener en cuenta que el camino hacia la identidad siempre es un camino hacia adentro, hacia la espeficidad que nos hace seres de determinadas maneras y no de otras, por supuesto como el autor lo señala.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhanS19w7cjb8BH-CShDLMOXpNZv1wBBpMBhxX3jF-mmYKPLPLdcD-gQ6FyBtoMLTakonF0UHUkL0LMV52n0uAeSnR5fgjUqB5amzdiKSkjRwgxb48TNl3nvrU6MQlo06GBwzVoSHTD702qxFRQfaoXoS9SH3_xD8vXHcRti67OqU3hwnfaCMc0Yk5WUA=s300" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="168" data-original-width="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhanS19w7cjb8BH-CShDLMOXpNZv1wBBpMBhxX3jF-mmYKPLPLdcD-gQ6FyBtoMLTakonF0UHUkL0LMV52n0uAeSnR5fgjUqB5amzdiKSkjRwgxb48TNl3nvrU6MQlo06GBwzVoSHTD702qxFRQfaoXoS9SH3_xD8vXHcRti67OqU3hwnfaCMc0Yk5WUA=s320"/></a></div>
<b>“Nacemos situados en una época y un lugar que no elegimos. Dentro de un contexto sociocultural y económico predeterminados. Nuestros pensamientos son construidos de palabras y conceptos que no nos pertenecen. Nos educan con los saberes que distribuye un Estado con el cual tenemos un contrato social (…) Los medios de comunicación nos imponen un discurso hegemónico que, como miembros de la sociedad, nos encargamos de reproducir (…) La publicidad orienta nuestros hábitos de consumo, las modas y los modelos. No vemos el mundo como es, vemos el mundo como somos. Mejor dicho, como nos hicieron ver”.<i></i></b>
Oxidarse o Resistir es un libro de <b>filosofía</b>, un libro que interpela la constitución de nuestra subjetividad, un libro que horada las mecánicas sociales, un libro que toma los presupuestos discursivos de Hermética -una banda de principios de los 90- y los profundiza combatiendo en su propia enunciación a la banalización más absoluta de los gerentes de la cultura, los medios, la gestión política de turno, los psicólogos y terapeutas de la buena onda y al mismísimo Ricardo Iorio en su debacle estética y política.
Salvador N. Gómez escribió un libro para todos y para nadie y en su gesto de independencia de pensamiento nos invita a cuestionar todo lo que damos dado como hechos naturales, casi <b>como si no supiéramos que la humanidad es un artificio de la naturaleza y el universo.<i></i></b>
Luis Ortelladohttp://www.blogger.com/profile/14876361558949662947noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2494870625295851170.post-9468884813905187582021-11-16T13:47:00.001-08:002021-11-16T14:38:57.180-08:00Heavy, Tortura y Derechos Humanos (Segunda parte)
Meses atrás escribí sobre el primer e interesantísimo libro <b>Heavy Metal Argentino, La clase del pueblo que no se rindió </b>del abogado y escritor <b>Ariel Panzini</b>. En ese primer acercamiento tan solo tome como referencia a uno de los ensayos donde se buscaba retratar con precisión lo que para el autor es<b> el corazón de la ética del metalero argentino<i></i></b>.
El trabajo realizado por Ariel Panzini y esta es la novedad frente a tantos libros que indagan al rock desde la historia o la estética, Heavy Metal Argentino, La clase del pueblo que no se rindió es un trabajo de investigación que hace pie en<b> la formación jurídica y profesional<i></i></b> del autor pero que nunca se desentiende de su<b> pasión </b>musical.
A esta altura después de casi más de tres décadas se puede afirmar sin ningún tipo de exageración, que el heavy metal es una <b>cultura</b> en todo el mundo y que tiene sus valores y modos de expresión dentro de una infinidad de estilos que desafían constantemente a <b>los policías de la</b> <b>identidad</b> y de <b>las etiquetas del mercado</b>, pero según lo que estas páginas afirman la cultura metálica de nuestro país re-afirma y confirma su identidad por <b>el barro de su origen que corresponde inevitablemente a la clase trabajadora<i></i></b>.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyTrd8jiuRMwyCH9qQRgupfwVTCjTYZb94-ToNR8-1SJixhojKOhsX3B3KiKnzLb4TJWSa9beqfcHk_ayvuLlZIe7nJAdgAule_5gqrsYMB5hXZwf0329K2_ilgA6GwanikQ9T4ApHA-7I/s259/images+%252810%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="259" data-original-width="194" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyTrd8jiuRMwyCH9qQRgupfwVTCjTYZb94-ToNR8-1SJixhojKOhsX3B3KiKnzLb4TJWSa9beqfcHk_ayvuLlZIe7nJAdgAule_5gqrsYMB5hXZwf0329K2_ilgA6GwanikQ9T4ApHA-7I/s320/images+%252810%2529.jpg"/></a></div>
Como se sabe el heavy es uno de los tantos subgéneros del rock, que desde el momento de su aparición hacia finales del siglo pasado ha ido copando al mundo para transformarse -como todas las cosas resistidas en su momento- en <b>tradición y mercancía</b>.
Ariel Panzini si bien enmarca su trabajo desde una mirada cientista y se ampara en una doxa que puede ser engorrosa por las cuestiones jurídicas <b>nunca condesciende a perder el foco en citas eruditas o se engolosina con su conocimiento<i></i></b>.
La pluma del autor es bien práctica no se anda con vueltas y lo que muestra y demuestra es que <b>el heavy argentino tiene una mirada </b>anclada fuertemente en los <b>Derechos Humanos</b>, este hecho en sí mismo ya es un gesto político, porque la elaboración conceptual de las bandas más representativas –llámese<b> Malón, Hermética, Almafuerte, Tren Loco, Serpentor, o Nepal</b> comparten una misma preocupación social, humana y ecológica- que más allá de las diferencias estilísticas aspiran al mismo horizonte que podría cifrarse en una misma y sola problemática que en resumidas cuentas podrías ser; <b>“cómo vivir y convivir en un mundo que parece no desear otro camino que el de su misma perdición”.<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtjiIok_jv3XlxCi4WdVcxCF48jY9S4s0A7LLn2N0XiD1c2uZJ8uzZgr9G1EHD4IfWxfaM4J2iJtVdgBjKN2_A7VeoDaGttTGNsbYdIdsSCdtcE6XeKGsdshVUv8d2vXP5LNRzXldqOlRX/s300/descarga+%252823%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="168" data-original-width="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtjiIok_jv3XlxCi4WdVcxCF48jY9S4s0A7LLn2N0XiD1c2uZJ8uzZgr9G1EHD4IfWxfaM4J2iJtVdgBjKN2_A7VeoDaGttTGNsbYdIdsSCdtcE6XeKGsdshVUv8d2vXP5LNRzXldqOlRX/s320/descarga+%252823%2529.jpg"/></a></div>
Que el libro se llame Heavy Metal <b>Argentino</b> no comporta una actitud chauvinista sino que señala la diferencia fundante con el heavy de corte internacional, lo que observa Ariel Panzini y he aquí la polémica más interesante es como el heavy especialmente el norteamericano fue utilizado como <b>una de las avanzadas del capitalismo durante el fin de la guerra fría <i></i></b>para infiltrarse en Rusia e ir minando al imaginario soviético desde la banda germana protonorteamericana Scorpions con su Wind of Change al primer Festival heavy
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRQyGgN23PLUcn3o0CAUkoq99_kCytXt2aT-aJgmclWWyGthGyTRjsw4kuTkoOoS3Y7lqoZUjxRh9hqAA0kTl074nTsP5QEnX7IUC9WwpWdXyVHQcjd3SP7HNPxskeoQVnb6y_PRwRkOw5/s268/images+%252821%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="268" data-original-width="188" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRQyGgN23PLUcn3o0CAUkoq99_kCytXt2aT-aJgmclWWyGthGyTRjsw4kuTkoOoS3Y7lqoZUjxRh9hqAA0kTl074nTsP5QEnX7IUC9WwpWdXyVHQcjd3SP7HNPxskeoQVnb6y_PRwRkOw5/s320/images+%252821%2529.jpg"/></a></div>
<b> “En el estadio Lenin en la por entonces U.R.S.S. del año 1989, de Bon Jovi, Ozzy Osbourne, Mötley Crue, Cinderella y Skid Row, en un macro festival programado como una muestra de solidaridad hacia organizaciones anti-droga” <i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigr1amRilGWkcgFIsfj1CYnZp4XEzo_d_5fMG77OzZnV4l25pYq9b4O-OU8La6O_tMDZgeI3Kf7AG67KDiFJxoJz-k1xSem_ws2o5PhFcQ4q4iNpMlcAs7tsZ_3WyZXGMXCXnwrMILfcaG/s259/descarga+%252824%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="194" data-original-width="259" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigr1amRilGWkcgFIsfj1CYnZp4XEzo_d_5fMG77OzZnV4l25pYq9b4O-OU8La6O_tMDZgeI3Kf7AG67KDiFJxoJz-k1xSem_ws2o5PhFcQ4q4iNpMlcAs7tsZ_3WyZXGMXCXnwrMILfcaG/s320/descarga+%252824%2529.jpg"/></a></div>
Vuelvo a insistir Ariel Panzini no es un escritor de medias tintas por eso es importante recalcar que toda su escritura detenta una posición política clara y definida, esto quiere decir que mira más allá del género musical y de su pasión como el adolescente que fue para analizar sin eufemismo <b>la potencialidad imperialista </b>del mismo rock.
Lo que deja bien clarito es que <b>el heavy sirvió y mucho para el relato cultural que impuso con éxito E.E.U.U.</b> en los estertores de la guerra fría.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvkj5X_FIEXyEoyg_jF2VdPZSTMP5SbkQBEXx33ORiCi6usLU2M9jP0KwHttNGDZhGSoa-CnK3yYOmHUaoGXsG3iw-k6-nV_mtPDr1hwNU6RU3B_2y2we0SlpPshOpqB23lhi_2oGw-zlO/s275/descarga+%252831%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="183" data-original-width="275" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvkj5X_FIEXyEoyg_jF2VdPZSTMP5SbkQBEXx33ORiCi6usLU2M9jP0KwHttNGDZhGSoa-CnK3yYOmHUaoGXsG3iw-k6-nV_mtPDr1hwNU6RU3B_2y2we0SlpPshOpqB23lhi_2oGw-zlO/s320/descarga+%252831%2529.jpg"/></a></div>
<b>“El cine y la música fueron herramientas predilectas y fenomenales, juntamente con otras expresiones como la moda o los productos masivos de consumo (Mc Donald, Coca Cola, tecnología de punta, etc.) de las cuales el sistema se sirvió para esta nueva etapa de proyección del mundo. Negar ello a esta altura de los acontecimientos históricos responde más al síndrome de alienación al poder dominante (…) Es decir a la concentración del poder militar y económico se le suma la penetración cultural para exportar cosmovisiones determinadas que responden a intereses ajenos a los pueblos dominados”<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXV3R3mehq-y7BYm_0KZfU6Luk8eBi1wNch-cPHRfORqiLxwLgiUmbaBpfoBff2dCcul951Rp3omqWApgY1A_Pg1ZeUl92TevOWHfN0YnrPINeM0CsmImVXx920Lt0g3WMe2pfoGyYNYp0/s251/descarga+%252825%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="201" data-original-width="251" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXV3R3mehq-y7BYm_0KZfU6Luk8eBi1wNch-cPHRfORqiLxwLgiUmbaBpfoBff2dCcul951Rp3omqWApgY1A_Pg1ZeUl92TevOWHfN0YnrPINeM0CsmImVXx920Lt0g3WMe2pfoGyYNYp0/s320/descarga+%252825%2529.jpg"/></a></div>
Ariel Panzini no se detiene ahí sino que va más allá con su análisis e investigación para expresar que décadas después de la guerra fría, el imperialismo del país del norte siempre a la vanguardia de alguna guerra inventada vendiendo o alquilando su paz armada al mejor postor, encontró nuevas excusas después del<b> 11 de septiembre </b>para llevar al extremo más inimaginable la penetración cultural, porque en la trastienda y la ilegalidad de la supuesta guerra contra el terrorismo se utilizó a la música: el heavy, el pop latino, canciones infantiles y el country como herramientas indispensables para el ablandamiento, y la confesión a través de la tortura.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjerdFWAeBCV6iLZeMP3FegamlDfAv_Uf6yoOtiQCZZ_N-9CVDFrrWeQrli6RMPXaYFjt36WwoP5N4fU3HPlnQS3dFJv-b2KA9Y_9D5UgVRQF0PEtc9C47vGTutnYqHUuV9ZBpQV05QNZSy/s236/images+%252812%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="236" data-original-width="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjerdFWAeBCV6iLZeMP3FegamlDfAv_Uf6yoOtiQCZZ_N-9CVDFrrWeQrli6RMPXaYFjt36WwoP5N4fU3HPlnQS3dFJv-b2KA9Y_9D5UgVRQF0PEtc9C47vGTutnYqHUuV9ZBpQV05QNZSy/s320/images+%252812%2529.jpg"/></a></div>
<b>“Dentro del concierto de técnicas que logró “legalizar” la administración Bush a tales fines, lo llamativamente notorio radicó en la implementación de la música ya no como sistema de armas como se indicó anteriormente, sino como el instrumento matemáticamente calculado al mejor estilo de la Inquisición, como parte de un mecanismo de interrogación aplicado sobre los presuntos terroristas. El procedimiento consistía (…) en introducir al sospechoso de terrorismo en el denominado “tubo” (contenedor hermético, completamente oscuro, y cerrado, aislado de toda injerencia con el mundo exterior), siendo sometido durante largas jornadas a escuchar música a alto volumen, casi en forma ensordecedora y privándoselo del sueño por completo, donde en la gran mayoría de casos se repetía constantemente el mismo tema por varias horas, utilizándose el género del heavy metal habitualmente, conforme los distintos testimonios filtrados a la opinión pública.”<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNDR1UnSb7oNrfyZxz3i-1mPzDaFGensxcGlA866r0-Ra_CeQKNIPnHrba8d1S_TbTmbWK_b8GXPFz6zJQs2gmV0vndTxGM23Z6N0GPq_KcYDMyQs5QT-Ch4WtudRkuFuKRx3bdXzrC5bH/s284/descarga+%252826%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="177" data-original-width="284" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNDR1UnSb7oNrfyZxz3i-1mPzDaFGensxcGlA866r0-Ra_CeQKNIPnHrba8d1S_TbTmbWK_b8GXPFz6zJQs2gmV0vndTxGM23Z6N0GPq_KcYDMyQs5QT-Ch4WtudRkuFuKRx3bdXzrC5bH/s320/descarga+%252826%2529.jpg"/></a></div>
Pongamos las cosas en su debido contexto si la música es utilizada como herramienta de cohersión y tortura lleva a la problemática instalada por <b>Theodor Adorno </b>con su famosa sentencia <b>“Después de Auschwitz escribir poesía es un acto de barbarie” <i></i></b>a un nuevo horizonte de espanto, porque ya no se trata de la imposibilidad de tratar de asimilar el horror a través de la pulsión estética, sino que la misma estética (más allá del que rock sea un género industrial) es utilizada para provocar el horror y el fin de toda humanidad.
Puede sonar categórico pero <b>la tortura</b> es el límite que no se debe franquear porque después de ello no hay manera de regresar más que a través del trauma, la negación y la brabuconada patriótica e imperialista, todos vimos ese relato reproducido en centenares de películas que presenta y representa hasta la pornografía que para llegar a los fines hay que atreverse a transitar los medios necesarios para combatir al Mal de turno - llámese: comunismo, terrorismo islámico, Corea del Norte, China, <b>el mal siempre viene de Oriente<i></i></b> para la sensibilidad humanitaria e hipócritamente democrática y libre del Occidente más depredador e intolerante.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiW3GjCbZ2O4CpuODNQJ61WXH8fHx6N8ygj5TSynUmozdg0cBwbXHb91IVpU9Xg8FsALUjeUtPYmPdAWE2LDoTQv3ACvQ3CqLc7VcRskQQDbWIFBwBh6GT0Y0wnhSlqHZteF1Y6B41bweOZ/s259/images+%252811%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="194" data-original-width="259" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiW3GjCbZ2O4CpuODNQJ61WXH8fHx6N8ygj5TSynUmozdg0cBwbXHb91IVpU9Xg8FsALUjeUtPYmPdAWE2LDoTQv3ACvQ3CqLc7VcRskQQDbWIFBwBh6GT0Y0wnhSlqHZteF1Y6B41bweOZ/s320/images+%252811%2529.jpg"/></a></div>
<b>“No escapa a nuestra inteligencia que el género es producto integrante de la cultura occidental impuesta por el nuevo orden mundial instaurado por los E.E.U.U. luego de la segunda guerra mundial (…) Tal situación no es menor, ya que las personas sindicadas como terroristas y alojadas principalmente en las cárceles de Guantánamo, Irak y Afganistan, provienen de costumbres arraigadas completamente ajenas a las occidentales (…) A su vez, y como ya se ha advertido no es azaroso que se haya elegido al heavy metal como método de tortura silencioso, en razón a que no solo se logra obtener datos en la confesiones, sino que además, a modo de porta voz se está imponiendo el occidentalismo en forma coercitiva mediante el bombardeo cultural de su mensaje, trascendiendo la mera saturación sonora (…) La ofensa también es cultural.”<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYzgcqu8-xBxi0YqZcn-aYWwoJEmxRUJAKuP0Ctjn9UY93PD-hVsGGaAkcRogmVjZC618MmOnDUmDbBMSMXxDKXtib_opoXVDntlCLFN1UMeC3YKHy6wiqS_Qj2cgTzr3O2NvDlFCoojqK/s225/descarga+%252827%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="225" data-original-width="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYzgcqu8-xBxi0YqZcn-aYWwoJEmxRUJAKuP0Ctjn9UY93PD-hVsGGaAkcRogmVjZC618MmOnDUmDbBMSMXxDKXtib_opoXVDntlCLFN1UMeC3YKHy6wiqS_Qj2cgTzr3O2NvDlFCoojqK/s320/descarga+%252827%2529.jpg"/></a></div>
Según la detallada información que el autor comparte las canciones y los grupos elegidos son, <b>Deicide: “Fuck Your God” ; Dope: “Die MF Die”, “Take</b> <b>Your Best Shot”; Drowning Pool: “Bodies”; Metallica: “Enter Sadman”; AC/DC: “Shot no Thrill”, “Hell Bells”, Neil Diamond: “America”; Rage Against the Machine: unspecified song; Saliva: “Clic Clic Boom”</b>
También fueron utilizadas canciones de <b>Cristina Aguilera</b> de abierto contenido sexual, del <b>Barney el dinosaurio</b> como una gran variedad de música <b>country.</b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNHjrftIR2p1P2zE74GN8cBj-yZ42AOUoymM01vvc3vIBX90PIVwOsN32B9YAiBGfUjaMbnF1epUMtbrKxo9EGIDfN5S3rK1C1j54_X3HOCYq7norl9D6sF2fPlJ5el4cGFdPrRmU1E-rZ/s225/descarga+%252829%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="225" data-original-width="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNHjrftIR2p1P2zE74GN8cBj-yZ42AOUoymM01vvc3vIBX90PIVwOsN32B9YAiBGfUjaMbnF1epUMtbrKxo9EGIDfN5S3rK1C1j54_X3HOCYq7norl9D6sF2fPlJ5el4cGFdPrRmU1E-rZ/s320/descarga+%252829%2529.jpg"/></a></div>
Lo más llamativo del caso es la respuesta o la falta de ello de los músicos al enterarse de que sus canciones fueron utilizadas como herramienta de tortura, salvo <b>Tom Morello </b>de Rage Against the Machine (una agrupación con fuerte anclaje latino y tercermundista) el resto padece un autismo político por la falta de reacción, o una reacción a medias pero sin medir la gravedad del asunto o directamente dando justamente la derecha por tal aberrante planificación en la sala de tortura.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhc9o2t45OcYqOSXb0D3Ujn4Mbv8wVb-rDrcnrBqyqk0f3KTZ8nsahWZFpIyEAeiEIX0yCvtsvvphQSaOBg1Gh0tsfhGQxkY14IfN8niEDN83HWnVlRVh_9VDGSrPzmRVkwwF2WgHrYdCWR/s225/descarga+%252828%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="225" data-original-width="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhc9o2t45OcYqOSXb0D3Ujn4Mbv8wVb-rDrcnrBqyqk0f3KTZ8nsahWZFpIyEAeiEIX0yCvtsvvphQSaOBg1Gh0tsfhGQxkY14IfN8niEDN83HWnVlRVh_9VDGSrPzmRVkwwF2WgHrYdCWR/s320/descarga+%252828%2529.jpg"/></a></div>
<b>“Preguntado en una entrevista el guitarrista vocalista de Metallica James Hetfield, acerca del uso de su música para torturar a los presos de Guantánamo, respondió que “Una parte de mí está orgullosa por haber elegido a Metallica”, se sabe con certeza que “Enter Sadman” se usó en el interrogatorio de Mohammed Al Qahtani, conocido por ser el jihadista número 20 del 11-S-, porque ellos pensaban que así oirían el sonido de Satán. Es fuerte, es música poderosa. Representa algo que ellos desconocen, quizás libertad, agresividad…no lo sé…libertad de expresión. Y entonces es cuando una parte de mí se siente abrumada sobre las dudas de ciertas gente que piensa que estamos atados a unos determinados estamentos políticos por esto. No tenemos nada que ver con eso, e intentamos ser los más apolíticos que podemos. Porque una cosa es la política y otra la música, y para nosotros, no se deben mezclar. La política separa a la gente, y nosotros la queremos toda unida. No puedo decir “Stop”. No puedo decir “Háganlo”. Es algo que no me lo tomo ni como bueno ni como malo.”<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwFXLaDG2ycUbafL2yiy3ZdnuCUYdBAsSE5NLdiVY_SkNrDWEL4PFJJxz2mwRMlSwk79AIrtxQsgHRwZ-hhvGdfbCOfMk7G7X_pYZ3AHyKJYOvTBPEfPNwKX2rV0dclIBr4FhFeu6PnbeM/s225/descarga+%252830%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="225" data-original-width="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwFXLaDG2ycUbafL2yiy3ZdnuCUYdBAsSE5NLdiVY_SkNrDWEL4PFJJxz2mwRMlSwk79AIrtxQsgHRwZ-hhvGdfbCOfMk7G7X_pYZ3AHyKJYOvTBPEfPNwKX2rV0dclIBr4FhFeu6PnbeM/s320/descarga+%252830%2529.jpg"/></a></div>
Es interesante el contraste que realiza Ariel Panzini en sus páginas cuando habla de la temática de<b> Malón</b> y de <b>Serpentor </b>páginas más adelante, donde se pone en evidencia que <b>el género en nuestra tierra tiene los pies bien anclados en la política<i></i></b> pero no necesariamente en la partidaria sino en la manera de manifestar, de copar los espacios o directamente inventarlos para de difundir el mensaje de crítica y resistencia, lo político es la manera de exponer y de poner en circulación historias que se pretenden negar en la cultura local como lo fue la masacre de los <b>Pilaga</b> retratado en el segundo disco de Malón <b>“Justicia o Resistencia”</b> en la canción <b>“Grito de Pilaga”</b> por nombrar un solo ejemplo dentro de tantos donde los derechos de las minorías, de los desclasados, de los laburantes, de los pueblos originarios son puestos en primer plano, son la materia esencial de un género que en nuestro país <b>toma la partida de lo real<i></i></b>.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgk8ZfuQxqJjO0VCdED4PpdygUqXUY1QdM7jrQ5iyBd8XoNZhMUQ_hyljbPZ9Kvoeq_7WcPe4tZ_aEURDNhprBIwHz-FrdfRr2V-qQQZGtF4Dy7-WncbIRbNOzbc6aiXlCrnHCuQbxRXer3/s300/images+%252816%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="168" data-original-width="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgk8ZfuQxqJjO0VCdED4PpdygUqXUY1QdM7jrQ5iyBd8XoNZhMUQ_hyljbPZ9Kvoeq_7WcPe4tZ_aEURDNhprBIwHz-FrdfRr2V-qQQZGtF4Dy7-WncbIRbNOzbc6aiXlCrnHCuQbxRXer3/s320/images+%252816%2529.jpg"/></a></div>
Quizás por nuestra historia particular que durante el siglo XX tuvo poco años de gobiernos democráticos en relación con la infame cantidad de golpes de estados que sacudieron las entrañas de nuestra sensibilidad, quizás porque el rock y especialmente el heavy fue la música de los hijos de los laburantes, de las zonas desangeladas, de los que tuvieron que aprender sobre sus derechos y gritarlos, de los que pudieron modificar la programación que los hacía pensar y servir como empleados sin más horizonte que un aumento de sueldo siempre en veremos.
Quizás porque fuimos un país asediado desde sus comienzos por capitales extranjeros, quizás porque en esta historia fuimos del granero del mundo al patio trasero del imperialismo, quizás porque en esta historia a los laburantes siempre les toco perder y <b>la conciencia de esta pérdida</b> forma parte del adn cultural que el heavy como expresión actualiza en esta candente como esquizofrénica realidad.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhb2C1oeefZIpitG87zegAOPsqFEcZJtS8j2neBngmPthMwisVf0d6FpxWIjwEW0RwYesJn2qBE6OOYPZmHS0oFu6uyG1t1wGqxCuu6I1oaJMfgP6lJrb3hsQ2mvSVlFvq4mPCCb9aS5w4b/s225/images+%252815%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="225" data-original-width="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhb2C1oeefZIpitG87zegAOPsqFEcZJtS8j2neBngmPthMwisVf0d6FpxWIjwEW0RwYesJn2qBE6OOYPZmHS0oFu6uyG1t1wGqxCuu6I1oaJMfgP6lJrb3hsQ2mvSVlFvq4mPCCb9aS5w4b/s320/images+%252815%2529.jpg"/></a></div>
Gustavo Zabala el bajista y líder de Tren Loco está en las antípodas de James Hetfield de Metállica, no hay que olvidar que algunos discos de esta emblemática banda norteamericana detenta títulos que al parecer son una declaración de principios en si mismos, títulos tales como <b>“Master of</b> <b>Puppets”</b> o <b>“And Justice for all…?”</b>, entonces cuando Hetfield expresa que trata de ser lo más apolítico que se pueda no deja de ser un acto de ingenuo cinismo, cualquier pibe estudiante de cualquier universidad pública lo daría vuelta como un guante frente a tamaña estupidez, y ni hablar que en su declaración no puso el foco en la tortura que es el verdadero espanto.
En las páginas de Heavy Metal Argentino, La clase del pueblo que no se rindió del Gustavo Zabala expresa:
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfywENUngDcLyfj9mYEHwtUVJCemHn2RoX23jGbgefXBy69xEtb-CacpIK2d1sa3EZZNhjP8GdrNVRP8kkfGXke6h39klseSyexC5KrVL9ouGT-xt2NGl2gUVhBoF_owbbSUGwktJAFeNe/s225/images+%252814%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="225" data-original-width="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfywENUngDcLyfj9mYEHwtUVJCemHn2RoX23jGbgefXBy69xEtb-CacpIK2d1sa3EZZNhjP8GdrNVRP8kkfGXke6h39klseSyexC5KrVL9ouGT-xt2NGl2gUVhBoF_owbbSUGwktJAFeNe/s320/images+%252814%2529.jpg"/></a></div>
<b>“Yo creo que la política es una buena palabra. La política es el arte de cambiar la realidad, es la realidad; lo que pasa es que está bastardeada, porque a los que tienen el poder les interesa que la juventud no se sume a la política (…) Con la política podemos cambiar la realidad. Todo es política, desde la remera que te pones, hasta la actitud que tenés, hasta el lugar donde querés vivir. Hasta si querés arreglar el bache de la esquina de tu casa. ¡Podés cambiarlo loco!.”<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiD8FE35DvrzSjijwyXU3zTGJCWCGuK2hLt9ZigeV8hpoG0eJyVq54zUjAcDXed9l9fTyq9lOdXJGalgnoUcoSiqOmo-wSL37qq-oDez9tVSgAB_vMcxI5reyPbBgxRsxYnxoSpZNBa99aD/s275/images+%252817%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="183" data-original-width="275" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiD8FE35DvrzSjijwyXU3zTGJCWCGuK2hLt9ZigeV8hpoG0eJyVq54zUjAcDXed9l9fTyq9lOdXJGalgnoUcoSiqOmo-wSL37qq-oDez9tVSgAB_vMcxI5reyPbBgxRsxYnxoSpZNBa99aD/s320/images+%252817%2529.jpg"/></a></div>
En síntesis lo que el libro de Ariel Panzini expresa con éxito es que la constitución del heavy internacional y sobre todo el norteamericano vive en una suerte de limbo donde la política nunca se toca con la música, pero justamente el precio de esta grosera actitud es la de ser utilizado por los gobiernos de turno, con consentimiento o sin no importa, importa más la billetera abultada por los discos, entradas y merchandising vendidos, y como ya sabemos en este mundo de luminarias artificiales, no existe la mala publicidad porque a fin de cuentas todo vende y acapara la debida atención y hay que aprovechar ese momento para dar el zarpaso.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi89SuYTfY1-QdPGNkm3wtWmOwlOUoC4HinfVVuqW77BPW44582v4vMMJmSex3gxu9-CbHgwB_niBuv-QuZ1me1mYXPy3AxJrm-ZvKu2Mzi-Glf4mB-EI80Y0jIoumKp5aMqmip9zeNhc-x/s259/images+%252818%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="194" data-original-width="259" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi89SuYTfY1-QdPGNkm3wtWmOwlOUoC4HinfVVuqW77BPW44582v4vMMJmSex3gxu9-CbHgwB_niBuv-QuZ1me1mYXPy3AxJrm-ZvKu2Mzi-Glf4mB-EI80Y0jIoumKp5aMqmip9zeNhc-x/s320/images+%252818%2529.jpg"/></a></div>
El análisis de Ariel Panzini es mucho más profundo de lo que alcanzo a compartir, por eso es importante le lectura de este libro valioso, sobre todo para <b>derrumbar prejuicios</b> que hacen del heavy un cúmulo de cabezas de tachos o para poner en jaque a la patética como lamentable encarnación del último <b>Ricardo Iorio</b>.
Heavy Metal Argentino, La clase del pueblo que no se rindió, es un libro imprescindible para entender y poner en contexto, y seguir pensando en las maneras, los modos y las prácticas que hacen de este género quizás una de las vanguardias de las luchas como reivindicaciones sociales.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6oQtEgnONfpiBKGagXETtn5IRxgSO62LPFO-N_pB-3_9fc_fe0R9Hu7LG1I6aOwoO0k9ybtUe9hzMnt2eO3CPdwZJMAeu-n8om8MpVgBr62yalUjECuhrgKxdKpJWFnfRwoIL6ATzQxzX/s300/images+%252820%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="168" data-original-width="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6oQtEgnONfpiBKGagXETtn5IRxgSO62LPFO-N_pB-3_9fc_fe0R9Hu7LG1I6aOwoO0k9ybtUe9hzMnt2eO3CPdwZJMAeu-n8om8MpVgBr62yalUjECuhrgKxdKpJWFnfRwoIL6ATzQxzX/s320/images+%252820%2529.jpg"/></a></div>
Acaba de salir publicado el nuevo libro de Ariel Panzini que por el título señala la profundización y la amplitud de miras de una ardua empresa, el libro lleva como título <b>"Guerra, Justicia y heavy metal, Apuntes sobre la historia social del heavy metal.</b>Luis Ortelladohttp://www.blogger.com/profile/14876361558949662947noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2494870625295851170.post-16215895376028344352021-09-13T09:28:00.003-07:002021-09-22T06:58:53.111-07:00La muerte no es el final, Sasaraxa y la estética de la transformación
Lo que las aplicaciones de intercambio virtual traen a nuestras vidas es <b>una manera de vincularnos con la percepción</b> acotada a una temporalidad cada vez menor, todo parecería que en este mundo de invención capitalista <b>envejece muy rápido</b>, tan solo basta escuchar comentarios de un film de diez años atrás para que aparezca expresiones como <b>-es una peli vieja o es muy lenta-<i></i></b> nada sobrevive a la apetencia por el momento que ya se fagocita para llegar al siguiente.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1niBB4oMBanSDoHt1cKxzolpUFfWCyDq9n6eSd41xjMqF7LEzw0uEzDVa92O0VjIKlPV2bubwCgWjhofjNZJQAZkkLc1xw01aMlzHJSCcEfCQlDIdsQCvxLBtgl2JdPINuREaAGdY62QN/s960/Screenshot_20210907-103509.jpeg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="960" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1niBB4oMBanSDoHt1cKxzolpUFfWCyDq9n6eSd41xjMqF7LEzw0uEzDVa92O0VjIKlPV2bubwCgWjhofjNZJQAZkkLc1xw01aMlzHJSCcEfCQlDIdsQCvxLBtgl2JdPINuREaAGdY62QN/s320/Screenshot_20210907-103509.jpeg"/></a></div>
Pero dentro de estos márgenes <b>siempre hay ramalazos de resistencias<i></i></b>, subversiones en el orden del sentido y el imaginario que constantemente están desafiando los límites de lo percibido dentro de la percepción que las aplicaciones brindan con determinadas condiciones.
<b>Instagram </b>es una red social de intercambio visual donde literalmente hay de todo, y se comparten muy diversos contenidos desde perfiles exclusivamente de trabajo, a perfiles domésticos, artísticos, musicales, bizarros, humorísticos, políticos y culturales.
Para la sensibilidad atada a los vaivenes y desarrollos de las redes sociales, instagran es una aplicación, ya vieja <b>-once años de existencia-<i></i></b> lo cual condiciona la recepción de sus contenidos a sus usuarios futuros que siempre buscan estar dentro de la última tendencia.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtUWdMU_ElzxCluJehp3qn7rMBny3SPs8nZCZoa8vJ0JnryYHWs1NT9iSSNt6aeOpPi3EQvyqCBablAWSQPLFM-0mUwnVRFs8b7BJCjpXzVpdO_khkSoKstAQEi8VG63MJyxmT0NnH1xYD/s960/Screenshot_20210907-104016.jpeg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="960" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtUWdMU_ElzxCluJehp3qn7rMBny3SPs8nZCZoa8vJ0JnryYHWs1NT9iSSNt6aeOpPi3EQvyqCBablAWSQPLFM-0mUwnVRFs8b7BJCjpXzVpdO_khkSoKstAQEi8VG63MJyxmT0NnH1xYD/s320/Screenshot_20210907-104016.jpeg"/></a></div>
Pero eso no quita el valor de muchas de sus experimentaciones formales que siguen al pie de juntillas los parámetros que son considerados dignos de atención -duración de videos e historias, y sobre todo detentar alguna imagen que exceda lo puramente visual para transformarse en <b>materia </b><b>sensible.</b>
Esto sucede en gran medida con Sasaraxa que es una puesta en escena sobre <b>el recorrido y el aprendizaje de una mirada <i></i></b>como también el relato de una transformación.
Sasaraxa es una cuenta que vengo siguiendo con curiosidad desde hace un tiempo que en su práctica ha ido construyendo un espacio de recepción, elaborando de manera consecuente una estética que convoca un imaginario tan oscuro como sensual, de pretensiones alegóricas y literales en su relato, mensaje y misterio.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgCA2CSycUPwj3bSknayrZjUxnpgxPsHnCjNkheTUz-O0SJgKS6-mNcBnj0XrJQLX7FN2IwyQsVPO8q881ddbrTT8N5DGVDJVNC9WAKJFl-R7F1-NZPiGvrJIFVxBqLADVnmlR7iVbll8V/s960/Screenshot_20210909-212929.jpeg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="960" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgCA2CSycUPwj3bSknayrZjUxnpgxPsHnCjNkheTUz-O0SJgKS6-mNcBnj0XrJQLX7FN2IwyQsVPO8q881ddbrTT8N5DGVDJVNC9WAKJFl-R7F1-NZPiGvrJIFVxBqLADVnmlR7iVbll8V/s320/Screenshot_20210909-212929.jpeg"/></a></div>
Dicho esto hay que destacar la primera singularidad de esta cuenta, y es que la imagen icónica de la misma es <b>la cabeza de la autora cubierta con<i></i></b> <b>una bolsa<i></i></b>, este hecho en una red social donde <b>la rostridad </b>es la moneda de cambio no deja de ser una provocación literal y sutil, porque en la selva de lo irreal que puede ser instagram este gesto puede pasar desapercibido pero si uno se detiene un poco más, comprende que Sasaraxa no es un concepto a la venta ni un capricho narcisista, sino un manifiesto explicito sobre lo que puede un cuerpo <b>cuando se lo combate</b>, se lo pone en cuestión y se duda de su identidad, no en vano la autora detrás de esta propuesta estética se sirve y entrecruza materiales orgánicos, artificiales y sintéticos.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhK1-bradUznwyD8jRKSWhuVe4FOYSKmzaEogeaVbzVM8n_ymFz5smySXpJrOquJ1kHMLfdLa_mt8K2rX6UnZ9K_UxEuS8wdBJZR2I1JuO8Lk-QCAbS_cCBI8IzPWJKSBrZxHTew2qyGJM5/s960/Screenshot_20210909-212952.jpeg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="960" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhK1-bradUznwyD8jRKSWhuVe4FOYSKmzaEogeaVbzVM8n_ymFz5smySXpJrOquJ1kHMLfdLa_mt8K2rX6UnZ9K_UxEuS8wdBJZR2I1JuO8Lk-QCAbS_cCBI8IzPWJKSBrZxHTew2qyGJM5/s320/Screenshot_20210909-212952.jpeg"/></a></div>
Sasaraxa es una experiencia sobre <b>los modos y las maneras en que la materia se coagula<i></i></b>, generando cuerpos siempre a la sombra de su propia desintegración, se celebra la belleza radiante de determinadas frutas como frutillas, naranjas, cerezas, melón, kiwis, uvas y manzanas, sobre todo manzanas para recordarnos el inevitable destino de lo viviente, en contraste y contraposición a objetos modelados por la humanidad que conviven con las frutas y estos son: instrumentos musicales, parlantes, pedales, micrófonos que responde a la formación musical de la autora que también es responsable de musicalizar algunos de los videos.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisnpaKWtWd7t4uO9pWMNgpXGjlKoanvNkQmauPZeI_Wg6877egBBmQnBBkSD6DJShyphenhyphenBb9RK0kK0uDWYIbzI6XGygFDvAucV8uw-mrRK6O6-5zdDGQ-hfP2t-goOjieAkK-fVWWz62lRxNC/s960/Screenshot_20210909-213014.jpeg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="960" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisnpaKWtWd7t4uO9pWMNgpXGjlKoanvNkQmauPZeI_Wg6877egBBmQnBBkSD6DJShyphenhyphenBb9RK0kK0uDWYIbzI6XGygFDvAucV8uw-mrRK6O6-5zdDGQ-hfP2t-goOjieAkK-fVWWz62lRxNC/s320/Screenshot_20210909-213014.jpeg"/></a></div>
Los primeros posteos convocan un imaginario inactual, no por los elementos sino por la suma y la configuración de la imagen.
Son <b>“Naturalezas muertas”</b> a la manera de esos motivos pictóricos tan antiguos como la pintura misma, Sasaraxa nos ofrece fotos de una guitarra invadida por naranjas, o un micrófono asediado por uvas, un parlante con una corona de frutillas, la mitad de un melón conviviendo con un cabezal Marshall de guitarra, un papel escrito con lo que parecería la letra de una canción con semillas amontonadas a los costados, estos por nombrar algunas de las imágenes que religiosamente Sasaraxa publicaba en esa primera etapa de su trabajo.
Todas las fotos en su cuenta tienen un encabezado y algunas se permiten<b> poemas de respiración muy corta pero con un fraseo largo<i></i></b>, dando realmente la sensación de flujos incontrolables de sentido.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHIZvaZB_foy7i6M83FULxRYdcpX-2XQg0ScjfRAIxa5YyvdpfGgEYGLjaBje3gWm8XYkigHCgBZ3rdNKS00TYiarRd11ZuGRQUKZcqJ_xXQZpum2JkuBwb9pG3WoK2z-x5h7oH26H4lnn/s960/Screenshot_20210907-192905.jpeg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="960" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHIZvaZB_foy7i6M83FULxRYdcpX-2XQg0ScjfRAIxa5YyvdpfGgEYGLjaBje3gWm8XYkigHCgBZ3rdNKS00TYiarRd11ZuGRQUKZcqJ_xXQZpum2JkuBwb9pG3WoK2z-x5h7oH26H4lnn/s320/Screenshot_20210907-192905.jpeg"/></a></div>
La estrategia discursiva que plantea Sasaraxa entrecruza textos, imágenes y sonidos, y esa fricción que plantea entre las palabras y las cosas, lo sensible y lo aural esta el espacio que ella reclama para el espectador que se atreva a acompañarla por este sendero lleno de sugestiones y estímulos.
Se nota que en este derrotero desde su primera imagen publicada a la última se fue afianzando un lugar en su discurso estético, lo suficiente como para soltar la lengua y para aparezca Sasaraxa, es decir su imagen, su cuerpo, el ícono y la representación.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQqYrlyRuwx1qHKxC1_iV6Rxv2UrbrB1SJwC9Coy3XlEieoLF9cieHiQmYAXqvk2w-M1huKvJ_Q0AMfPzxhk_-aJr-Lt-MUMc82DcFr4Uhh-zhv2xP-pRYfW5Zf6LifkBkKh8gBSq3nfqe/s960/Screenshot_20210907-103226.jpeg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="960" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQqYrlyRuwx1qHKxC1_iV6Rxv2UrbrB1SJwC9Coy3XlEieoLF9cieHiQmYAXqvk2w-M1huKvJ_Q0AMfPzxhk_-aJr-Lt-MUMc82DcFr4Uhh-zhv2xP-pRYfW5Zf6LifkBkKh8gBSq3nfqe/s320/Screenshot_20210907-103226.jpeg"/></a></div>
Antes de continuar habría que agregar que Sasaraxa <b>no es una obra acabada y ni siquiera es presentada como tal<i></i></b>, es un trabajo en proceso, es decir abierto a las contingencias, accidentes y hallazgos de <b>toda subjetividad en combate y búsqueda</b> por su forma más conveniente.
Esto implica que cada posteo es un ensayo sobre los alcances expresivos, más allá de que hay un cuidado puntilloso sobre la puesta en escena tanto de las fotos como de los videos, y existe un concepto detrás que al parecer cierra sobre sí, hay una continuidad en el relato a veces implícito pero la mayoría de las veces expuesto por la<b> literalidad expresiva</b>.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHfS9CCuJ8YIyQMgrv59RCxAWXgk3G-DNF8q3Nq8oXFPkA-uV5QNTic89aJQwgbfuRvZqX5w72qnLEUF-FwTlL_5Dw_aXCYz_EZqHx0aE6G8EZCLqlRI1oE6sHUHGjUhbmRL09XW6YI6yy/s960/Screenshot_20210907-104031.jpeg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="960" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHfS9CCuJ8YIyQMgrv59RCxAWXgk3G-DNF8q3Nq8oXFPkA-uV5QNTic89aJQwgbfuRvZqX5w72qnLEUF-FwTlL_5Dw_aXCYz_EZqHx0aE6G8EZCLqlRI1oE6sHUHGjUhbmRL09XW6YI6yy/s320/Screenshot_20210907-104031.jpeg"/></a></div>
Esto no quiere decir que no abunde en alegorías ni simbolismos como cifra estética, sino que los momentos en que la literalidad apremia es cuando aparece la palabra señalando el valor semántico de lo que se muestra.
Esta convivencia es tirante porque la economía de la imagen es muy justa en su orden expresivo, pero los textos que acompañan tienen la abundancia del derrape, <b>el cuidado que existe en lo visual no lo tiene en la escritura<i></i></b>.
Lo cual no le quita mérito sino que apuntala la honestidad de una escritura, que vibra la desmesura de lo que al parecer es incontenible.
Existen ocasiones en donde los textos parecen la antesala de la imagen y en otras parecen más su lógica consecuencia, aunque también aparecen momentos donde la lógica de la representación se disloca creando un lugar diferente de recepción para la imagen y lo textual.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8LYCbRf8gMY3wwaoA0Wnc9GBmG5NkoPosok9TP9Rerd-MOZVgsmlnVAkCS0Enu1NHnXs3KE2cE8xuRFQboWuFZZbRvsfeR7ZBT_pDfCSgETfHa_2g33dOhWg2mVB1bQib_ky0kl1Jbq3C/s960/Screenshot_20210907-103950.jpeg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="960" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8LYCbRf8gMY3wwaoA0Wnc9GBmG5NkoPosok9TP9Rerd-MOZVgsmlnVAkCS0Enu1NHnXs3KE2cE8xuRFQboWuFZZbRvsfeR7ZBT_pDfCSgETfHa_2g33dOhWg2mVB1bQib_ky0kl1Jbq3C/s320/Screenshot_20210907-103950.jpeg"/></a></div>
Hay momentos en este recorrido donde Sasaraxa en su cuenta se permite compartir cuestiones más biográficas como por ejemplo cuando habla y muestra la filmación y el registro fotográfico de un ensayo y posterior recital con una banda tributo al grunge a la cual le presta voz y que curiosamente se llama <b>“Adolecer”</b>, habría que hacer una salvedad con respecto a las historias de instagran donde lo que postea si bien tiene que ver con los contenidos de las fotos y videos, son al mismo tiempo el afuera de estas experiencias cuidadas, en este espacio tan fugaz como son la historias de Instagram se ven más las preocupaciones cotidianas de la persona detrás de Sasaraxa.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEgx3XJfyVW4lx5nYS5qFM2Wgl1qg-Wk-ZHovXwvJSSscCm5SO71stur1ab4UPRfB2M2mSExqkdU4q-OaAnzMN3ZvLARQuKXJAsVUNbtrnVo8vEalPY667IC-y6X_Ab1Ljwrab4UfKRAQO/s960/Screenshot_20210907-103354.jpeg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="960" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEgx3XJfyVW4lx5nYS5qFM2Wgl1qg-Wk-ZHovXwvJSSscCm5SO71stur1ab4UPRfB2M2mSExqkdU4q-OaAnzMN3ZvLARQuKXJAsVUNbtrnVo8vEalPY667IC-y6X_Ab1Ljwrab4UfKRAQO/s320/Screenshot_20210907-103354.jpeg"/></a></div>
La estética que fue generando en el tiempo le dio frutos en el campo del rock, ya que su personaje fue requerido para la tapa de un álbum como para un video hecho por ella, (se pueden ver en su cuenta) con esto hay que agregar que su estética es muy afín a determinados contenidos del mundo heavy/dark, es decir bebe de esas aguas como del arte contemporáneo y el lado más arty del rock vanguardista.
En esas ramificaciones también aparece cierto costado que se comparte con <b>el mundo del fetichismo sadomasoquista y cristiano<i></i></b>, esto no quiere decir que el contenido sea cristiano ni exclusivamente sado, sino que en la enunciación formal de estos componentes esta la singularidad de un relato sobre <b>el dolor del cambio<i></i></b>, el extrañamiento de la mutación y la claustrofobia de la interioridad.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjc1mJz5rV38eFiJrinB9HzaZnFChyphenhyphenmemxN95VUZfwOavcWBmIUPIAmnJbsf1w3PLT-Dv2DwuMZITLIuwA5-S0TsUggHtDLm8fR_T51r9H3xlPmYr-1epe2fRaQdLtfb18JqX2zrdi7QVZe/s960/Screenshot_20210907-103300.jpeg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="960" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjc1mJz5rV38eFiJrinB9HzaZnFChyphenhyphenmemxN95VUZfwOavcWBmIUPIAmnJbsf1w3PLT-Dv2DwuMZITLIuwA5-S0TsUggHtDLm8fR_T51r9H3xlPmYr-1epe2fRaQdLtfb18JqX2zrdi7QVZe/s320/Screenshot_20210907-103300.jpeg"/></a></div>
No es casual que su banda tributo al grunge se llame Adolecer, porque justamente se podría aseverar que toda su obra está atravesada por este proceso, esta revolución química, este desajuste entre lo interno y lo externo, pero si seguimos los lugares comunes del mito, este proceso de la oruga no la lleva a transformarse en una mariposa soñada y sublime, sino (según sus palabras) en <b>“un bicho invertebrado, exoesqueleto, bien<i></i></b> <b>forjado (…) en polilla me transformo con acordes tan sombríos y solemnes (…) y ahí estaré cada noche, en plena oscuridad con un corazón de piedra aleteando torpemente hacia la luz artificial. CUANDO EL SOL QUEMA.” <i></i></b>
Este poema acompaña el posteo de una foto donde se ve la reproducción de una polilla (parece una foto dentro de la foto) conviviendo con lo que parece el cable de un instrumento musical, uvas rotas, papel quemado y otro papel debajo de tinte amarillento que contiene una caligrafía apretada donde se deja leer fragmentos del texto citado que acompaña a la imagen.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiB2kuGSfWtChoPjzFZKayf8d1pn9IP0RT9B_yIOMloF-ZFEXXixynYxrM7KdKhZSbgag3jzcVlQjT4vcU4UGnawm68QzjASQ_opS07CFGPcTx0lYZLwvjaar6WVpGJCGD793otHaHi9Tnn/s960/Screenshot_20210907-192941.jpeg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="960" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiB2kuGSfWtChoPjzFZKayf8d1pn9IP0RT9B_yIOMloF-ZFEXXixynYxrM7KdKhZSbgag3jzcVlQjT4vcU4UGnawm68QzjASQ_opS07CFGPcTx0lYZLwvjaar6WVpGJCGD793otHaHi9Tnn/s320/Screenshot_20210907-192941.jpeg"/></a></div>
Lo realmente llamativo es que el poema comienza afirmando que está <b>“codificada”</b>, no puede transformarse en mariposa por ello y la palabra codificada dentro de la economía que plantea el texto es un poco forzada pero la autora le resta importancia a este detalle y esa es su mayor virtud como también su punto más débil como ocurre en otros textos <b>donde prima más la necesidad de ser entendida</b> restándole ambigüedad a lo expresivo.
Lo que sí le interesa remarcar y esto se ve en lo otros publicaciones es su postura con respecto a <b>la femineidad</b> pero no estamos hablando de un discurso feminista sino más bien femenino que es bien distinto.
El proceso de crecimiento como todo proceso comporta sus zonas menos felices y más problemáticas y esto tiene directamente que ver con la mortalidad de las cosas todas, con <b>la piel muerta que se deja atrás<i></i></b>.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-EXS_mhqKhKW5121MmXgF1xwFYmEhPGua3CaN4jphJ7ra25DH_-VPHZeBrvd-ZRty6lEqslU4105OT748kCoAwELJOV20L6KlbRvK_8_C8NINSNMBsp10V_fCZF7h44dmI2yZuzgH1t9i/s960/Screenshot_20210907-193208.jpeg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="960" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-EXS_mhqKhKW5121MmXgF1xwFYmEhPGua3CaN4jphJ7ra25DH_-VPHZeBrvd-ZRty6lEqslU4105OT748kCoAwELJOV20L6KlbRvK_8_C8NINSNMBsp10V_fCZF7h44dmI2yZuzgH1t9i/s320/Screenshot_20210907-193208.jpeg"/></a></div>
En uno de los primeros posteos aparece esta temática en toda su carnadura pero no desde la foto sino desde un poema que acompaña y muestra las tripas de su desintegración.
<b>“Entonces como de esa fruta que se pudre muy de a poco y tan veloz al mismo tiempo. Y si entonces ya no miento –nunca miento- de podridos hoy hablamos. Una fruta con gusanos y la piel que se desarma. Cuanta alarma que dispara una fruta muerta. Más tan llena de gusanos, significa que aún hay vida. Valentía al morder solo un pedazo. Y no como de la fruta, solo como sus gusanos.”<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPTKaNeQs8RxFh2tfNL4TSTL7s6sVJMVgZdD0_Tqc6cAo3Ub5wTI_XS3NGNQLBSrNFbpCQt3Q9MPlPVJ4Geqs9pYbK3yPockvx-pMwVXXa_00c4XNrLOkCxqa2r_TOIUTiOxh2JzCGqPir/s960/Screenshot_20210907-192905.jpeg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="960" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPTKaNeQs8RxFh2tfNL4TSTL7s6sVJMVgZdD0_Tqc6cAo3Ub5wTI_XS3NGNQLBSrNFbpCQt3Q9MPlPVJ4Geqs9pYbK3yPockvx-pMwVXXa_00c4XNrLOkCxqa2r_TOIUTiOxh2JzCGqPir/s320/Screenshot_20210907-192905.jpeg"/></a></div>
En esta apetencia sobre la descomposición se cifra la poética de Sasaraxa, no se trata de la morbidez sino de la disolución de las fronteras y la identidad en el momento en que se produce el deceso, <b>la acción de comer los gusanos no es producto de la muerte sino su consecuente efecto.<i></i></b>
Como se vera si uno lee con atención para Sasaraxa la muerte no es el fin y en ese aspecto aparece un costado digno de las sectas más radicales y profanas del cristianismo.
Es importante señalar que no pretendo agotar las interpretaciones con respecto a esta poética, este tan solo es un acercamiento caprichoso y personal a un universo donde la muerte es la moneda de cambio para pasar a otro estadio del ser y la materia.
Como escribí párrafos atrás abundan las frutas en los motivos visuales, pero la fruta que aparece con mucha recurrencia es <b>la manzana</b>, ya sea verde o roja su presencia no es un mero decorado sino que -según mi lectura- es la apropiación de un símbolo que según la mitología cristiana es la causa de nuestra perdición. Pero el detalle que no se puede pasar por alto es que <b>Eva la primera mujer</b> según este mito es la entera responsable de la perdición de la humanidad.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgW7CHJeTf9DxBEdXpWQbCJ24HjOPc_p-tVzc-MESzFQ2GauLTR5zETpP2UF0p28RMgXrlkHa8jaZCS5TOlUbm4-rplfJnkfJ8ruB-BjxcdcDs7wMr-3-VAXIcIFMCnEyAeqwXX-r9OALBy/s960/Screenshot_20210907-192835.jpeg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="960" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgW7CHJeTf9DxBEdXpWQbCJ24HjOPc_p-tVzc-MESzFQ2GauLTR5zETpP2UF0p28RMgXrlkHa8jaZCS5TOlUbm4-rplfJnkfJ8ruB-BjxcdcDs7wMr-3-VAXIcIFMCnEyAeqwXX-r9OALBy/s320/Screenshot_20210907-192835.jpeg"/></a></div>
De esta manera el mal quedó indisolublemente ligado a la mujer, de ahí en más el curso de los hechos, la cultura, la política y la codificación sobre la mujer, su identidad y <b>su cuerpo es una imposición, una celda y un castigo.<i></i></b>
Sasaraxa se hace cargo de esta carga cultural y simbólica pero de una manera donde recupera el cuerpo no como objeto mercantil sino como campo de la experiencia y la experimentación, en este aspecto no es que Sarasaxa hable sobre la mujer sino sobre la singularidad de los seres que por diferentes motivos y azares genéticos habitan un cuerpo con determinadas características y no otras.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEic6xxRh1znoefEgTd3OyNe8V4jPWoHj4NMv42zmTE9fO9k1TMV6IV7E57Q1EB-xfHNL7PGRW2X_NmJ4AU7I6xSt3_geCN4EtZE5WJGgU3dQbmYJtu5Z4OKZFRX-fd5q9-6HLF3QMY9e18o/s960/Screenshot_20210907-192625.jpeg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="960" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEic6xxRh1znoefEgTd3OyNe8V4jPWoHj4NMv42zmTE9fO9k1TMV6IV7E57Q1EB-xfHNL7PGRW2X_NmJ4AU7I6xSt3_geCN4EtZE5WJGgU3dQbmYJtu5Z4OKZFRX-fd5q9-6HLF3QMY9e18o/s320/Screenshot_20210907-192625.jpeg"/></a></div>
Por eso la manzana es un elemento recurrente, es un símbolo que Sasaraxa le usurpa a la mitología cristiana para re-afirmar la condición femenina como <b>espacio del saber</b>, después de todo el fruto era del árbol del bien y del mal y por ello fuimos desterrados del paraíso. Sasaraxa en su apuesta formal desafía a la noción de cuerpo, desafía la utilidad, la garantía y la identidad de lo que se supone es habitar la carne.
Para ella el cuerpo es un terreno en disputa tal como lo enuncia en uno de sus tantos poemas <b>“Ese cuerpo obsoleto, ese cuerpo dormido, tanto <i></i></b><b>tiempo recluido.”<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjpEPi07B_GsIiKQ7avhyTjSucuOshft0KeTt-GhUgdjAjx2a924G9-T3BC9DMExaM_OcvNw2BO3OPkuCuRtWmeVBXWUH5YFORvmeKgBu1dq8gUxGUqcSW1re35d6Gv27tpF_oEWwJWX4nS/s960/Screenshot_20210907-192828.jpeg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="960" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjpEPi07B_GsIiKQ7avhyTjSucuOshft0KeTt-GhUgdjAjx2a924G9-T3BC9DMExaM_OcvNw2BO3OPkuCuRtWmeVBXWUH5YFORvmeKgBu1dq8gUxGUqcSW1re35d6Gv27tpF_oEWwJWX4nS/s320/Screenshot_20210907-192828.jpeg"/></a></div>
La mirada no solo es estética sino también comporta <b>una ética</b>, por eso la encarnación de Sasaraxa -ese curioso ser con la cara tapada y un vestuario de apariencia primitiva- se toma su tiempo en cobrar protagonismo y cuando lo hace por fin, las fotos de naturalezas muertas con las que inició su recorrido van desapareciendo.
Acá es donde entra el valor de la religión pero en su acepción más primigenia, la que no funda ninguna iglesia sino que la <b>trata de re-ligar<i></i></b> el pacto tácito entre la humanidad y el universo.
El gesto de Sarasaxa es el de bucear en lo orígenes, desconstruir al mito que hace de la mujer un ser binario para quedarse con la especificidad del cuerpo y de su piel sensible, para exponer <b>la temible fatalidad de que no somos más que carne con pensamiento<i></i></b>, y el mal que nos aqueja es que no existe ningún tipo de justificación alguna para nuestra existencia, lo único loable es la voluntad y la inventiva para pervivir, pero esto supuso un costo altísimo para la cultura occidental que es la invención de la conciencia, ese espectro en el camino, tenemos una disociación básica que ya no sabemos como corromper porque <b>el logos a colonizado prácticamente a todo los territorios de la inconciencia<i></i></b>.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJjNltM9pClF4lZs2U6xVtu1gSyK748vz2J4WV1npzstuhRo2N6q_8JdXk1F1v4jPLe-0LpwCsNxXEe2l9a4v4PMP9CyZGLiIq6vHCpXYw10QArN-1j2bNGYPkRDM77j6Ac3cpJ0Ibn05E/s960/Screenshot_20210907-193003.jpeg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="960" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJjNltM9pClF4lZs2U6xVtu1gSyK748vz2J4WV1npzstuhRo2N6q_8JdXk1F1v4jPLe-0LpwCsNxXEe2l9a4v4PMP9CyZGLiIq6vHCpXYw10QArN-1j2bNGYPkRDM77j6Ac3cpJ0Ibn05E/s320/Screenshot_20210907-193003.jpeg"/></a></div>
El componente<b> ritual</b> es capital en el gesto estético de Sasasaxa, prácticamente está presente en todas sus intervenciones, hay un relato implícito que es su proceso de transformación, por eso la mayoría de los poemas en donde aparece el cuerpo mencionado siempre tiene una connotación objetual pero en nada tiene que ver con la objetualidad pornográfica y mercantil de nuestra aldea visual.
Si hacemos un rápido recorrido uno se encuentra con expresiones tales como:
<b>“Ese cuerpo suspendido, esa masa sin reflejos, solo es: permanece para camuflarme”.<i></i></b>
<b>“Hambrienta y animal encerrada en tu cárcel de carne”.<i></i></b>
<b>“intentar descifrar desde qué lugar uno se mueve, porqué los cuerpo solo son y si el que uno muestra es el real.”<i></i></b>
Quizás el momento más álgido de esta poética es cuando expresa sin tapujos la división inmanente entre la idea del cuerpo, el cuerpo, la conciencia y la conciencia de esta conciencia.
<b>“Jugando. Jugando a ser persona, jugando a ser alguien. Ese alguien que tal vez despierte un pensamiento (…) Alguien que viviendo de prestado quiere apropiarse. Alguien que necesita apoderarse de ese cuerpo a disposición.”<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVZvItZFGmTqhnGRhQHJzLDilX8vzasXhyw2e7j2yfsc8P8yfC2e98iAX27rTrsncZhspJzQQv4WUcbfq0Ij1NTzlbZnUEre2YTqQFXsf75j6u43KC_hRFzeq-JUgHhQ8S5dfIH47mSNGt/s960/Screenshot_20210907-193437.jpeg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="960" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVZvItZFGmTqhnGRhQHJzLDilX8vzasXhyw2e7j2yfsc8P8yfC2e98iAX27rTrsncZhspJzQQv4WUcbfq0Ij1NTzlbZnUEre2YTqQFXsf75j6u43KC_hRFzeq-JUgHhQ8S5dfIH47mSNGt/s320/Screenshot_20210907-193437.jpeg"/></a></div>
La estética sado masoquista sobrevuela a las imágenes y el vaso comunicante el cuerpo como un objeto estetizado a través de un vestuario funcional y sugerente. El relato cristiano también está presente pero como dato subvertido, así como Sasaraxa recupera a la manzana para su relato y metamorfosis otra palabra que aparece en sus poemas es <b>“mártir”</b> y si nos atenemos a su significado, es alguien que sufre o muere por defender su religión o ideales”.
Todos sabemos el martirologio de las santos de la cristiandad, no es novedad tampoco que hubieron muchos estudios que se hicieron al respecto relacionando al <b>dolor del martirio con el placer y el goce.<i></i></b>
Sasaraxa se mueve entre estos caminos, tiene algo de ese sufrimiento, de esa vulnerabilidad que expone y presentifica en un ritual, tal como lo plantea uno de sus videos donde se saca un corazón negro para luego mejor quemarlo.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBh00kE0vTIIlOHDfWz1zM6LgQ6drIAZAILk-z_ZdL_7sBIj7bRiSQj0ixXpUI97CYVFp_i7DYEszbXIyOsD-r6jsld-Eqt6z_sZpNlV6_CyA_XNNIQR0R2BCHa30SL_MUwqnEDlK-OdWo/s960/Screenshot_20210907-193342.jpeg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="960" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBh00kE0vTIIlOHDfWz1zM6LgQ6drIAZAILk-z_ZdL_7sBIj7bRiSQj0ixXpUI97CYVFp_i7DYEszbXIyOsD-r6jsld-Eqt6z_sZpNlV6_CyA_XNNIQR0R2BCHa30SL_MUwqnEDlK-OdWo/s320/Screenshot_20210907-193342.jpeg"/></a></div>
De alguna manera en Sasaraxa se hace carne justamente un concepto y diferentes estéticas que pusieron su foco en<b> lo abyecto de la corporalidad <i></i></b>humana, en un momento histórico tal como lo señaló en su momento <b>Michel Foucault</b>, la preocupación y el control sobre el cuerpo en nuestra sociedad es el dato prioritario para <b>la construcción y práctica sobre las políticas sobre la vida<i></i></b> que hoy nos aquejan.
<b>Videodrome</b> (1983) una película del inclasificable <b>David Cronemberg</b> es uno de los primeros que enunció la verdad de <b>“La Nueva Carne”</b> en el campo del arte contemporáneo, hay otros como <b>Joel Peter Witkin</b> o <b>Cindy Sherman</b> que desde la fotografía han sabido problematizar el concepto sobre lo bello y lo feo, lo horrendo y lo sublime, lo siniestro y lo sagrado, la identidad y la disolución de las fronteras.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiygpd_R4A8PHDMxbNxosunUE7n0wEMa0EFMaJfLAWKlaxvxdUOGBi7nd2kAi96OEIr9JeSDH5Bkikl1Z6ikEthnZS8wfTGYjthwYr-W7pLGbZ1J5S4yyH4BDxiKOsG4aaP2hSyB_R2btI_/s960/Screenshot_20210907-193111.jpeg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="960" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiygpd_R4A8PHDMxbNxosunUE7n0wEMa0EFMaJfLAWKlaxvxdUOGBi7nd2kAi96OEIr9JeSDH5Bkikl1Z6ikEthnZS8wfTGYjthwYr-W7pLGbZ1J5S4yyH4BDxiKOsG4aaP2hSyB_R2btI_/s320/Screenshot_20210907-193111.jpeg"/></a></div>
Sasaraxa haciéndose eco y resonancia de las luchas femeninas y los tiempos de sororidad recupera al cuerpo de la mujer para hablar mejor de la complejidad de los seres, de las disputas de poder y significación sobre la manera de habitar y compartir esa piel de lo sensible que nos une, empatiza, como también distancia advirtiendo los peligros de lo realmente otro.
Pero en el caso de la propuesta de Sasaraxa <b>lo realmente otro es el cuerpo<i></i></b> y ya cómo lo decía <b>Baruch Spinoza</b> quién sabe lo que realmente puede un cuerpo.
Basta animarse a entrar en este mundo para darse una idea acabada de que la conquista del cuerpo es parte de la batalla cultural y política que se esta librando rigurosamente en el presente.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAvm2hBjCRrzKbmBtCAbyLPsZj1tLiYRYvJbLqeXl11rjWsX75Xy1YfOBM3KbB0Obj2OnUy8raWc7VzbIHcFggCIzdskzyHDogzmHFOrPPK0BwiXB9kCYsjaV7tbplN8FcmgR7FS0tHHx2/s960/Screenshot_20210907-193139.jpeg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="960" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAvm2hBjCRrzKbmBtCAbyLPsZj1tLiYRYvJbLqeXl11rjWsX75Xy1YfOBM3KbB0Obj2OnUy8raWc7VzbIHcFggCIzdskzyHDogzmHFOrPPK0BwiXB9kCYsjaV7tbplN8FcmgR7FS0tHHx2/s320/Screenshot_20210907-193139.jpeg"/></a></div>
Sasaraxa con su propuesta y abierto misterio hacia la rostridad pone en marcha a toda una tradición heterodoxa y al margen, su propuesta es un capítulo más de la estética de la nueva carne y que mejor que transcribir uno de los diálogos más fascinantes de Videodrome ese film revulsivo y fantástico de David Cronemberg para terminar este recorrido.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPCwOmNREgIBK08vcFBu7caG8xvBboj1xDGDo9x3n5n3e3c_7hrUTvntX84aIcvJYF8plptydyNGW4nFyC7u7KM1kIVeBHQ0NmggI95F8r0qtHAhcz4iIvELTaXzvSCN329mPdCXIBi9R2/s960/Screenshot_20210907-193121.jpeg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="960" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPCwOmNREgIBK08vcFBu7caG8xvBboj1xDGDo9x3n5n3e3c_7hrUTvntX84aIcvJYF8plptydyNGW4nFyC7u7KM1kIVeBHQ0NmggI95F8r0qtHAhcz4iIvELTaXzvSCN329mPdCXIBi9R2/s320/Screenshot_20210907-193121.jpeg"/></a></div>
<b>“La muerte no es el final. Tu cuerpo ha sufrido muchos cambios, pero solo es el principio de la nueva carne. Tienes que llegar hasta el final. Transformación total ¿Crees que estás preparado? Para convertirte en carne nueva primero tienes que matar a la vieja. No temas. No temas dejar tu cuerpo morir.”
<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpgIjw6J7IAtq3hFKsBvxSUgFSQKJ-QhBIIJE5plpFTW1x3Knl8LCbVkjAEfcrKa2RhFFCn009YSswp-2MPRSrooGxW4KqykA_N82P_GFHiNyJ43D3MFghFFZjewwXHgZMA94tqCyL34vR/s960/Screenshot_20210909-212941.jpeg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; "><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="960" data-original-width="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpgIjw6J7IAtq3hFKsBvxSUgFSQKJ-QhBIIJE5plpFTW1x3Knl8LCbVkjAEfcrKa2RhFFCn009YSswp-2MPRSrooGxW4KqykA_N82P_GFHiNyJ43D3MFghFFZjewwXHgZMA94tqCyL34vR/s320/Screenshot_20210909-212941.jpeg"/></a></div>
Para entrar a la cuenta de Sarasaxa https://www.instagram.com/sasaraxa/?hl=esLuis Ortelladohttp://www.blogger.com/profile/14876361558949662947noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2494870625295851170.post-16319405197699548642021-07-11T19:18:00.005-07:002021-07-18T12:30:36.280-07:00El Metal argentino: esa ruidosa expresión de la clase obrera (primera parte)
Muchos fantasmas recorren nuestro país, <b>muchos muertos sin sepultura reclaman justicia</b>, y muchas injusticias corroen la sensibilidad social que hereda pesares, crisis, bancarrotas emocionales y económicas. Dentro del campo de la música popular más precisamente el rock (en sus mejores casos) ha sabido retratar estos momentos álgidos de nuestra historia.
Escribo esto pensando que en este año se cumplen <b>17 años de la Masacre de Avellaneda</b> que dejó un saldo de 33 heridos y los asesinatos de <b>Darío Santillán</b> de 21 y <b>Maximiliano Kosteki</b> de 22 años que formaban parte de del <b>Movimiento de Trabajadores Desocupados</b>. En sí mismo el hecho es atroz como toda la locura que se vivió después de la fuga del presidente de turno, y el cambalache histérico de presidentes que tuvimos en poco tiempo como la cruenta y salvaje represión de los representantes de <b>la ley y el orden</b>, dos conceptos que lamentablemente en nuestra patria siempre traen como consecuencia un tendal de muertos como de heridos.
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Pero existe un detalle fuertemente simbólico que toca de lleno el corazón de la música pesada de nuestro país y es que Darío Santillán <b>murió</b> <b>asesinado teniendo puesta una remera de Hermética</b>, un hecho consecuente y de total compromiso social que no se desentiende de la prédica poética de la banda más representativa y popular del heavy local en los primeros años de la década del 90.
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<b>“Heavy Metal Argentino, La clase del pueblo que no se rindió”</b> el primer e interesante libro de ensayos de<b> Ariel Panzini</b> (Clara Beter Ediciones) comienza por ahí (1) dedicando su empresa de investigación a la memoria de este joven militante. Antes habría que agregar que el autor según lo que se lee en la información de la solapa del libro es abogado y especialista en Derecho Penal, especialista en Derecho Internacional Humanitario y Derecho Internacional en los conflictos armados, recalo en estos detalles del curriculum biográfico porque la serie de ensayos que conforman al libro esta asentado bajo la mirada de la ley, los derechos humanos y la justicia social, es decir que Ariel Panzini no se desentiende de su formación y oficio para analizar su pasión musical desde una mirada cientista, y sociológica.
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Este marco de contención metodológica busca despejar los malentendidos con respecto al heavy metal como género musical, extraer las consecuencias simbólicas, discursivas y prácticas de una música que en nuestro país <b>nace dentro de la sensibilidad obrera</b>, un subgénero dentro del rock que crece en los suburbios industriales, y que es la música de los hijos y nietos de inmigrantes, como de la propia migración interna, la música de de los que hacen del heavy, <b>un santo y seña de fraternidad, respeto e intercambio horizontal</b>.
El libro esta dividido en cuatro partes, son ensayos puntuales pero que están enhebrados por los derechos humanos y la conciencia de clase que el autor rigurosa y obsesivamente detalla y ejemplifica en reportajes, y en los grupos que han tocado estas cuestiones de manera literal y poética dentro de <b>ese fenómeno tan particular y extraño como puede ser una canción.</b>
Heavy Metal Argentino, La clase del pueblo que no se rindió, es un libro rico en información, valioso en su apuesta por pensar más allá del amor hacia la música y concreto en explicitar lo que de tan obvio nadie lo quiere ver y es que la música pesada en Argentina es el termómetro sensible de los desheredados y laburantes, o por lo menos de cierta parcela de los ninguneados que encuentran en este tipo de estética una forma de paliar el infortunio y de armarse frente a las desgracias económicas y emocionales.
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El estilo que detenta la escritura de Ariel Panzini es académico, circular y expositivo, la propuesta en ese aspecto es muy clara, busca un respaldo científico para el objeto analizado o en palabras del autor <b>“el heavy metal a partir de las ciencias sociales”<i></i></b>.
Las cuatro partes que conforman el libro son independientes entre sí:
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<b>1- Rumbo a la construcción de un marco teórico de entendimiento.
2- Cuando el heavy metal es una tortura. La implementación del género en las cárceles de Guantanamo e Irak.
3- La resistencia viva del malón mestizo. La defensa, promoción y divulgación de los Derechos Humanos desde el heavy metal argentino. El aporte significativo a partir de la obra de Malón analizada desde el contexto histórico.
4- La ideología del heavy metal a través de su discurso.</b>
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Pero es notable su ahínco conceptual que señala, dice y vuelve a subrayar a lo largo de esta serie de ensayos las intenciones, el motivo y la tesis que busca defender y argumentar el autor en su pulso escritural.
Este es solo un acercamiento a un libro ambicioso en su concepción y amplitud de miras hacia un terreno al cual el heavy metal (en castellano) llega por consecuencia de sus reclamos e inconformismo social, este terreno son <b>los Derechos Humanos</b>. Por una cuestión que excede largamente mi propósito voy a tomar tan solo la principal problemática del libro que engloba a la conciencia de clase, y la ética del metalero argentino, a los otros puntos los dejo en suspenso para una continuación de esta lectura.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioipUkEW5N6v_RJtu0GuKbwps3dUsKoVUyg6qGKcGK5YPmqSC9q6aBvdd_zs4Y-1efbs-rh4FdWDZUrHKLKmY1bl5gKrp7dzjCnrHBo1cN0oNfiux6gtd6G1ZMkMKzto7cJdhkb-A4wptA/s224/descarga+%252815%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="224" data-original-width="224" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioipUkEW5N6v_RJtu0GuKbwps3dUsKoVUyg6qGKcGK5YPmqSC9q6aBvdd_zs4Y-1efbs-rh4FdWDZUrHKLKmY1bl5gKrp7dzjCnrHBo1cN0oNfiux6gtd6G1ZMkMKzto7cJdhkb-A4wptA/s320/descarga+%252815%2529.jpg"/></a></div>
Para poner las cosas en contexto el autor se toma el trabajo de analizar la época y llegar a la siguiente conclusión.
<b>“Que el arribo del heavy metal en nuestro país coincide con la etapa final de la bipolaridad del mundo a partir de la Segunda Guerra Mundial, en el cual se enfrentó el occidente capitalista y el oriente comunista. En dicha década y frente a la profunda crisis que vivía el bloque soviético (…) se implanta la reforma denominada “la Perestroika”, la cual en forma excesivamente resumida podemos decir que permitió la apertura de los mercados y con ello el acercamiento inevitable con el occidente capitalista. En este contexto, el heavy metal jugó un papel protagónico en lo que respecta a la penetración cultural en aquel oriente comunista”.<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgD3IVsZluZNR-8FIpuFLgAktLjTKspwMM9aW7pvn00bRfnc08d46JIE1T4FLzu-EbMc8AjoslILNJU0mX1Qk-iJhGImiVg0M5Pj06OhsehbTJ7AQBkczVfLGHpOgYc5-5gxBqiFyye6gqZ/s259/descarga+%252811%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="194" data-original-width="259" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgD3IVsZluZNR-8FIpuFLgAktLjTKspwMM9aW7pvn00bRfnc08d46JIE1T4FLzu-EbMc8AjoslILNJU0mX1Qk-iJhGImiVg0M5Pj06OhsehbTJ7AQBkczVfLGHpOgYc5-5gxBqiFyye6gqZ/s320/descarga+%252811%2529.jpg"/></a></div>
La mirada de Ariel Panzini no se desentiende de la propia <b>naturaleza capitalista </b>del rock, y menos aún de sus alcances culturales como herramienta política y económica, es claro que el heavy como tantos otros fenómenos anti sistema forma parte de la misma estructura que el sistema genera por rechazo a sus valores y modos de vida, pero en nuestro caso como el de otros países que no tienen más destino que el de ser <b>el patio trasero del imperialismo</b>, la manera -sobre todo en Argentina- en que este fenómeno musical adquiere forma y contenido resuena directamente en <b>la conciencia de clase.</b>
Ser heavy en nuestro país como el autor señala a lo largo del libro, es adquirir dicha conciencia que tiene su arraigo sin lugar a dudas en la sensibilidad obrera. Para el autor más allá de la cuestión musical, el heavy metal argentino es un movimiento que ha diferencia de otros detenta una ética y compromiso con la lucha y la dignidad social, y este compromiso y responsabilidad tiene la garantía de su firma que asume y enuncia su propósito desde una voz colectiva (ya volveré sobre ello) pero sin perder de vista la distancia y cierta objetividad para tratar de analizar un fenómeno del cual también es participante.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKsfYtdY0WneYIRYfX4FlCe_NFwAsAymS5CZhRgc-iiA_68RqTu4faJ6nVB5BoqBP1kl6ItDPhp0rxZIy3VT6Ak9swq30hwuIHLpsL4p7ILktQcqRgHYToKDs8C0opptv4MJuDYqQK001L/s275/descarga+%25285%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; "><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="183" data-original-width="275" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKsfYtdY0WneYIRYfX4FlCe_NFwAsAymS5CZhRgc-iiA_68RqTu4faJ6nVB5BoqBP1kl6ItDPhp0rxZIy3VT6Ak9swq30hwuIHLpsL4p7ILktQcqRgHYToKDs8C0opptv4MJuDYqQK001L/s320/descarga+%25285%2529.jpg"/></a></div>
<b>“Nuestra obra intentará enfocar diferentes aspectos en común del metalero argentino, puntos de comunión que hacen que nuestro género local se mantenga cohesionado sin perjuicio de la ideología propia de cada uno de nosotros”.<i></i></b>
Según la lectura que se desprende del libro y tratando de abstraer –si es posible tal cosa- el heavy en su expresión local es un hecho estético muy ligado a los vaivenes políticos, históricos, y culturales de nuestro país, en ese aspecto es <b>un género muy reactivo</b>, un estilo musical que nunca parecería descansar porque su razón de ser es la lucha social por un mundo más digno.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWgQ3yFhFpUh6SKXiq5JqZkLIkzAz6p1OyoeSI04X8jPvZNBmB-04MhLxDkWxMb5_AQvZmILOthkKloVSpltWJGRVlgHASOsl1ahIGNGxURF3Xe0C7b5vOo7sA3fDfuGY8T3KRI2ErFk_w/s259/descarga+%25289%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="194" data-original-width="259" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWgQ3yFhFpUh6SKXiq5JqZkLIkzAz6p1OyoeSI04X8jPvZNBmB-04MhLxDkWxMb5_AQvZmILOthkKloVSpltWJGRVlgHASOsl1ahIGNGxURF3Xe0C7b5vOo7sA3fDfuGY8T3KRI2ErFk_w/s320/descarga+%25289%2529.jpg"/></a></div>
El<b> Indio Solari</b> alguna vez refiriéndose al rock observó que este en su manifestación es la piel sensible de la sociedad, y sin miedo a exagerar puedo llegar a afirmar (siguiendo esta lectura) que el heavy es <b>hipersensible al termómetro social</b> y es la expresión más radicalizada y utópica dentro del rock local. Esta radicalización tiene estrictamente que ver con el contenido de lucha, con la Doxa combativa que el género maceró desde sus comienzos en la flema anti-sistema de <b>V8</b> y su disco fundacional <b>“Luchando por el Metal”</b>.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKYfs4O5P9xTssUZeituT0ZtO-gCShYj8mP3i8foPZ5mA9CphutK_k6GMB0z5g9uBdnCUcshBnnDpfmgkIN7bXMOIX5j82S275EiM_G5_z-BnVE28_vpadV_8J5fFNE5BFcr_MjhrV1W1O/s225/descarga+%252813%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="225" data-original-width="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKYfs4O5P9xTssUZeituT0ZtO-gCShYj8mP3i8foPZ5mA9CphutK_k6GMB0z5g9uBdnCUcshBnnDpfmgkIN7bXMOIX5j82S275EiM_G5_z-BnVE28_vpadV_8J5fFNE5BFcr_MjhrV1W1O/s320/descarga+%252813%2529.jpg"/></a></div>
Da la impresión que este género musical dentro del mundo del rock en nuestro país, con el solo despliegue de su retórica pone en escena la vieja dicotomía en los 70, que ponía en tensión a la concepción de un <b>arte comprometido y revolucionario</b> que creía en la vanguardia política versus <b>la vanguardia iconoclasta y formal</b> propia de la burguesía argentina de esa década. Digo esto porque el metal argentino no deja de producir y reproducir (desde sus orígenes) contenidos que apuntalan al cambio y si bien no hablamos de la misma época ni de los contextos políticos hay una cosas que quizás no cambio y es el sustrato propio de la lucha obrera enraizada <b>en la izquierda y más precisamente en la </b><b>peronista.</b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqAQXJoLNDSjHbflKkZFFG0XUShAZ_d83rU3xC9J43289HjMv56eeqKXwDjsLe3R-7skqUmuqDRrpdwg66DNWT1OOxZaxgOWn8dy3Af34CBcUkyNg3346CsMGz7tG5sC3936DUB0o-hY4h/s275/descarga+%252816%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="183" data-original-width="275" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqAQXJoLNDSjHbflKkZFFG0XUShAZ_d83rU3xC9J43289HjMv56eeqKXwDjsLe3R-7skqUmuqDRrpdwg66DNWT1OOxZaxgOWn8dy3Af34CBcUkyNg3346CsMGz7tG5sC3936DUB0o-hY4h/s320/descarga+%252816%2529.jpg"/></a></div>
Eso es lo llamativo del metal argentino, ningún género dentro del rock local se ha tomado tanto trabajo en denunciar un estado de cosas y en aprovechar los espacios posibles para visibilizar las miserias y los horrores absolutamente normalizados del capitalismo global. Tan solo basta repasar los reportajes que el autor recolecta para su propósito en todos ellos esta manifiesto la conciencia de clase trabajadora.
Claramente estamos hablando de una raigambre y filiación de un tipo de estética dentro del heavy local que cree categóricamente en el valor del mensaje, un entramado de voces, sonidos y distorsión llámese:<b> V8, Hermética, Almafuerte, Nepal, Malón, Tren Loco, Razones Concientes </b>y más acá en el tiempo <b>Serpentor</b>, que tiene un capítulo en el libro.
El rock como fenómeno de la juventud en nuestro país siempre se consideró <b>apolítico</b>, y fue muy cuestionado cuando todavía estaba en pañales por el sector más beligerante de la izquierda porque era considerado una música de infiltración imperialista, sobre este punto es bueno recordar que si bien el rock entro a nuestro país como en otros desde la industria del espectáculo, mucha de su autonomía formal e ideológica se debe a la apropiación que tuvo este género foráneo en las manos y gargantas de los que quisieron que el rock sea un hecho en castellano.
Como ya lo había dicho Ariel Panzini reconoce la naturaleza capitalista del rock, sobre todo después de la Perestroika rusa y la caída del muro de Berlín.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjs731vvpP3FGwz5fWz_WgvRYgNNoWnYzbVhu2xNZpphnaKDUpLKZrcpcBPCyR0bn6WBUBrF5Bg3YBpblWtkmX83CEWVfyDVRdmKqLzQTl2aVCy8uW5sCyhZhXMo9UA1ELAWBZI73NIyR1J/s278/descarga+%252818%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; "><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="181" data-original-width="278" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjs731vvpP3FGwz5fWz_WgvRYgNNoWnYzbVhu2xNZpphnaKDUpLKZrcpcBPCyR0bn6WBUBrF5Bg3YBpblWtkmX83CEWVfyDVRdmKqLzQTl2aVCy8uW5sCyhZhXMo9UA1ELAWBZI73NIyR1J/s320/descarga+%252818%2529.jpg"/></a></div>
<b>“El cine y la música fueron herramientas predilectas y fenomenales, juntamente con otras expresiones como la moda o los productos masivos de consumo (…) de las cuales el sistema para esa nueva de proyección al mundo. Negar ello a esta altura de los acontecimientos históricos responde más al síndrome de la alienación al poder dominante (…) Es decir, a la concentración de poder militar y económico, se le suma la penetración cultural para exportar cosmovisiones determinadas que responden a intereses ajenos a los pueblos dominados, pero que mediante técnicas sofisticadas de persuasión logran en la conciencia de los locales falsos valores de progreso (…) Dicha concentración ha sido principalmente el motivo de penurias de muchos pueblos absorbidos por el occidentalismo expansionista, y en nuestros pueblos latinos hasta el presente son una de las víctimas más preciadas.”<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKsLQLVwVFZ9Dr-PHQcENEg1N9n_9CgRxo4NDEONV05e78UbdkN8aSmiKsJsYN7jCPbKsiHAdKzZobOZVagamI218vDSn_c5qhzqPNGqQrjlAAsQ6plwXuSxARkqJOSjxFtki7DsTeJJWJ/s225/descarga+%25288%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="225" data-original-width="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKsLQLVwVFZ9Dr-PHQcENEg1N9n_9CgRxo4NDEONV05e78UbdkN8aSmiKsJsYN7jCPbKsiHAdKzZobOZVagamI218vDSn_c5qhzqPNGqQrjlAAsQ6plwXuSxARkqJOSjxFtki7DsTeJJWJ/s320/descarga+%25288%2529.jpg"/></a></div>
El metal argentino gracias también a la osadía de los cultores del rock en castellano y de sus mentes más lúcidas, pudieron evitar -por herencia, legado y acción formal- esa alienación cultural, o en todo caso resisten día tras día enrostrando las mentiras del sistema y aún a pesar de sus enormes costos no deja de ser una victoria pírrica, lo que se pierde en oportunidades; llámese jugosos contratos discográficos, la panacea de la exposición en los medios o la fabricación de hits se gana en conciencia de clase y en dignidad. Y esa es la ética principal del metalero argentino sean público o bandas hay un compromiso a no transar, a no dar el brazo a torcer y al cultivar el aguante en las situaciones más difíciles.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSN7MLEaOuKaRHpWDTHdpH2Bk52lkTCfRBdIBZ6qm1cmvFmsfikHb2k0hDNfSeFPMXxQRVbd-H5ERAPhrp7y5lxTvm6FX3OCnPYN0Rd7sMmSTv-Ja69DsH-neiChSyactYM4bfrayB1w9M/s225/images+%25284%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="225" data-original-width="224" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSN7MLEaOuKaRHpWDTHdpH2Bk52lkTCfRBdIBZ6qm1cmvFmsfikHb2k0hDNfSeFPMXxQRVbd-H5ERAPhrp7y5lxTvm6FX3OCnPYN0Rd7sMmSTv-Ja69DsH-neiChSyactYM4bfrayB1w9M/s320/images+%25284%2529.jpg"/></a></div>
Para ello es muy elocuente el reportaje citado a Gustavo Zabala bajista fundador de Tren Loco (el grupo quizás más emblemático de la independencia y autogestión del under local) que señala y no duda en tomar una posición ética sobre el movimiento.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_3pqU1NkWuXOzRE_prXfzW0WNEMcq5EzW-zFYYTkLTfjihSUx62pH0D2dWdAYRD5qy7bCshe4X7hOlYA4B8gf_HwK7ixEC9b992XcLklvaJ_0z_Bx4oMuq8Wh_no67Z0YB-DYKG7CVsHL/s325/images+%25285%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="155" data-original-width="325" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_3pqU1NkWuXOzRE_prXfzW0WNEMcq5EzW-zFYYTkLTfjihSUx62pH0D2dWdAYRD5qy7bCshe4X7hOlYA4B8gf_HwK7ixEC9b992XcLklvaJ_0z_Bx4oMuq8Wh_no67Z0YB-DYKG7CVsHL/s320/images+%25285%2529.jpg"/></a></div>
<b>“Ser heavy metal para nosotros es luchar todos los días. Levantarse a las seis de la mañana (…) ese obrero que trabaja y viaja muchos kilómetros (…) eso es ser heavy. La vida es heavy, o es blanda, cada uno elige que quiere tomar (…) Para nosotros ser heavy es tener un estado de rebeldía permanente, pero ser rebeldes para nosotros es estudiar, ser rebelde para nosotros es aprender un oficio, no ser esclavo de nadie, para que ningún político de turno te compre el voto por un par de zapatillas, ser rebelde para nosotros es aprender a dedicarnos a nosotros mismos, con conceptos como la amistad, el trabajo, cosas lindas, ¿viste? Que como no cotizan en la bolsa te hacen ver que no sirve.”<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7q4tmM9RH0haTSCxpnK8VpdwuLc1Auavu9eG8O8-3Pi3JIfKCfXPQ0RnQMiRR-2PfJkaMPxcXpD3KVt0Mea8IsCXX_6sUO8SPc8KBQoN_q8eIganQgSH0NDn9Vhf1P8YCO08xNcEtsTm5/s281/descarga+%252819%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="180" data-original-width="281" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7q4tmM9RH0haTSCxpnK8VpdwuLc1Auavu9eG8O8-3Pi3JIfKCfXPQ0RnQMiRR-2PfJkaMPxcXpD3KVt0Mea8IsCXX_6sUO8SPc8KBQoN_q8eIganQgSH0NDn9Vhf1P8YCO08xNcEtsTm5/s320/descarga+%252819%2529.jpg"/></a></div>
En este aspecto el metal para el autor es un movimiento que se origino y creo en la voz de muchos que tuvo y tiene sus referentes ineludibles, pero eso no le quita mérito a esta voz colectiva que se entreteje, reproduce, y enriquece manteniendo vivo al legado como al espíritu dentro todos los que aman al heavy , por eso el autor más allá de la cuestión metodológica que su trabajo requiera se identifica y se suma a esta voz que explica, narra y contiene los sinsabores y placeres de los hijos y nietos de laburantes que eligen este estilo y modo de vida para afrontar las crisis -que nuestro país tan apocalíptico como integrado- nos brinda con fertilidad amenazante.
Queda bajo el tintero preguntarse cuando un estilo y movimiento estético y cultural adquiere una identidad definida, si esto no perjudica su propia posibilidad subversiva, porque esta voz colectiva<b> se institucionaliza en sus propios patrones de identidad</b>, problemática que no tiene resolución más que en los alcances estéticos como sociales que cobran todo su peso con la muerte de un joven como tantos que trata de pasar a la acción desde la letra cantada, gritada y sentida como es el caso de Darío Santillán.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLoRioM8Wwz3DiYTT1_2GURUgK5YMZtXdnHyj-pvelnt3FJOf84Z2E3JG439thTdimlL6nMtpUlKI8YjZrL0UbNqf2cSLi1Lo_YHkhrTTAvQ4WxoocpBFnt0ndQQb_tMMBegNEWN9JxpuJ/s300/descarga+%252820%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; "><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="168" data-original-width="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLoRioM8Wwz3DiYTT1_2GURUgK5YMZtXdnHyj-pvelnt3FJOf84Z2E3JG439thTdimlL6nMtpUlKI8YjZrL0UbNqf2cSLi1Lo_YHkhrTTAvQ4WxoocpBFnt0ndQQb_tMMBegNEWN9JxpuJ/s320/descarga+%252820%2529.jpg"/></a></div>
1-La otra dedicatoria del libro es al artista y gestor cultural Omar Chabán, rescatar su figura después de la pesadilla de Cromagñon es un acto de reivincanción como una manifestación de solidaridad política. La dedicatoria vale por sí misma.
<b> “ En homenaje a Omar Chabán, quien nos enseñó a varias generaciones desde ese reducto que se llamo Cemento donde se respiraba libertad y resistencia a la vez, que el rock trasciende la estética y se convierte en un espacio de cultura y pensamiento crítico.”<i></i></b>
Luis Ortelladohttp://www.blogger.com/profile/14876361558949662947noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2494870625295851170.post-88309631398346047062021-04-16T12:26:00.004-07:002023-06-22T13:14:53.449-07:00La ética del francotirador y el Rock Nazional
Es un lugar común cuando se habla de rock local hablar de <b>Rock Nacional</b>, una conjunción de términos que en su misma enunciación es problemática y controversial, el término Rock como todos sabemos es del idioma inglés y la palabra Nacional pertenece al castellano. Una de las constantes críticas de la izquierda en los 70 hacia el rock que se hacía en Argentina, era que se practicaba una <b>música de infiltración<i></i></b> <i>imperialista<b></b></i>, por lo tanto era funcional a esos intereses de expansión como la coca- cola o la industria hollywoodense.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiubd3HR2NYjugC-tdzye8T1sCMGj5xtflcwoAelsOb_evZC-juvar2xUmKJUxkqwJng5kEtpjFgjyGRBkcCy7Te-z1GwHH8bPArX12dM60tcyCVsBviTrtsVGliNB3HFd4Lq98SgUbxncS/s284/images+%25289%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="177" data-original-width="284" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiubd3HR2NYjugC-tdzye8T1sCMGj5xtflcwoAelsOb_evZC-juvar2xUmKJUxkqwJng5kEtpjFgjyGRBkcCy7Te-z1GwHH8bPArX12dM60tcyCVsBviTrtsVGliNB3HFd4Lq98SgUbxncS/s320/images+%25289%2529.jpg"/></a></div>
Esas viejas disputas quedaron atrás con el fracaso de las revoluciones, el triunfo del capitalismo como modelo de vida y el rock local que pasado su momento de efervescencia creativa y de importancia social (como fueron los 80 gracias a la guerra de Malvinas) al parecer busca en la actualidad como sobrevivir como puede a su inflada resaca de glorias pasadas.
<b>Norberto Cambiasso</b> uno de los críticos más <b>iconoclastas</b> del medio deja atrás todo tipo de fantasías sobre el género para apuntar bien al centro y aseverar.
<b>“Pero lo cierto es que la música rock no fue ni será revolucionaria. Y aunque algunos me tilden de extremista, ha servido muchas veces como otra resolución imaginaria de las contradicciones reales del capitalismo”. (Que cien flores florezcan, Gourmet Musical)<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNC-W7657tGQ3Sje4ROTT5yU4zcOSWX7X8y_RChUUUtQGQzMF7tWF4_Mp3efue6Zu3bowJUDeqqDbXZdxJwrK4Iu-JyXa0-uota-oeUHVaYhHdmadycbWQ8TqGrBI-wVT_XDiWV0o21liW/s232/images+%25288%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="218" data-original-width="232" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNC-W7657tGQ3Sje4ROTT5yU4zcOSWX7X8y_RChUUUtQGQzMF7tWF4_Mp3efue6Zu3bowJUDeqqDbXZdxJwrK4Iu-JyXa0-uota-oeUHVaYhHdmadycbWQ8TqGrBI-wVT_XDiWV0o21liW/s320/images+%25288%2529.jpg"/></a></div>
No es la primera vez que este crítico hecha por tierra las pretensiones del género musical, de hecho nunca fue complaciente en sus apreciaciones, porque siempre creyó, si le tenemos que creer a la labor crítica: en <b>la deconstrucción de los lugares comunes<i></i></b> que tanto por pereza como conveniencia la industria y el poder de los medios como la cultural oficial, persisten por nombrar como rock nacional.
Si de crítica hablamos se trata de ver <b>qué es lo que realmente se cuece dentro de la olla<i></i></b>, analizar sus efectos, calibrar los contextos y medir la densidad de cada propuesta con su propio cuerpo conceptual y artístico.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhoMa56hBuvFws9zLigEO0ddB7R03lmrE4Z_udogYF3w22LUlqBbkEQA5Fs8PCqhfxoXW8LWVB8OkApBac8aF83tY1EOzOhgE-qjjUF3fc3WMG5-uAFikoDzLzpky5JCmzSWzRY-beO0qRp/s295/descarga+%252816%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="171" data-original-width="295" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhoMa56hBuvFws9zLigEO0ddB7R03lmrE4Z_udogYF3w22LUlqBbkEQA5Fs8PCqhfxoXW8LWVB8OkApBac8aF83tY1EOzOhgE-qjjUF3fc3WMG5-uAFikoDzLzpky5JCmzSWzRY-beO0qRp/s320/descarga+%252816%2529.jpg"/></a></div>
Norberto Cambiasso es de esos críticos que no le teme a las polémicas <b>ni se ampara en un supuesto saber esotérico<i></i></b>, la suya es una mirada concreta, puntillosa y sensible a los fenómenos que analiza con pasión distante. En la década del 90 junto a Daniel Varela y otros compañeros de aventuras, supo tener una revista de avanzada que equilibro hasta el final la mera y abultada información con <b>el pensamiento</b> sobre la música.
Esta revista tuvo el justo nombre de <b>“Esculpiendo Milagros”</b> y fue lo más parecido a un oasis en medio de un páramo desértico, que tuvo una existencia por cierto milagrosa, que abarco un periodo de casi diez años (1992-2001). No voy a hablar de la revista en sí misma porque esto merece un estudio exhaustivo y profundo sobre el modo en que Norberto Cambiasso y compañía ejercieron la crítica y establecieron un parámetro estético muy diversos como heteróclitos en el medio.
Lo que me interesa analizar cómo en el otoño de 1997, específicamente en su número 13, Esculpiendo Milagros con dos notas firmadas por Cambiasso y Varela <b>dan un severo diagnóstico<i></i></b> sobre esa entelequía denominada Rock Nacional, las exposiciones son categóricas y las posiciones radicales, a ellos no les interesaba respetar a las vacas sagradas por sí mismas sino que puntúan la obra (lo hecho) más que los nombres.
En esta edición de la revista, la misma tapa ya es un hecho revulsivo, en su representación iconográfica cita a la revista<b> Expreso Imaginario</b> que en uno de sus números ataca a fines de los 70 al fenómeno de la música disco con una imagen de John Travolta, (actor icónico por su papel en Fiebre de un sábado por la noche) a-violentada por un tomatazo. Nada más que en la tapa de Esculpiendo Milagros el que recibe esta afrenta es<b> Tanguito</b>, con el titular: <b>“30 años de Rock Nacional </b>(y en letras más grandes)…<b>y qué?”</b>.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1jz3JVYSiiCvAadP4fGdHTkknp_evxP8AEhyPXftX7ZGc2eic8vjDkG-wv2rgYz0y-6RiwyuSB6O7okkqd1cUlhGotamGsMk2osRjeTl5iiKZuUSoOcQSem7893O41aVH4bjKbDTrAiUh/s254/descarga+%252819%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="254" data-original-width="199" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1jz3JVYSiiCvAadP4fGdHTkknp_evxP8AEhyPXftX7ZGc2eic8vjDkG-wv2rgYz0y-6RiwyuSB6O7okkqd1cUlhGotamGsMk2osRjeTl5iiKZuUSoOcQSem7893O41aVH4bjKbDTrAiUh/s320/descarga+%252819%2529.jpg"/></a></div>
Lo interesante de esta mirada es que no se casa con nadie, ni siquiera cree interesante esas tres décadas de rock nacional, en la editorial explicitan el modo en que comparten su modo de apreciación.
<b>“Los autores eligieron además una retórica provocativa con claras intenciones de romper el consenso sospechoso y abrir un poco el debate. La argumentación general, creemos, los resguarda de cualquier de cualquier ofensa deliberada. Se trata de sacudir un poco al moribundo adormecido.”<i></i></b>
Que a fines de los 90 hablaran del rock nacional como un moribundo adormecido es netamente un <b>posicionamiento político estético<i></i></b>, ignoro cuál habrá sido la recepción de este número pero habrá ralentado la digestión de muchos como incomodado a demasiados, ya para ese entonces la revista tenía sus lectores y habrá generado su impacto, modesto pero impacto al fin.
Párrafos más abajo no hay espacio para malinterpretar nada, la honestidad más que brutal es porno, la revista no especula en su decir ni busca ganar nuevos amigos.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQ-ZByGQF4FeTNukCnt4HI7Mx7exjBgGtwuaE69ILXrpTNA-zjIqd8toKVNqT3uihlTj7tmKVFLW3DNYsUwFrAesBnoLtM23YD-sQsDpYzhep9tzHtYEtPd4WW6TSdIgKBViV5-P1zYSsy/s1600/IMG_20210416_125114.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="1600" data-original-width="1200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQ-ZByGQF4FeTNukCnt4HI7Mx7exjBgGtwuaE69ILXrpTNA-zjIqd8toKVNqT3uihlTj7tmKVFLW3DNYsUwFrAesBnoLtM23YD-sQsDpYzhep9tzHtYEtPd4WW6TSdIgKBViV5-P1zYSsy/s320/IMG_20210416_125114.jpg"/></a></div>
<b>“El rock nacional, salvo honrosas excepciones, jamás tuvo nada digno que ofrecer. De hecho en la mayoría de los casos, ni siquiera pudo sostener la dignidad.”<i></i></b>
Lo que Esculpiendo Milagros ve con desconfianza en la tradición local es cómo el rock fue creciendo parejo a la industria, no porque esto fuera un pecado, estamos hablando después de todo de un mundo capitalista sino de <b>los argumentos puristas que buscan hacer del rock el relato conveniente<i></i></b> de la contracultura y la resistencia durante la dictadura, para los autores de estas diatribas, el rock fue funcional primero a la dictadura y después a los egos y bolsillos de los artistas como de las productoras en cuestión.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-xeH35egKL8dLpsX942_p7ovmsWxvx6Xj6h8pCSL2Ew5tpojus6hCNGw-zKOl6iNQekUPB28T-uwXRDVMGFCylASneu_NB8-bHxajL7ZnkeGePifdqUWlSyNJ_Zt0I-PgHUhyRFIxHdzQ/s300/descarga+%252818%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="168" data-original-width="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-xeH35egKL8dLpsX942_p7ovmsWxvx6Xj6h8pCSL2Ew5tpojus6hCNGw-zKOl6iNQekUPB28T-uwXRDVMGFCylASneu_NB8-bHxajL7ZnkeGePifdqUWlSyNJ_Zt0I-PgHUhyRFIxHdzQ/s320/descarga+%252818%2529.jpg"/></a></div>
<b>“El mito más celebrado, la aparente firmeza del rock nacional durante los años de dictadura, se encuentra tan lejos de lo que las comprobaciones empíricas indican, como Videla de arrepentirse por las 30.000 personas que mandó a otro mundo.”<i></i></b>
Lo que la revista encuentra en la actitud del rock local es <b>un provincianismo chato que crea las condiciones culturales<i></i></b> para que cada artista sea visto y vendido como el<b> “artista”</b>. Estos críticos es claro atacan no tanto a los artistas sino al ethos conveniente que se fue erigiendo a lo largo de las décadas y en ellos no perciben los mismos valores que el consenso crítico que alaba las singularidades.
<b>“En el diccionario del rock argentino, cada panegírico superficial de sus apoltronados paladines esconde su contrario: “creatividad” significa ignorancia de los acontecimientos externos, “original”, veinte años de retrazo respecto a esos mismos acontecimientos; “convicción” inoperancia basada en la ceguera propia y ajena.”<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiX3Z0kPpJazVMeJLJ6RIgQeTKn8vB4Il_0x4J7n8tCzEyQd33qtiRAMIMuFaUiei5AciX2Ss8GRbkW39sVLSTbr3nkRTWnJoB8V_26o0HumcTK-N3lzjbOOCNbCjao8ZaDm4pohTJXBRSo/s267/images+%25287%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="267" data-original-width="189" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiX3Z0kPpJazVMeJLJ6RIgQeTKn8vB4Il_0x4J7n8tCzEyQd33qtiRAMIMuFaUiei5AciX2Ss8GRbkW39sVLSTbr3nkRTWnJoB8V_26o0HumcTK-N3lzjbOOCNbCjao8ZaDm4pohTJXBRSo/s320/images+%25287%2529.jpg"/></a></div>
Para Esculpiendo Milagros el rock nacional siempre quiso formar parte del <b>establisment</b>, no hubo discurso marginal sino más bien oportunista, los contextos fueron cambiando como también las vestimentas, las modas y las tendencias.
Y el rock tuvo su oportunidad con la farsa de Malvinas, la prohibición de música angloamericana en la radio, la participación en un festival amparado y sustentado por la dictadura cívico militar, convengamos que no esta mal aprovechar lo que se ofrece, lo que es dudoso es resguardarse en un ingenuo discurso de resistencia.
En un repaso iconoclasta Norberto Cabiasso de un plumazo demuele lugares comunes a gusto piacere para de-mostrar hasta que punto el rock local es <b>un castillo de naipes</b> que se deshace con la mera brisa en contra.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGgfsvqShf_NJQ_e7pVaL7RSZFJLz8vZPD-stXjlOqrMdFCrv6JxPH9LKAH3H2vwd59Czh4wuoKvK_56PQXzciC9fp63vv16oyDhSieWztH6u30NWengrbcJ4p6gshfUKhmPuaKW0ZbhVz/s265/descarga+%252813%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="265" data-original-width="190" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGgfsvqShf_NJQ_e7pVaL7RSZFJLz8vZPD-stXjlOqrMdFCrv6JxPH9LKAH3H2vwd59Czh4wuoKvK_56PQXzciC9fp63vv16oyDhSieWztH6u30NWengrbcJ4p6gshfUKhmPuaKW0ZbhVz/s320/descarga+%252813%2529.jpg"/></a></div>
<b>“Porchetto le había cantado a Cristo; León Gieco le pedía a Dios (…) Miguel Cantilo trocaba su bronca de antaño por la “equívoca” gente del futuro; Piero regresaría del exilio regalando claveles blancos y rogándole a los chicos que se quedaran mansos y tranquilos y, Charly García, que con Sui Generis le había cantado a adolescentes con acné, el autor de esa “canción de Alicia” que los sesudos periodistas locales –en su ceguera crónica- habían festejado como el paradigmático himno de resistencia frente a la dictadura, circulaba ahora libremente por los despachos militares”.
<i></i></b>
Según lo que señala la revista en ese momento hubo una exposición celebratoria llamada <b>“Rock Nacional 30 años”</b> hecha en el Predio Municipal de Exposiciones, que fue a todas luces un festejo acrítico, e institucionalizado pero acorde al propio ethos del rock local, para la revista dicha exposición tan solo evidenciaba toda la impostura de nuestra tradición.
<b>“La muestra de los treinta años de rock nacional constituye apenas el último e irrisorio acto de una comedia que roza el grotesco, hecha de retórica vana, poses ampulosas, actitudes pueriles y discursos vacíos. Lo que canoniza –“nuestro amadísimo rock”- simplemente no existe.”<i></i>
</b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgArnUvuwmnB0tX7uknS7xJVDlGHhGr04BPVtojlEy-TBi9IERTldJ8t6hbvvYxfoSgGC9cadPzNR6n-a0wZzzXLJoAZR7rH8o_VIKFe2WCCUFCZnBz0YgHh4SzyIRxKzNdjJ2At7aaiRHM/s268/descarga+%252814%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="268" data-original-width="188" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgArnUvuwmnB0tX7uknS7xJVDlGHhGr04BPVtojlEy-TBi9IERTldJ8t6hbvvYxfoSgGC9cadPzNR6n-a0wZzzXLJoAZR7rH8o_VIKFe2WCCUFCZnBz0YgHh4SzyIRxKzNdjJ2At7aaiRHM/s320/descarga+%252814%2529.jpg"/></a></div>
Sostener una posición de independencia en un medio tan dado <b>al amiguismo clientelista</b>, habrá generado rechazo de plano, más aún teniendo en cuenta un ejemplo que citan en la editorial sobre el entuerto de la revista Expreso Imaginario que tuvo la mala forntuna de reseñar de manera negativa <b>“La Grasa en las capitales”</b> de Serú Giran, por dicho motivo tuvo que darle el derecho a replica a la banda porque el manager había amenazado con quitar <b>las cuatros páginas de publicidad</b> de la revista.
En la década del 90 el rock local se estaba renovando de mano de los sonidos que importaba Soda Stereo por <b>la escena de Bristol<i></i></b>, había una preponderancia por el sonido por encima del sentido que tuvo su cohorte de bandas que fueron denominadas <b>sónicas</b>.
Había un rastro atendible de cosas hechas dentro de la tradición y una búsqueda de renovación, pero para la revista esto no era más que el mismo síntoma de lo mismo, <b>todo se hacía y promocionaba como lo nuevo cuando en realidad en la escena mundial esto ya era un dato del pasado<i></i></b>. Miopía nacional al cien por cien promocionando (como siempre) los productos culturales como el mejor invento del mundo, llámese: <b>Piazzola,</b> <b>Gardel, Evita Maradona, El Che, Messi y el imbatible dulce de leche.</b>
El diagnóstico de la revista es concluyente: <b>“aún quienes persistieran en corroborar una tradición rockera autónoma en nuestro país, deberían aceptar que está, en el mejor de los casos, ha sido reformista, y en su gran mayoría, lisa y llanamente reaccionaria.”<i></i></b>
No sé si después de este número habrán vendido más o habrá decrecido las ventas de la revista, ignoro cuál fue el impacto pero calculo que a las vacas sagradas no les importó mucho, a la industria tampoco, quizás sí, a los lectores, nuevos y futuros.
Hay censuras que son más terribles, y <b>la indiferencia </b>sobre hechos que se atreven a cuestionar de lleno a ciertos fenómenos promocionados como vendibles de nuestra tradición <b>chauvinista</b> son llamativas, veinticinco años han pasado de este número revulsivo y en veinticinco años nadie se ha detenido a observar la notable excepción a la regla de una revista que reunía a un combo de críticos como melómanos, que tenían una idea de tradición, de vanguardia, de cosmopolitismo musical que iba <b>a la contra de la Doxa oficial<i></i></b>, un combo de aventureros que hicieron oídos sordos a las sirenas de la industria como de los mitos para ver con claridad a toda la mecánica del sistema en pleno funcionamiento cuando genera su propio anticuerpo para producir más poder de captación cultural, siendo el rasgo más evidente la nacionalización del rock.
Luis Ortelladohttp://www.blogger.com/profile/14876361558949662947noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2494870625295851170.post-74179618805569519712021-04-10T12:05:00.001-07:002021-04-15T14:29:11.124-07:00La depresión sin épica o la angustia del crecimiento en El Mató a un policía motorizado
<b>La síntesis de O´konor </b>(2017) es el gran salto de<b> El Mató a un policía motorizado</b>, un disco de diez canciones que en su derrotero no teme cambiar el foco noise guitarrero de los trabajos anteriores por <b>una propuesta estética que hace pie de la tradición new wave<i></i></b>, dotando a las canciones con una vitalidad inusitada, el tono cansino da lugar a un pulso más alegre pero no menos melancólico.
Los arreglos de las canciones no le temen al preciosismo siempre respetando la austeridad formal que nunca pierde contundencia por la persistencia del bajo que a lo largo de toda la experiencia es <b>el sordo protagonista<i></i></b> de las vicisitudes melódicas de una guitarra que acompaña, colorea, subraya toda la emoción de una estética que nunca pierde a la canción como espacio sensible y narrativo.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisdyOu2TIosA5ziCe942RmpBVNmLBEFtdYo0FxDiTwExj46xLxKm8TbGdS8sxYkoArWWKeFHhDrewdvT17xPToGFSeGxY1ujK6tv5hXPN8WTAixkCnpUl19B2w-izBrwjVUuxZ-x3rVW81/s225/descarga+%25285%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="225" data-original-width="224" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisdyOu2TIosA5ziCe942RmpBVNmLBEFtdYo0FxDiTwExj46xLxKm8TbGdS8sxYkoArWWKeFHhDrewdvT17xPToGFSeGxY1ujK6tv5hXPN8WTAixkCnpUl19B2w-izBrwjVUuxZ-x3rVW81/s320/descarga+%25285%2529.jpg"/></a></div>
La Síntesis de O´konor es un <b>disco feliz</b> pero de una felicidad melancólica a la manera de las películas de <b>Tim Burton</b> que en su forma denota <b>el artificio de la alegría<i></i></b>, esa maquinaria tan chirriante como agridulce.
<b>"El tesoro"</b> fue la primera canción que comenzó a sonar con insistencia en mis recuerdos, por esa época trabaja en un restorant en San Telmo, y este disco estaba en constante rotación en las horas pico de trabajo, y <b>era inevitable no entrar en sintonía con este mundo extraño<i></i></b>, sugerente y ligeramente normal.
El Tesoro podría ser una canción de amor, podría pasar como tal pero algo en su almibarada melodía entrecruzándose con la lírica sugiere que <b>las<i></i></b> <b>relaciones entre las palabras y los hechos no son tan simples<i></i></b>.
<b>“Ah paso todo el día pensando en vos/ ah que hay de malo en todo esto/ vos pensás que pierdo el tiempo, perdón si estoy de nuevo acá/ pensé que habías preguntado por mí, me gusta estar de nuevo acá/ aunque no hayas preguntado por mí/ voy a quedarme un poco acá/Cuidarte siempre a vos en la derrota/ hasta el final hasta el final”.<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjpm0P4q03facXePMis7ucctI_O4sy28FBOKN60pK4KFTAYbuiAU9cv2UMdc1dl6KFBl2JZwKgf2N1UDmy7vSqquMtCTH0U7CWjKnxbJGhUdYF6q98q5RdJbGujbJIjItpnRAeCErKk4Qc0/s225/descarga+%25284%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="225" data-original-width="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjpm0P4q03facXePMis7ucctI_O4sy28FBOKN60pK4KFTAYbuiAU9cv2UMdc1dl6KFBl2JZwKgf2N1UDmy7vSqquMtCTH0U7CWjKnxbJGhUdYF6q98q5RdJbGujbJIjItpnRAeCErKk4Qc0/s320/descarga+%25284%2529.jpg"/></a></div>
El tesoro escuchado así al pasar parece una típica cancioncilla de contenido tierno, prácticamente naif, pero que deja entrever más allá de la simpleza melódica y los arreglos pop que <b>no hay tanta diferencia entre el discurso amoroso y el discurso psicopático,<i></i></b> una canción de amor siempre contiene un costado siniestro parece recordarnos la voz del narrador que no puede más que entregarse a su pasión, aunque sabe desde el comienzo que tiene todas las de perder.
<b>“Ah todo lo que hago es para vos/ ah el tesoro se está hundiendo/ ah todo lo que hago es para vos/ ah vos pensás que pierdo el tiempo (…) la depresión sin épica, la depresión cinética”.<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBAhgHFX4dPtKzEHiYELidiCwjIfJGU1BPHgKQ5t65OR3bWxEl2NjJ6VkLrIGeC19yKu14IXWYmFS2-ht776vS69LeH6fP_Zv4f-qJBvjvEVdRStshArfauQNCFJkDcdHsWQheRNLwQWUz/s281/descarga+%25288%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="180" data-original-width="281" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBAhgHFX4dPtKzEHiYELidiCwjIfJGU1BPHgKQ5t65OR3bWxEl2NjJ6VkLrIGeC19yKu14IXWYmFS2-ht776vS69LeH6fP_Zv4f-qJBvjvEVdRStshArfauQNCFJkDcdHsWQheRNLwQWUz/s320/descarga+%25288%2529.jpg"/></a></div>
Claramente El mató apuesta a la redondez de la canción pero eso no implica perder cierta cuota de perversión, todas las letras tienen sus ajustadas dosis de paranoia, abandono, anarquía, caos, misterio y amor
La siguiente canción es exactamente la contratara, si en El Tesoro el narrador cuida el vínculo como el tesoro más sagrado, en “Ahora imagino cosas” la situación es bien distinta, en la urgencia de su pulso melódico la voz comparte una visión paranoica de los vínculos, nada es seguro porque <b>siempre existe un transfondo indiscernible de toda intención<i></i></b>.
<b>“Ahora imagino que…/ están bebiendo en el bosque/ ahora imagino que…/ sos tan feliz, tan feliz/ Ahora imagino que…/ un amigo me está traicionando/ Ahora imagino que…/ extrañas sombras siguen mis pasos”<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsb-30DEpt18ls_PltuDGpqheClUDjzCMd_VfLyxfvE2GQYMoJWhhZeOcwb7yCKYOV4BCLyn2TuQkOhUKS0Vi1PWhMxUeD8PuAC17ZSkRdjYzWpBFWSW4wIyrmUAoLa4Bi1eg8EkmlwZyY/s275/descarga+%252811%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="183" data-original-width="275" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsb-30DEpt18ls_PltuDGpqheClUDjzCMd_VfLyxfvE2GQYMoJWhhZeOcwb7yCKYOV4BCLyn2TuQkOhUKS0Vi1PWhMxUeD8PuAC17ZSkRdjYzWpBFWSW4wIyrmUAoLa4Bi1eg8EkmlwZyY/s320/descarga+%252811%2529.jpg"/></a></div>
Quizás en el conjunto Ahora imagino cosas sea la más punki por su premura y su abierta actitud kamikaze de buscar esa pelea que lo defina, que lo interpele a encontrar su valía aunque pierda todo por esa afán de confrontación pura. Pero el narrador reconoce que en el algún momento la felicidad no era un recuerdo y de alguna manera esto lo habilita a ir por todo.
<b>“Quiero enfrentarme a todos/ no me importa/ cuan salvaje es la pelea/no, no me importa/ quiero enfrentarme a todos/ no me importa/ si me muero en las peleas/ no, no me importa/ ahora imagino que…/ mi tajada es más pequeña/ ahora me acuerdo que…/fui tan feliz, tan feliz”.<i></i></b>
De todas maneras más allá de las referencias concretas a la desconfianza y a la cautela del protagonista nunca se aclara en toda la canción, si esto no es más que el efecto de la imaginación del narrador en plena actividad de sentido por la angustia de una vida anónima y perdida. Cuestión irresoluta que la narración no afirma ni tampoco desmiente, todo entra en un plano donde <b>parecería que no existe diferencia entre imaginación y la<i></i></b> <b>vida.<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjV2eA7CW4N2VSz9ZyqojOp77yL-oRNOug_LiOqXriKIaZJyNdGSjQvz1r2r9e8eYYaZlaX_1Q9rZYxixMvI_3HwB8eNcFPWJX1MvfeOVpPWUDjeYIaACa0cuzMMFCRoaCPMnzP2jdJ0xpi/s225/descarga+%25286%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="225" data-original-width="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjV2eA7CW4N2VSz9ZyqojOp77yL-oRNOug_LiOqXriKIaZJyNdGSjQvz1r2r9e8eYYaZlaX_1Q9rZYxixMvI_3HwB8eNcFPWJX1MvfeOVpPWUDjeYIaACa0cuzMMFCRoaCPMnzP2jdJ0xpi/s320/descarga+%25286%2529.jpg"/></a></div>
El mató a un policía motorizado es una banda de rock que <b>hizo de la discreción y el perfil bajo una actitud estética<i></i></b>, pero esto no fue algo programático sino algo natural en las personalidades de los músicos, no hay ruidos de fondo ni fuegos de artificio que distraigan y ninguno de los músicos es carismático o en todo caso <b>Santiago Motorizado</b> (cantante, bajista, y compositor) lo es por vía negativa, por contraste a toda la tradición de estrellas rimbombantes como de iluminados que supo tener el rock en su época pasada –pienso en Iorio en el Indio Solari, por nombrar a algunos- A <b>Santiago Motorizado le interesa que nunca se pierda el centro de atención que es la música como protagonista.<i></i></b>
Todos los músicos que integran a El Mató poseen un humor desafectado, una imagen descontracturada de niños bien un toque nerds que encontraron en su hobbie musical una manera de compartir el amor por las cosas extrañas que animan a su imaginario.
En La síntesis de ´O konor se entrecruzan dos miradas, la primera se hace eco de <b>la mitología artúrica y la espada mágica<i></i></b> concebida por el Mago Merlín, pero no es más que una referencia que colorea al disco, una de las canciones incluso tiene como titulo el nombre <b>“Excalibur”</b> que lejos está de la épica y de la espada del poder, <b>en su tono denota más el desaliento, la perdida de fuerza y la impotencia<i></i></b> de los efectos de una causa que queda al margen de las interpretaciones porque el pudor lírico de El Mató sabe que no hay que explicar todo.
<b>“¿Por qué tuviste que decirme eso?/ por qué, por qué, por qué”.<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7zqIVtKwqt7xLRmdPIVqgt-mbBXrRevXWyBCUiK7q5kVeMVGAGwzJI7SlG6c0TK3eOArsrfOnoBiZCssdj2UthORJLzD53PEtzMf4khnECSY5SAZ95OEZeUeJlvfvoK8pph0h7NbZFI9b/s300/descarga+%25287%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="168" data-original-width="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7zqIVtKwqt7xLRmdPIVqgt-mbBXrRevXWyBCUiK7q5kVeMVGAGwzJI7SlG6c0TK3eOArsrfOnoBiZCssdj2UthORJLzD53PEtzMf4khnECSY5SAZ95OEZeUeJlvfvoK8pph0h7NbZFI9b/s320/descarga+%25287%2529.jpg"/></a></div>
En una nota de uno del diario <b>La Nación</b>, <b>Sebastián Ramos </b>expresaba cierta grata perplejidad al observar la actitud de Santiago Motorizado al finalizar un recital.
<b>“Así fue aquella noche de junio del año pasado, cuando al finalizar el tercero de los cinco conciertos con entradas agotadas en Niceto con los que El mató presentó su último álbum La Síntesis de ´O konor, el tal Santiago “Motorizado” caminaba entre sus fans aún en estado de adrenalina sin siquiera ser reconocido. Era uno entre tantos, buscando un poco de silencio después de la tormenta eléctrica que él y sus compañeros habían generado”<i></i></b>
El periodista habla unos párrafos más arriba de <b>“cierto efecto invisibilizador incluso entre su público”<i></i></b>. Claramente la escena del rock local (si todavía podemos hablar de rock) se ha topado con un fenómeno al que no la importa las marquesinas ni el mínimo show del ego. Los grandes discursos alimentados por la contracultura y las multinacionales no son pasto para el discurso estético de El Mató, no hay mensaje ni afán de entretener, ni nada que se precie como una rabiosa pedagogía anti-sistema, <b>en algún punto son el grado cero realmente de un comienzo diferente.<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPhAoqq_G3xGFnr2M1NcWCte5vl71qr5Cc-HpIwk2G5DuR2ILk6qEEIHKACTP9flEc8H9y1uiuH2p47ZmsKYhcN_Rk30NiVek4zGQYspVWjeZcZNKzOZRA4PIvBYaiPqDDslpMtJA888u5/s275/images+%25283%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="183" data-original-width="275" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPhAoqq_G3xGFnr2M1NcWCte5vl71qr5Cc-HpIwk2G5DuR2ILk6qEEIHKACTP9flEc8H9y1uiuH2p47ZmsKYhcN_Rk30NiVek4zGQYspVWjeZcZNKzOZRA4PIvBYaiPqDDslpMtJA888u5/s320/images+%25283%2529.jpg"/></a></div>
En la canción La noche eterna es un claro ejemplo de esta tabula rasa, <b>la poética de la banda busca quemar las naves<i></i></b> nada más que este camino iconoclasta no tiene el ímpetu ni la violencia del escupitajo punk, todo en la noche eterna es desaliento, melancolía, que si bien leído fuera de la melodía y la intencionalidad de la voz, el estribillo parece presentar un carácter imperativo en su práctica esta lejos de ser autoritaria, es la enunciación del agotamiento, es la pereza de la voluntad que toma conciencia de la mórbidez de la vida que siempre quiere más, pero el cuerpo en donde se hace carne esta asediado por la depresión, no hay presión sanguínea, y las palabras de esta <b>destrucción creadora</b> son la retórica de una máquina que sigue funcionando aún a pesar de que hace mucho tiempo lo que produce peca de obsoleto, es chatarra, son los residuos de<b> todos los relatos del rock en la era de la post-resaca.<i></i></b>
<b>“Hoy, voy a salir a buscar/ todo lo que quiero/ voy a derrumbar/ mi casa y a empezar de nuevo/ todos se escondieron ya/ bajo la noche eterna/ sé que el cosmos cuida/ a todos por igual/ Dame algo esta noche/ esta noche es especial/ voy a recorrer tu casa en la oscuridad/ dame algo esta noche/ esta noche es especial/ tan brillante como el oro/ en la oscuridad.”<i></i></b>
Por la impronta musical y estética uno sin conocer al grupo estaría tentado a aseverar que el Mató es <b>música para adolescentes</b>, y tan errado no sería esta presunción, de hecho <b>ontológicamente el rock es adolescente</b>, es un adolescente de más de 40 años que a veces envejece bien y en otras es un pende viejo.
El mató es una banda vieja, tiene ese cansancio, ese agotamiento del que ya las vivió todas, pero <b>cifrado dentro de una vitalidad formal<i></i></b> que conspira todo el tiempo con ese estado, generando una tensión más bien implosiva que soporta, mantiene y da vida a las propias contradicciones de un género que nació para ser la música de la juventud.
Creo que La síntesis de ´O Konor es un album que <b>da lugar a los conflicto de la madurez<i></i></b>, aún a pesar de todas las mieles de la fantasía el mundo siempre logra colarse, esto se ve claramente en <b>"Alguien que lo merece"</b>, donde el relato es el después de una discusión de pareja, atrapada por las mecánicas del discurso amoroso que se sabe perdido en el laberinto de la rutina, uno puede imaginar el resto, quién no ha vivido esos desiertos amorosos en pareja.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPB7GDjrzqY8_qFnnDXxllsGsx89hy72Qso_faDGJaWFwpHEXMybrh0Bs51pAn0f4NEYPbviKveDmu3naXJh0dzwyuBcnAFxyuKD3Z0Z5tCIZ3ITtThvil6Pp1JNjPl4_8dc0HeFhzysn5/s225/images+%25284%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="225" data-original-width="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPB7GDjrzqY8_qFnnDXxllsGsx89hy72Qso_faDGJaWFwpHEXMybrh0Bs51pAn0f4NEYPbviKveDmu3naXJh0dzwyuBcnAFxyuKD3Z0Z5tCIZ3ITtThvil6Pp1JNjPl4_8dc0HeFhzysn5/s320/images+%25284%2529.jpg"/></a></div>
La canción que mejor define la entrada de la madurez, la vejez y el paso del tiempo es sin duda <b>“El mundo extraño”</b>, el protagonista descubre que esta siendo desplazado, su lugar ya no es <b>“su lugar”.</b>
<b>“No sé qué pasa en este lugar/ todo el mundo es más joven que yo/ empuje buenos recuerdos pensando en nada/ parado en la puerta con vos/ Ya sé, tu ánimo está por cambiar/ te miro desde el asiento de atrás/ tu novio es un sujeto tan agradable/ pero nunca para de hablar/ Quiero estar con vos/ que me quieras así/ liquidado estoy/ esperando hasta el fin.<i></i></b>
El mundo sigue girando y a pesar de que el protagonista percibe que es su mejor versión, ya es tarde para él dentro de esa lógica que lo va olvidando, por eso su último recurso frente a la chica que le gusta es que recuerde la belleza, <b>esa belleza extraña</b> que antes evidentemente los comunicaba en ese mundo extraño.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtTjp4jpsK8RRiH9VDmw2mZZnDVb4Io3perTqKd8mghJvklmtWvw85SoYixYXbiClF2Dw2e0d2SLswRYX0lAVzaBtb6Wb-wmactC_y9Gy1-oJ8IKXqZMaYsrfuFGHkzxT_RDccWl8kqRgm/s225/images+%25282%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="225" data-original-width="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtTjp4jpsK8RRiH9VDmw2mZZnDVb4Io3perTqKd8mghJvklmtWvw85SoYixYXbiClF2Dw2e0d2SLswRYX0lAVzaBtb6Wb-wmactC_y9Gy1-oJ8IKXqZMaYsrfuFGHkzxT_RDccWl8kqRgm/s320/images+%25282%2529.jpg"/></a></div>
<b>“Sé que es lo peor/ pero esta es la mejor versión de mí/ ¿Por qué/ Por qué te vas sin avisar/ tus vecinos siempre me miran mal/ no ignores la belleza de este mundo extraño/ igual lo entendes y te haces la que no sabés”.<i></i></b>
La canción que da cierre a esta experiencia se llama <b>“Fuego”</b> quizás sea la más optimista pero de un optimismo incierto, la música tiene empuje pop y la voz parece recuperar fuerzas para reclamar la presencia de ese alguien que lo hace feliz, es una canción que se fuga en la búsqueda de su deseo, aunque llegue tarde o quizás no encuentre lo deseado, ese recorrido vale ese crecimiento, porque <b>es la angustia del<i></i></b> <b>crecimiento hacia algo indefinible como desconocido a la vida a fin de cuentas.<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrfkjT-r5dt5TnWDPTzk6IjuDBr8ie6FD_D3l_ighBvux8rvKhyphenhyphenWe91-V2SHIaJm2YoQzcjEYHoQuSzvsz_-_FT0CiQ9o0Ox_eqcdeccOGvE0RI7gbQTps6x1hi5esjFrgCCEcPj3XYhXU/s275/images+%25285%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="183" data-original-width="275" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrfkjT-r5dt5TnWDPTzk6IjuDBr8ie6FD_D3l_ighBvux8rvKhyphenhyphenWe91-V2SHIaJm2YoQzcjEYHoQuSzvsz_-_FT0CiQ9o0Ox_eqcdeccOGvE0RI7gbQTps6x1hi5esjFrgCCEcPj3XYhXU/s320/images+%25285%2529.jpg"/></a></div>
<b>“Desde el pueblo más lejano de acá/ siguiéndote/ vamos, esta noche puede ser mejor/ mirándote (…) Hey, hey, hey/ no te duermas/ todo el universo depende de eso/ hey, te fuiste y ¿dónde estas?/ ahora/ perdóname/ ahora soy mejor/ te juro, soy mejor.”<i></i></b>
La síntesis de ´O konor es un gran disco de apariencia sencilla pero que en el fondo de su confección esta corroída por el paso del tiempo, los arreglos pop, la impronta new wave tamizada por la voluntad voraz de la banda hacia el pasado del rock más noise y punk tan solo sirve para acrecentar la edad del rock que parece ya no tener nada nuevo para decir, pero aún así, en estas circunstancias, en estas condiciones cada tanto aparecer alguien con todo el desparpajo para enunciar de la manera más simple <b>“Vamos, esta noche puede ser mejor”.<i></i></b>
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Hay pocas voces dentro del campo del rock local que <b>expresen tanta apatía<i></i></b> como la de <b>Santiago Motorizado</b>, su interpretación vocal encarna como pocos <b>el grado cero<i></i></b> de la pasión, es cierto, lo que salva a su particular manera de cantar del total desgano es <b>la soterrada nostalgia<i></i></b> que imprime en su registro sonoro.
Con él se capitaliza el ethos de una tendencia estética nebulosa y nunca del todo clara, que es el fenómeno <b>Indie</b> del cual ya existe todo un precedente de bandas desde la década del 80, que comparten un mismo espíritu de autogestión e independencia de la tradición <b>punk</b>, pero sin apostar a la intensidad, ni al reclamo, ni al nihilismo rabioso, ni menos aún a la épica de los losers que supo caracterizar al movimiento punk.
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A contramano de la visceralidad del rock más insurgente, <b>El Mató a un policía motorizado es la banda sonora de la apatía<i></i></b>, la acedía y el aburrimiento generacional, no digo que sea la más importante pero si la que más a trascendido el gueto del under local.
“La síntesis O´konor” editado en el año 2017 es el gran salto de la banda y para los que ya los venían escuchando fue la confirmación de que El Mató a un policía motorizado, es una banda que puede disputarle el podio de canciones redondas, sencillas y efectivas a un <b>Andrés Calamaro</b> por decir un nombre fuerte dentro de la cancionística local.
Si uno repasa la discografía de la banda es evidente que el espíritu grupal no se quiere perder ninguno de los caminos que hacen a una agrupación de rock, en el sentido de que no solo han sacado albumes, sino que también EP y sencillos, un gesto que denota si se quiere cierta nostalgia por un período de la industria (en mayor o en menor escala) antes de <b>la subversión de Internet<i></i></b> que modifico radicalmente los modos, las maneras de hacer, reproducir y compartir música.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGUVv2q7vTs_kpMf60mawgnwv5RljSBrq8BbskXWINmBn7ACZRPz_-JbwXIg8WKhG1C2cQ7yZy0icpQN3xssbdvju9_iMlZ8iWEqBnWmbzhZxIEcs6W6Ct-ofJa6ciPWvTufA6Ua4uxtII/s275/descarga+%25286%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="183" data-original-width="275" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGUVv2q7vTs_kpMf60mawgnwv5RljSBrq8BbskXWINmBn7ACZRPz_-JbwXIg8WKhG1C2cQ7yZy0icpQN3xssbdvju9_iMlZ8iWEqBnWmbzhZxIEcs6W6Ct-ofJa6ciPWvTufA6Ua4uxtII/s320/descarga+%25286%2529.jpg"/></a></div>
Debo este descubrimiento gracias a la indiferencia persistente de <b>Ariel</b> (mi hijo), que sin recargar las tintas me hablo de ellos y me mostró el único video del disco <b>“Día de los Muertos”.</b>
El video en cuestión es de la canción homónima y en el pude observar <i>los relatos apocalípticos de la década del 80<b></b></i> volviendo al ruedo en este nuevo siglo, pero ya no como amenaza, ni celebración amarga por el fin de todo, sino como folclore, como pura retórica de un código estético que <b>perdió el valor de urgencia para transformase en valor de uso<i></i></b>, porque todo en el video comporta guiños hacía la ilustrada generación de <b>neards y freaks</b> que hacen del cine bizarro, de clase b, post-apocalíptico y etcéteras de etcéteras un lugar de encuentro y camaradería.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwWT_GgfvRzN7SxeLr9pAvOcXHEc_7gKMf8xdMzWw8YEzMeNu5oPEKqNUE8XNEjUJ0383SIkVnQbuTZc53kZnMGQ305j-dYxeg5MqyVAe04yGQlGGZn-xKrnOQSmwzyIUZTWM5g3hTHlSZ/s274/descarga+%25288%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="184" data-original-width="274" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwWT_GgfvRzN7SxeLr9pAvOcXHEc_7gKMf8xdMzWw8YEzMeNu5oPEKqNUE8XNEjUJ0383SIkVnQbuTZc53kZnMGQ305j-dYxeg5MqyVAe04yGQlGGZn-xKrnOQSmwzyIUZTWM5g3hTHlSZ/s320/descarga+%25288%2529.jpg"/></a></div>
En un país <b> anti-estado y policía</b> como es el nuestro que una banda se llame El Mató a un policía motorizado es una cuestión natural de nuestra idiosincrasia cultural, como en el <b>Reino Unido </b>que un grupo de rock ostente nombres como <b>“The Police”</b> o <b>“Queen”</b> habla más del <b>imaginario patrio<i></i></b> en las juventudes de lo que se pueda imaginar.
La diferencia son los contextos claramente porque si grupo de rock se hubiese llamado así en la década del 80 o los combativos 90 es un abierto acto de guerra, pero<b> en este siglo XXI este gesto comporta una actitud más estética<i></i></b> que política.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2IaxHdDCulRa2sUYXCWoN_Wk9z0HObFvm7N8xPU7yikwvSApx1FFVJI7ivkc5WrQ7MX1vXn-1RQVKSnHuAJQqvB5UHZCdnTRM7gW7_ZVaZdxoElMWCPNaDV5OtY8THzOI34a2ccTu_BKl/s300/descarga+%25285%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="168" data-original-width="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2IaxHdDCulRa2sUYXCWoN_Wk9z0HObFvm7N8xPU7yikwvSApx1FFVJI7ivkc5WrQ7MX1vXn-1RQVKSnHuAJQqvB5UHZCdnTRM7gW7_ZVaZdxoElMWCPNaDV5OtY8THzOI34a2ccTu_BKl/s320/descarga+%25285%2529.jpg"/></a></div>
El mismo relato fundacional no le da tanta injerencia al nombre es más una humorada de amigos borrachos espantando el aburrimiento de una noche cualquiera.
<b>“Elegimos un nombre que no sea típico para salir del molde. Es un chiste, para reírnos de esos típicos nombres de artistas o bandas”.<i></i></b>
Según los detractores <b>la banda viene haciendo exactamente lo mismo desde su primer disco<i></i></b> cuestión con la que creo los mismos integrantes estarán de acuerdo, el crítico <b>Simon Reynols</b> observa <b>“Una máxima de la industria de la música asegura que si una banda repite una y otra vez el mismo disco, alrededor de la tercera o la cuarta versión habrá de alcanzar el éxito”.<i></i></b>
No estaría en condiciones de aseverar esto ya que tan solo escuché dos trabajos alejados en el tiempo pero sí pude escuchar canciones sueltas de otros discos donde es claro que la cantera creativa siempre responde a un mismo patrón estético: despojar a las canciones de sus pretensiones para quedarse con lo específico es decir; <b>el sustrato melódico y la narración pre-clara, sencilla efectiva de la lírica.<i></i></b>
Virtudes como se puede observar que tiene mucho más que ver con el punk cuando quiso desintoxicar al rock de la megalomanía de la música progresiva mediando los 70.
Como se sabe <b>La Plata </b>es una ciudad muy rica culturalmente y de alguna manera siempre funcionó como <b>la contratara necesaria y vital de la capital<i></i></b> argentina.
Sin miedo a exagerar la movida rockera platense siempre ha oxigenado a la capital de su propia endogamia creativa, llámese:<b> Virus</b>, <b><b>Los</b> Redondos</b>,<b> Peligrosos Gorriones, o en este caso El mató a un policía motorizado.</b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpT5xRH981VBFpWfTdjfJN-GYxtnzAyYxealdG6WOCa63OUqXbhQEhdtC2KAxxWqqmEHAIKFomB332wzqnnHrbJi8mKzXEq6WX0_MhMKQIbGKAzkuKYH6rtXdMjv5w4p-_PjwG4gM_bp2q/s300/images+%25282%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="168" data-original-width="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpT5xRH981VBFpWfTdjfJN-GYxtnzAyYxealdG6WOCa63OUqXbhQEhdtC2KAxxWqqmEHAIKFomB332wzqnnHrbJi8mKzXEq6WX0_MhMKQIbGKAzkuKYH6rtXdMjv5w4p-_PjwG4gM_bp2q/s320/images+%25282%2529.jpg"/></a></div>
Lo primero que salta a la vista es que la banda <b>no esconde sus limitaciones<i></i></b> en artilugios técnicos, o arreglos fastuosos gracias a la mano de un productor oportuno, todo está a la vista para el que sabe buscar, como también la fuente donde beben para re-crear, re-versionar y re-hacer en sus canciones a <b>toda la información cultural que la banda comporta en su parecer estético.<i></i></b>
El día de los muertos (como ya lo mencione) fue la primer canción que escuche, pero de la cual también pude contemplar el imaginario visual gracias al video que según tengo entendido fue primero del grupo.
Cuando la aprecié junto a mi hijo lo primero que reverberó en mí fueron los ecos de<b> Lou Reed</b> y su gran canción wharholiana: <b>Walking of the</b> <b>wild side</b>, sobre todo por el comportamiento melódico del bajo, esa manera de hacerse notar marcando el tempo y el espacio para que la guitarra acompañe porque son las seis cuerdas la que acompañan, y no al revés (como si sucede con el resto) generando un ambiente de texturas pesadas subrayando los momentos de mayor intensidad de la canción, y la voz que en ese contexto busca la claridad tratando de no dejarse ganar por la emoción de un mundo perdido.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5BYC99fJsH8IjTKSVESs2nIwBXBllCZ_GYzoM7jIKy-tv8Eh45y8KUJnXezn9vl2-qaT_voEEUsWSFjZ6n7y61iC1SYf6GX5MTT3cE91hJuvM1ZO4Bp2Ly6Qxxx1dokcQd8ofANuj5ba3/s275/descarga+%25287%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="183" data-original-width="275" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5BYC99fJsH8IjTKSVESs2nIwBXBllCZ_GYzoM7jIKy-tv8Eh45y8KUJnXezn9vl2-qaT_voEEUsWSFjZ6n7y61iC1SYf6GX5MTT3cE91hJuvM1ZO4Bp2Ly6Qxxx1dokcQd8ofANuj5ba3/s320/descarga+%25287%2529.jpg"/></a></div>
“El día de los muertos” culmina una trilogía de EP –<b>Navidad en reserva</b> (2005), <b>Un millón de Euros</b> (2006), <b>Día de los Muertos</b> (2008) que según se sabe busca representar –el nacimiento, la vida y la muerte- tan solo puedo decir que escuché este último que presenta una cohesión temática muy sólida.
Si los 70 fueron caros a la idea de los LP conceptuales en este nuevo siglo este grupo platense discurre en la práctica de <b>EP conceptuales</b>, ya no se trata de la totalidad de un discurso expresivo que abrevaba en la música culta, de vanguardia y experimental como pasaba en el rock cuando quería patentar su conocimiento, midiénsose con saberes académicos, sino que se trata de la verdad del fragmento, de la fisura de <b>la contra- tradición<i></i></b> que vino después queriendo destruir y en el mejor de los casos <b>de-construir</b> lo hecho por la ortodoxia desde <b>el escupitajo<i></i></b> punk.
El día de los Muertos contiene seis canciones que en su derrotero hablan sobre fin del mundo, claramente las referencias cinéfilas son inevitables, inmediatamente viene a la retina del recuerdo <b>“Nigth of the living dead” <i><b></b></i></b>(1968) de <b>George Romero</b>, lejos de la connotación sobrenatural las películas de temática<b> zombi</b> siempre hablan más del contexto cultural y político que del más allá de la vida, que el mismo Romero se encargó de remarcar su visión crítica social en sus siguientes films, hay toda una tradición cinéfila de <b>clase B</b> que creció y educó sus afectos como el placer estético a partir de este tipo de películas.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDCmU3VUlywDmL6PD5vVjfXk0uPEVKaX1RbLCuEmyWSsm0kTBA7681GV7peV0QqV72gzdlK0D4gsR_7WJeV1DsvaYwUlvFrddYJ7exSckiAMU3XLdRPX8TjSWW1LJ-Yqu_79X9Jb_A8t0X/s275/descarga+%252814%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="275" data-original-width="183" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDCmU3VUlywDmL6PD5vVjfXk0uPEVKaX1RbLCuEmyWSsm0kTBA7681GV7peV0QqV72gzdlK0D4gsR_7WJeV1DsvaYwUlvFrddYJ7exSckiAMU3XLdRPX8TjSWW1LJ-Yqu_79X9Jb_A8t0X/s320/descarga+%252814%2529.jpg"/></a></div>
Este EP de El Mató de alguna manera se adelanta al fenómeno sobre los zombis y el fin del mundo que encontraría en la serie <b>“The Walking Dead” </b>(2010) basada a su vez en el comic homónimo (2003) la mejor expresión popular de la industria sobre un tema francamente perturbador y poco maistrean
La canción que abre el EP es “Noche de los muertos” la canción más larga dentro del conjunto (casi nueve minutos) con la letra más breve no más de cinco párrafos descriptivos que la voz comunica con monótona y desesperada pesadez, lo único que connota emoción es la guitarra, que fiel a su impronta de <b>noise-rock </b>crea texturas, cabalga sobre la batería y es empujado por el bajo a remarcar un estado de situación que el narrador no puede contar más que desde su pobreza expresiva: <b>“Noche de los muertos/ en la ciudad el infierno/ el caos para mi mente/ y no puedo pensar/ la<i></i></b> <b>noche de los muertos.”<i></i></b>
No sé si la banda leyó el comic de <b>Robert Kirkman</b> pero es notorio que la segunda canción del EP <b>“Mi próximo movimiento”</b> hable de los mismo que sucede en el segundo capitulo de la serie, donde el protagonista se enfrenta a una nueva cotidianeidad donde lo familiar se vuelve extraño, donde los muertos vuelven y hay que matar esos cadáveres que ya dejaron de ser esos rostros amados y vecinos que hacían del vecindario el lugar en el mundo.
La canción tiene un pulso punk, quizás sea la más punki en su actitud melódica, en la manera en que la voz se expone al frente de todo, advirtiendo que hay que jugarse el pellejo aunque lo que se vea conspire contra la misma normalidad que la voz narradora buscá mantener a riesgo de perder la cordura.
<b>“Voy a subir al techo, a ver, a mirar el desastre/ bajo la luz de la luna gigante/ ellos lloran debajo del árbol/ arriba del árbol/ detrás del árbol/ tuve miedo pero ya fue…/ ahora estoy arriba de mi casa con un rifle.”<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVspsn5fBBv8hH-eknOsO-haHIWiyXBsrm3cBYkiYz0suNZoSVOuDuOmP8WZoY6X9Q9AKk4H8FNR2W_8oIw7DvUAYaOBzSty4Bs4e7GDlyD9-kngVIGvwhEIAjdG0qsSPynzugFpmeqxSG/s301/images+%25283%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="168" data-original-width="301" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVspsn5fBBv8hH-eknOsO-haHIWiyXBsrm3cBYkiYz0suNZoSVOuDuOmP8WZoY6X9Q9AKk4H8FNR2W_8oIw7DvUAYaOBzSty4Bs4e7GDlyD9-kngVIGvwhEIAjdG0qsSPynzugFpmeqxSG/s320/images+%25283%2529.jpg"/></a></div>
El nudo central del Día de los muertos es la canción homónima que cuenta con su video que es un pequeño relato cinematográfico que en su confección está puesta toda la carne en el asador de films pos-apocalipticos, esta <b>Mad Max</b> ese héroe solitario, desolado y un poco loco, están las hordas de sobrevivientes que responden a un líder, y este tiene a otro ser conviviendo como un tubérculo dentro de su panza que tiene poderes mentales, y también aparecen los restos del pasado que un abierto guiño al banderín de <b>River Plate</b> en <b>El anillo del capitan Beto</b> de Spinetta, mezclan el folclore del futbol en un contexto de ciencia ficción vernácula, en el video el héroe se encuentra con un holograma de <b>Maradona</b> donde se contiene toda la emoción de este relato.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYb44j0gJvopEY_coBnqxuL5-cSfZueHzzFCG4G_vwfW4DDdsnvUUOJGtZqg0SqRqvI6AtKxC1Nf9yuXDwUICsSmf855FrcR_M2uXkeXIFAnOuIycW_fJVU4BU-qRIz9Tsbtilx_OsGQd8/s268/images+%25284%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="188" data-original-width="268" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYb44j0gJvopEY_coBnqxuL5-cSfZueHzzFCG4G_vwfW4DDdsnvUUOJGtZqg0SqRqvI6AtKxC1Nf9yuXDwUICsSmf855FrcR_M2uXkeXIFAnOuIycW_fJVU4BU-qRIz9Tsbtilx_OsGQd8/s320/images+%25284%2529.jpg"/></a></div>
Todas las letras del Ep son tan mínimas como las canciones, existe una economía de recursos que hace de esta buscada pobreza una trinchera de posibilidades donde <b>los músicos excavan una y otra vez esa canción que contenga a todas las otras<i></i></b>.
Día de los muertos termina con un tema casi de fogón llamada <b>“La celebración del fuego”</b> pareciera hecho con la urgencia de lo que se apaga pero que en su poética se permite el disenso y el ajuste de cuentas con el máximo responsable de <b>la retórica</b> apocalíptica.
<b>“Cuéntame esta historia mi señor Jesús/ anarquía y descontrol en la celebración/ muertos nuevos en tu mente mi señor Jesús/ muertos nuevos en tu reino mi señor Jesús/<i></i></b>
<b>Ey otra vez todo lo bueno se te fue (…) En el juicio final quiero verte mi señor/ en el juicio final/ en el diciembre final/ será un nuevo amanecer para la galaxia”<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUP9-82PyUx8dsLpq8hSOffgJb48aR1N4gQ4DPPMW8cgGGX7_ygdf1gZ4fc9HUmHETry044S_2rbBxW8O4odXK8LpMHaOUhs56zpkqwnq20_MLPsr7_3kcMvgrDo-rG5nCZ0gGe2Pt0D69/s275/images+%25286%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; "><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="183" data-original-width="275" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUP9-82PyUx8dsLpq8hSOffgJb48aR1N4gQ4DPPMW8cgGGX7_ygdf1gZ4fc9HUmHETry044S_2rbBxW8O4odXK8LpMHaOUhs56zpkqwnq20_MLPsr7_3kcMvgrDo-rG5nCZ0gGe2Pt0D69/s320/images+%25286%2529.jpg"/></a></div>
A fin de cuentas El mató un policía motorizado es un grupo de rock que propone <b>otra manera de rockear<i></i></b> alejada de todas las épicas pasadas, de todos los combates perdidos y de todo el resentimiento acumulado porque el mundo no cambio en la medida que el rock si lo hizo.
Día de los muertos es un EP que condensa los relatos del fin del mundo <b>mediado por la industria del entretenimiento<i></i></b>, la cultura pop, la biblia junto al calefón y la simpleza de un trazo que tan solo busca decir lo que enuncia, con esa desganada lucidez de que sabe que el gesto estético siempre es un huella en la arena que el viento prontamente borrara para perderlo definitivamente, porque el fin siempre acecha.
En “La síntesis de O´konor” la banda continuara su búsqueda de un mundo menos peor en <b>la felicidad de la canción de que sea la canción<i></i></b>, pero esto comporta otra historia alejada del fin de todo para adentrarse en los meandros cotidianos de una vida cualquiera que tan solo busca ese punto de fuga que lo destruya para siempre o lo ilumine en una nueva revelación de grises y explosiones monocromáticas.
Luis Ortelladohttp://www.blogger.com/profile/14876361558949662947noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2494870625295851170.post-62430326498745102362021-01-24T16:30:00.002-08:002021-01-27T17:40:19.888-08:00Cerati, la electrónica y la infancia
En nuestro país uno de los grandes prejuicios que ha generado <b>la cultura rock,</b> es la total sobrevaloración y en muchos casos la indiferencia como menosprecio hacía la música electrónica. Hay cierto componente <b>humanista</b> dentro de la práctica del rock que todo el tiempo pretende olvidar que el rock no sería tal cosa sino fuera por <b>la tecnología</b> y sus avances que ha permitido tanto electrificar la guitarra como amplificar el sonido a espacio siderales, y ni hablar de los avances en cuanto a las técnicas y posibilidades -siempre en franca expansión- de un estudio de grabación.
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Claramente estamos hablando de un <b>comportamiento</b> del rock que <b>niega a la tecnología en función de lo humano</b>, como si el avance de la tecnología y civilización corriera por senderos paralelos a la humanidad, como si esto no afectara nuestra percepción, y el orden de las cosas, como si la técnica y el artificio de la mecánica, como los principios analógicos como digitales no intervinieran en nuestra relación con el mundo, esa mirada desde el rock hacia su propia constitución como género musical peca de ingenua. Porque <b>la humanidad hizo a la tecnología como esta a la</b> <b>humanidad</b>, en una relación simbiótica e indispensable para la supervivencia de la especie.
Pero no solo esta ética del rock es ingenua en este aspecto, sino que también existe un rechazo categórico hacia la estética del <b>arte por el arte</b>, porque nuevamente el comportamiento humano y cultural busca el mensaje, la cifra del sentido que consolide o cuestione nuestra visión de las cosas.
En nuestro país hay muchos ejemplos de este tipo, un caso emblemático y saliente es la figura de <b>Gustavo Cerati</b> que ha orbitado dentro de la cultura local con una soltura y liviandad que ha generado su cuota de resentimiento como de rechazo en sensibilidades afines a la doxa combativa y humanista del rock.
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<b>“La geometría de una flor, Gustavo Cerati y la música electrónica”</b> (Gourmet Musical Ediciones) es un libro de reciente aparición escrito por el escritor, editor, poeta y difusor cultural Gito Minore, que en su propuesta aborda estas cuestiones de manera implícita.
La geometría de una flor es un libro indispensable para entender las conexiones y vasos comunicantes de este artista inquieto como singular frente a lo nuevo y en algún punto desconocido.
<b>Soda Stereo</b> fue un grupo bastardeado por la ortodoxia rockera que veía en su propuesta estética toda <b>la trampa del sistema</b>, Gito no entra en este terreno pero lo alude cuando pinta el panorama político cuando Cerati estaba embarcado en esta búsqueda imparable con la electrónica.
<i><b>“Y todo esto en una época en que la Argentina vivía uno de los tantos periodos de decadencia cultural (…) A semejante vacío político era lógico que lo acompañara un vacío cultural y musical respectivamente. A excepción de propuestas más combativas de géneros marginales (como el punk y el heavy metal) que, aunque con un público minoritario, sí se pusieron a la vanguardia de la crítica radicalizada al sistema (..,) En este contexto resulta comprensible, y hasta natural, que cierta parte de la audiencia rockera, y de la crítica lo haya acusado de frívolo.” </b></i>
Gito Minore no anda con vueltas a la hora de definir a este músico inquieto <b>“Gustavo Cerati fue un artista del mainstream”</b> pero en esa constelación que supo crear con la exitosa Soda Stereo y su carrera solista, tuvo la suficiente lucidez como para entender de que la música seguía avanzando, en un río siempre afluente<b> al que hay que estar dispuesto a navegar</b>, pero para poder hacerlo siempre hay que estar dispuesto a tirar equipaje y mudar de ropa si es necesario, aunque esto signifique volverse un extraño.
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Ese fluir de las cosas lo llevaría a conectarse con algo que siempre estuvo en su sensibilidad, que es <b>la búsqueda del sonido y la textura</b> por encima del sentido, algo que sucedía en Soda Stereo en menor medida pero por la cual era muy atacada.
Cerati siempre estuvo vinculado con la electrónica quiso el relato fundacional que a la banda siempre se la asocie por lo menos en sus comienzos con <b>The Police</b>, pero la realidad que esta banda inglesa era tan solo la punta de lanza de algo que venía pasando en el rock y era <b>la</b> <b>subversión del sonido.</b>
Gito Minore no duda en considerar que Gustavo Cerati fue una figura capital para el rock en Latinoamérica.
<b>“Primero como líder del grupo que, traspasando las fronteras del propio país, redefinió la forma de crear rock en castellano (…) Soda Stereo fue un fenómeno musical, artístico y comercial que no tuvo ningún punto de comparación con nada previo (…) Luego, a partir de la disolución de la banda, como solista supo capitalizar la experiencia previa y usarla a su favor, no quedándose con la gloria (…) sino apostando a superar a superarse disco tras disco” <i></i></b>
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Sin embargo ve algo distinto en lo que la crítica y el público veían como un capricho snob, y es su relación con la música electrónica y las experiencias que supo tener con los socios adecuados que le permitieron olvidar ese pasado, que como bien lo señala el autor de este libro se había transformado en una prisión para Gustavo Cerati.
Para Gito Minore la carrera de este músico esta conformado por dos grandes bloques, uno que contiene su trayecto junto a Soda Stereo y otro como solista.
<b>“Sin embargo entre los poros de estos dos bloques se fueron filtrando proyectos que derivaron en discos y shows. Un conjunto de trabajos que terminaron de conformar una serie, una constelación propia dentro de la discografía “oficial” de Gustavo Cerati. Una obra dentro de una obra. Estas producciones por su propia naturaleza díscola, no gozaron de la recepción ni de la difusión que si tuvieron sus otros trabajos, quedando relegados a los márgenes de la obra central. Sin embargo no fueron solo periferia. Operaron con una lógica divergente que permeó su obra, aportando una cosmovisión musical llena de matices sonoros, que la transformó por siempre.”<i></i></b>
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Los proyectos que supo tener fueron: <b>Plan V, Ocio, Roken,</b> pero la punta de lanza de su experiencia electrónica fue <b>Colores Santos</b> (1992) disco a dúo con el tan inquieto como ubicuo <b>Daniel Melero</b>, quien supo tener su banda enteramente electropop a principios de los 80 llamada <b>“Los encargados”</b> del cual Cerati/Soda re-versionarían <b>“Trátame suavemente” en su primer lp. e</b>.
Lo que el libro señala con mucha agudeza es que toda la experiencia de Cerati con la electrónica estuvo atravesada por lo lúdico y el goce, ya en sus comienzos cuando en la banda previa a Soda, The Morgan se ponían a improvisar con el todavía ignoto y new wave <b>Andrés Calamaro</b> pre- Abuelos de la Nada. Jugando como niños y trabajando según <b>Zeta Bosio</b>:<b>
“Registrábamos en un grabador a casete las sesiones en la que disparábamos los teclados de Andrés, que comenzaban a sonar solos (…) Así iba generándose un clima sobre el que improvisábamos una secuencia de notas, una música que ideábamos para la banda sonora de una película imaginaria<i></i></b>.”
Este mismo aspecto lúdico encontraría Cerati con Melero para la elaboración en conjunto de Colores Santos. En algún punto la experiencia electrónica era la posibilidad de<b> revisitar la infancia</b>, de ir más allá de la preocupación, los contratos y las agotadoras giras, esta manera de <b>conectarse despreocupadamente </b>con sus socios creativos lo libraba de la carga de su condición de <b>rockstar</b> y al mismo tiempo le servía para indagar desde la forma a las futuras canciones como solista, donde supo cristalizar esta interrelación entre lo tecno y la <b>tracción</b> <b>a sangre </b>como reza una de sus canciones del disco <b>Fuerza Natural</b>.
Su estética se retroalimentó de estas experiencias como bien lo indica Gito Minore, Cerati no hubiera sido el mismo sin este tipo de inmersión en el anonimato del sonido buscando <b>desdibujar su nombre propio en función de lo experiencial de la convivencia sonora y humana</b>.
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Los socios que compartieron creación y placer junto a él fueron aparte del mencionado Daniel Melero, <b>“los chilenos Andrés Bucci Astaburuaga, Christian Hirst Powditch y Guillermo Ugarte, con quienes formó Plan V; Flavio Etcheto, con quien compartió Ocio, y Roken, o Leandro Fresco, quien además de participar en este trío también fue parte de la banda solista. Músicos, en muchos casos, que habían crecido escuchando su música. Artistas que se habían alimentado de sus ideas y de los que él ahora se podía nutrir, para de alguna manera retroalimentarse juntos.”<i></i></b>
La Geometría de una flor, Gustavo Cerati y la música electrónica, es un libro que comparte <b>la lateralidad</b> de esos proyectos, de los libros sobre este artista que han salido en estos años desde su temprana muerte, esta propuesta de Gito Minore <b>comparte el mismo perfil bajo</b> <b>de las diferentes experiencias sonoras</b>, hay un trabajo en la prosa que equilibra en la balanza la pura información y la anécdota con la reflexión y <b>cierto espíritu genealogista</b> como por ejemplo cuando desmenuza el sentido etimológico de Ocio, ese proyecto junto a Flavio Etcheto.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjbahDzQQdbQm_gA76m5eOPtWVrfFP25hGXcJFApnN-_zG9p4JnHr-qj6qDdrU9wTi2cr0XvOVZnSiHVoTB0PXxcI0C82o4hEwcJjQD152y9boGtEARlOydPZ3wU2xwD_uXJZl__xqRxZym/s225/descarga+%25285%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: right; float: right;"><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="225" data-original-width="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjbahDzQQdbQm_gA76m5eOPtWVrfFP25hGXcJFApnN-_zG9p4JnHr-qj6qDdrU9wTi2cr0XvOVZnSiHVoTB0PXxcI0C82o4hEwcJjQD152y9boGtEARlOydPZ3wU2xwD_uXJZl__xqRxZym/s320/descarga+%25285%2529.jpg"/></a></div>
<b>“Si toda su carrera se había dedicado a trabajar de músico, de ser parte del “negocio” (cuyo significado etimológico proveniente del latin es nec otium, esto es “negar el ocio”) de la música, ahora estaba decido a quedarse con la parte siempre relegada: afirmar el ocio”.<i></i></b>
Es interesante observar que Gito Minore es responsable desde hace siete años de <b>la Feria del libro heavy</b>, ha sacado bajo su sello editorial <b>Clara Beter </b>las ponencias de las ferias, como libro de poemas y narraciones bajo su firma, forma parte de un colectivo (de investigadores y docentes) llamado <b>G.I.I.H.M.A </b>con el cual a sacado libros sobre <b>la temática heavy sus controversias políticas y culturales</b>, y ha sacado una biografía de <b>Tren Loco</b>, una banda del under que es un manifiesto en si mismo de la independencia, autogestión y el mensaje combativo.
Esta apertura hacia otro carril estético comporta el mismo espíritu de Cerati frente a la movida electrónica, el mismo autor lo dice hacia el final del libro cuando narra que toda esta etapa de Cerati no la vio pero le producía cierta inquietud.
<b>“Me llamo la atención y comencé a preguntarme ¿Por qué este tipo hace música donde no canta? ¿Por qué toca con gente desconocida? ¿Por qué saca discos de manera independiente? ¿Po qué toca en lugares chicos y cobra una entrada de $2?"
Ahí Gustavo Cerati me volvió a llamar la atención, pero desde otro lugar inesperado, ya no era mi ídolo adolescente sino que se me aparecía como un músico y un artista arriesgado, capaz de poder aventurarse al abismo y no temerlo”.<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUjKQJHpU12UWWgZ5HdxhaYBJA57nUxmopkts9s_UaR8czgO0p4XZFT7YOdylBBn5sP774_VG5FnnVMb0_aAWW79WXGw08_EKn2sR-fub-IDMIdEcI5eke17olug7Rxsho-F0FUuHsciH7/s259/images+%25283%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; clear: left; float: left;"><img alt="" border="0" height="320" data-original-height="259" data-original-width="195" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUjKQJHpU12UWWgZ5HdxhaYBJA57nUxmopkts9s_UaR8czgO0p4XZFT7YOdylBBn5sP774_VG5FnnVMb0_aAWW79WXGw08_EKn2sR-fub-IDMIdEcI5eke17olug7Rxsho-F0FUuHsciH7/s320/images+%25283%2529.jpg"/></a></div>
<b>Gilles Deleuze</b> alguna vez enunció que escribía libros desde su ignorancia, este es el caso de Gito Minore alguien con la suficiente valentía como para meterse en un terreno desconocido de este artista popular que supo conjugar la dosis justa entre <b>la experimentación y la forma</b>. La prosa del autor está contenida dentro de lo objetivo que es la obra del músico, pero en algunos pasajes descolla con <b>la felicidad del hallazgo</b> que el propio autor se permite frente a una música eminentemente instrumental, ahí en ese terreno es donde se juega lo subjetivo y en donde su imaginación calibra su posibilidad de fuego e inventiva, como este pasaje donde analiza una versión de las tantas del disco Reversiones de “Siempre es hoy”
<b>“Si la primera tal como lo reseñamos, traía el “disco al living” para que todos bailemos, esta segunda hecha un bidón de nafta a ambos espacios, y de entre las llamas extrae un monstruo lisérgico del que huyen hasta los más bravos (…) Allí, como si estuviera en la tarima de un strip club, propio de una película de Robert Rodriguez, la voz de Déborah del Corral canta, anestesiada por la noche y sus demonios un mantra desarticulado sobre tumbadoras”<i></i></b>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEif3Y4F7QJWjkXS2NS-hvww66BfX-15VPg3-RhNcp94ShwzmcpXUhEwksO4uXwevzlGLw9yHJfCtUQDQj0ojV-3BV59kwsNpQm5Rw2eRY0IqT6CqYcCK2ksHFzK0v8Ww4Dcay_ptfXnUxX9/s300/images+%25282%2529.jpg" style="display: block; padding: 1em 0; text-align: center; "><img alt="" border="0" width="320" data-original-height="168" data-original-width="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEif3Y4F7QJWjkXS2NS-hvww66BfX-15VPg3-RhNcp94ShwzmcpXUhEwksO4uXwevzlGLw9yHJfCtUQDQj0ojV-3BV59kwsNpQm5Rw2eRY0IqT6CqYcCK2ksHFzK0v8Ww4Dcay_ptfXnUxX9/s320/images+%25282%2529.jpg"/></a></div>
En definitiva La geometría de una flor, Gustavo Cerati y la música electrónica, es un libro necesario para comprender el afán de expansión y curiosidad de este artista popular, todo -eso sí- bajo la mirada respetuosa pero lúcida, amorosa como exhaustiva, poética como telegráfica de Gito Minore, que ha encontrado en la forma la propia cifra del placer para contar su propia experiencia implicita y sensible del sonido y la furia.
Luis Ortelladohttp://www.blogger.com/profile/14876361558949662947noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2494870625295851170.post-72558267206057460602020-11-11T06:41:00.002-08:002020-11-13T07:17:55.811-08:00Alan Moore, magia y literatura<p> </p><p> La primera vez que supe de <b>Alan Moore</b> no tuve mucha conciencia de con quién me encontraba, era la década del 90 y a mis manos llegaba la edición multicolor de <b>Killing Joke (1998)</b> un número especial de <b>Batman</b> donde se narraba el origen del <b>Guasón </b>ese archienemigo carismático, perverso, imprevisible, esa contracara necesaria, <b><i>el espejo donde las pulsiones oscuras hacen catarsis</i></b> de un lado o del otro de la ley. La Broma asesina o mortal según la traducción es un comic magistralmente dibujado por <b>Brian Bolland</b>, con guión de Alan Moore.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1uPS05DnVZkFDDgZXHgwn-1lGwi2BrkLyCjIEoxH5Y1ZZeD4YvoWEPOHkhTCmWCwRbaXdWoUiZNlQNMzBVoU-ZvwnRWpokMbywUeJub4yP4YD3nqMdWstPKmZyPVXvopciAwu2ifg6PLc/s287/images+%25281%2529.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="287" data-original-width="175" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1uPS05DnVZkFDDgZXHgwn-1lGwi2BrkLyCjIEoxH5Y1ZZeD4YvoWEPOHkhTCmWCwRbaXdWoUiZNlQNMzBVoU-ZvwnRWpokMbywUeJub4yP4YD3nqMdWstPKmZyPVXvopciAwu2ifg6PLc/s0/images+%25281%2529.jpg" /></a></div><br /><p></p><p>En el momento en que leí esta historieta quede completamente fascinado por <b><i>una narración que prácticamente prescindía de los diálogos</i></b> para quedarse con con lo esencial del material narrativo, la dinámica de las imágenes y el montaje de sentido que tanto el dibujante como el guionista utilizaban para indagar las secuelas del pasado de los personajes en el presente que los exponía de nuevo a nueva y siniestra contienda. Esta versión de los hechos en este universo ficcional y totalmente autosuficente marcaría un precedente difícil de igualar y que de alguna manera<b><i> decidirá la suerte</i></b> de las versiones cinematográficas de Batman y el Guasón.</p><p>Alan Moore con el transcurrir de las décadas se irá transformando en una <b><i>figura de culto</i></b> de gran repercusión por las sucesivas veces que sus historias fueron llevadas al cine, con mayor o menor éxito y acierto<b>(1)</b> <b><i>comenzando a trascender de manera inesperada el medio</i></b> para transformarse en un escritor esquivo, oscuro, atávico, provocador, de apariencia druídica y poco afecto a las pasarelas de las cámaras. Con un <b><i>background cultural</i></b> que excede al universo de los comics pero lo paradójico es que <b><i>la puerta que abrió su percepción</i></b> se la debe justamente a a las diferentes historietas de superhéroes que leyó a lo largo de toda su infancia y adolescencia, lecturas que ayudaron a escapar de una existencia monótona y gris en un pueblito antiquísimo de Inglaterra, tal como lo muestra en el excelente documental sobre su figura e imaginario <b>"The Mindscape of Alan Moore, escritor y chamán" (2003)</b> dirigido por un desconocido <b>Dez Vylenz</b> que por lo que pude rastrear tan solo es responsable de esta excelente retrato.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjt8BnwoVWbY4Z0YUjh3qWgfmdbLEcgoBo35IEItjkA2lwdo0UTgMn7JgZwS7CGtsp6GvHjBTFQBgpy3kCySby8cJmRM5c_pA1x4XVxW68WN0ItpaqrCvuK1d9KPlOqMNsp3kSVoYxQZsZJ/s290/descarga+%25281%2529.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="174" data-original-width="290" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjt8BnwoVWbY4Z0YUjh3qWgfmdbLEcgoBo35IEItjkA2lwdo0UTgMn7JgZwS7CGtsp6GvHjBTFQBgpy3kCySby8cJmRM5c_pA1x4XVxW68WN0ItpaqrCvuK1d9KPlOqMNsp3kSVoYxQZsZJ/s0/descarga+%25281%2529.jpg" /></a></div><br /><p></p><p>En sí no me interesa hablar de la obra de Alan Moore sino de esta <b>experiencia</b> que representa este documental, que en su sentido más acabado es <b>un verdadero trip</b>, un recorrido cadencioso e hipnótico a través de la verba, el acento y la modulación de la voz de este artista singular y complejo que hizo dialogar y<b><i> confrontar los relatos míticos de las cultura con la atroz necesidad de una época sin héroes ni épicas</i></b>, pero que encontró en la creación de superhéroes una nueva posibilidad de habilitar el sentido de un mundo absurdo. Alan Moore es un hombre de su tiempo con todos los aciertos y errores de una personalidad curiosa, categórica y lapidaria con el mismo medio que posibilitó su consagración, su actitud frente a las cosas es extemporánea, como si no estuviera habitando el mismo espacio temporal, en algún punto <b><i>su discurso estético y personal es irreductible</i></b> para los gerentes de la cultura y el marketing estético.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNAMzIlhSCuST0Ud0hvFbhp3LvHMy3mm6dHRYInVPe4hx-84s1HVQVDqNfcSnjgNPN8092o5M3nyeg0ljJKqvXsXU1Pez3GoV3asYJkC2MMrovOFgsGRk725QOkC_yIPWFk7IIu1pNGrWt/s255/images+%25283%2529.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="255" data-original-width="198" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNAMzIlhSCuST0Ud0hvFbhp3LvHMy3mm6dHRYInVPe4hx-84s1HVQVDqNfcSnjgNPN8092o5M3nyeg0ljJKqvXsXU1Pez3GoV3asYJkC2MMrovOFgsGRk725QOkC_yIPWFk7IIu1pNGrWt/s0/images+%25283%2529.jpg" /></a></div><br /><p></p><p>Lo interesante del documental es que está pensado a través de las posibilidades del cine y no desde la ilustración o el subrayado del personaje pintoresco que podría ser Alan Moore para nuestra contemporaneidad, el eje nunca se corre de su presencia, <b><i>la inteligencia del director reside en que lo</i></b> <b><i>deja ser frente a la cámara </i></b>y por momentos parece más una charla entre amigos con esa deferencia tan inglesa que uno imagina a través de los pre-juicios que uno supone de la idiosincracia del país británico. Esta experiencia audiovisual esta separada y mediada por las<b><i> cartas del tarot</i></b> que el mismo autor las va tirando separando la narración por unidades temáticas, o si se quiere por viñetas que van definiendo el recorrido del relato, que a fin de cuentas es esa parte de su vida que elige compartir con el espectador.</p><p>Hay un especial énfasis en la infancia, adolescencia y juventud donde aparecen datos biográficos para después ir silenciando todo lo específico a su vida, <b><i>hay un decidido afán por desaparecer</i></b> como si quisiera confundirse con su obra pero esta actitud no evidencia ningún tick romántico sino más bien el <b><i>deseo de que su existencia no interfiera en la recepción de su trabajo</i></b>. Como lo señala el documental nació en una zona antiquísima de Inglaterra llamada Northampton donde se asentaron familias rurales y en este entorno monocromático y gris e incluso endogámico <b><i>-hasta los perros tenían labios leporinos- </i></b>Alan Moore comenzó a <b><i>vislumbrar más allá de los límites de su propio origen de clase obrera</i></b>, a través de los relatos mitológicos y de los comics que caía en sus manos, especialmente los de procedencia americana llena de historias de superhéroes que desafiaban todas las condiciones de normalidad.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_wOShvzwj1CBVq2viqKVdeHYgRaLmZyJRzLxHjSHeI9tYw-ILLvniEAB0DQvVKVKd_FnoI2pNlVYN9i2gPtMparpmRINDX3SBvO-ipv_Tj4VFZIbfuJDMpUMdL2zdZe4L-UiinDYKOO55/s275/descarga+%25284%2529.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="183" data-original-width="275" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_wOShvzwj1CBVq2viqKVdeHYgRaLmZyJRzLxHjSHeI9tYw-ILLvniEAB0DQvVKVKd_FnoI2pNlVYN9i2gPtMparpmRINDX3SBvO-ipv_Tj4VFZIbfuJDMpUMdL2zdZe4L-UiinDYKOO55/s0/descarga+%25284%2529.jpg" /></a></div><br /><p></p><p>Esta educación sentimental a través de las historietas definió su inquietud cultural y su afán de trascendencia, nunca se casó con su medio ni le rindió pleitesía porque siempre supo y se cuido de no participar ni reproducir los discursos pasteurizados y normalizadores del establisment económico que suscitan toda la industria alrededor de las historietas. Lo curioso del mundo de los comics como bien lo expresa Alan Moore es que los que habitan y hacen posible este mundo <i><b>-tienen espantosas vidas </b></i><b><i>sociales-</i></b>, hay una relación directa entre el nerd y el freak que conviven en este espacio que a todas luces es una fuga y un medio de subsistencia para seres que no soportan vivir en lo que llamamos realidad, pero esta industria creada para sustentar estos caprichos estéticos como relatos populares responden a la lógica capitalista creando sus demandas y necesidades. <i><b>Es ambivalente la potencia de</b></i> <b><i>este mundo siempre en expansión</i></b> que si bien pueden tener contenidos subversivos están atemperados por la misma industria que rápidamente los cataloga en los nichos más extraños y exóticos del universo de los consumos culturales.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiU1oyYP5_xo3b8gwy-Ss2HRz0DCjn_1aMVnmRr_IgtRoHsKeEw2FL3dWtYjfVWc9kbdHmcnWe4QimOmzWybmWzv9qlfUr5yaA6LNWJXwqRMeLMMuVY2vmWUw7qWlp1AnjtOCRHW4MmMScy/s275/descarga+%25283%2529.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="183" data-original-width="275" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiU1oyYP5_xo3b8gwy-Ss2HRz0DCjn_1aMVnmRr_IgtRoHsKeEw2FL3dWtYjfVWc9kbdHmcnWe4QimOmzWybmWzv9qlfUr5yaA6LNWJXwqRMeLMMuVY2vmWUw7qWlp1AnjtOCRHW4MmMScy/s0/descarga+%25283%2529.jpg" /></a></div><br /><p></p><p>Una de las cuestiones formales que plantea un documental en toda práctica, es que se trabaja con materiales en bruto, componentes fácticos y verídicos, <b><i>hechos vivos como inexplicables para el pensamiento que siempre llega tarde</i></b> y no le queda más remedio que la reflexión, pero la elección es un recorte, un filtro por donde pasa lo que al director exclusivamente le interesa resaltar. Que el film abra con los principios que para Alan Moore hacen a la narración es un declaración de principios,un llamado de atención no solo sobre el artista en cuestión sino sobre la propia materia filmica.</p><p><b><i>"En mi trabajo de narrador trafico con la ficción, no con la mentira, aunque reconozco que la distinción es atractiva (...) con la narrativa, con el arte, con la escritura, es importante que aunque estés trabajando con áreas de fantasía totalmente excesiva, haya una resonancia emotiva. Es importante que una historia suene real a nivel humano, aunque nunca haya ocurrido."</i></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><i><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKuAW17R-LTJWkCxSQmBezNwOtLk3a_2cHcwPDHww9kLVbMdV3YGc8JGeYEGxKjLxmKcyXKowKAAyO83Zpcm93DStj1NoP_3xnuC0F_ZykT9XA6RiQhw6km9qHaRBvwrRu0CFE6dReyLs1/s259/descarga+%25285%2529.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="194" data-original-width="259" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKuAW17R-LTJWkCxSQmBezNwOtLk3a_2cHcwPDHww9kLVbMdV3YGc8JGeYEGxKjLxmKcyXKowKAAyO83Zpcm93DStj1NoP_3xnuC0F_ZykT9XA6RiQhw6km9qHaRBvwrRu0CFE6dReyLs1/s0/descarga+%25285%2529.jpg" /></a></i></b></div><b><i><br /></i></b><p></p><p>En este párrafo esta expuesto <b><i>la ética imaginativa del autor</i></b> que aunque narre hechos improbables e imposibles, nunca abandona la coloratura humana porque en el fondo siempre se cuenta la misma historia, <b><i>la desventura de la humanidad que se sabe extraña en un mundo extraño</i></b>. La constante en este singular artista inglés son los impulsos atávicos del ser humano, esos instintos primarios que han permitido la supervivencia de la especie, y que <b><i>han creado las condiciones necesarias para llamar</i></b> <b><i>realidad a lo que entendemos como tal</i></b>, pero en el fondo este pacto entre lo probable y lo desconocido no es más que una delgada línea que nos salva de la locura y la destrucción. Uno de sus paranoicos superhéroes de <b>Watchmen</b> lo expresa con impiadosa neutralidad.</p><p><b><i>"Este mundo a la deriva no está formado por vagas fuerzas metafísicas. No es Dios quien mata a los niños, ni la Fe que los masacra o el Destino que los arroja a los perros. Somos nosotros. Solo nosotros".</i></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><i><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjn288XfjYZJP43t26Ec9fxHB3vx91G76d8e68fBhZq3SOZRYdJrd_xjd7F03-7TjkF51ubJc_lm0gdhCSs3I4TIY3utqk9WrrYMeoVN0XWjlhhugMneyctepcTxqhvHNTYtxKbAQsXf0Df/s272/descarga+%25282%2529.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="185" data-original-width="272" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjn288XfjYZJP43t26Ec9fxHB3vx91G76d8e68fBhZq3SOZRYdJrd_xjd7F03-7TjkF51ubJc_lm0gdhCSs3I4TIY3utqk9WrrYMeoVN0XWjlhhugMneyctepcTxqhvHNTYtxKbAQsXf0Df/s0/descarga+%25282%2529.jpg" /></a></i></b></div><b><i><br /></i></b><p></p><p>La particularidad de este autor es que<b><i> su postura es inactual e intespestiva</i></b>, su mirada no se casa en ningún momento con la feria de vanidades de nuestro tiempo, hay un cuidado hacia su entorno y cierto desdén a sus propios logros dentro de la industria del comic, que el mismo ayudo a revolucionar y a posicionar a este género popular tan bastardeado dentro de la órbita del arte. Alan Moore de ninguna manera se cree su propio cuento y pone en entredicho a la fama, escarba en su sentido y va un poco más allá.</p><p><b><i>"El tema con la fama es que la fama en la forma que hoy la conocemos no existía antes del siglo XX. En tiempos anteriores, incluso cuando eras muy pero muy conocido, eso implicaba serlo entre unas 100 personas como mucho (...) En el siglo XX, con estos medios masivos de comunicación, de repente se hizo posible otro tipo de fama."</i></b></p><p>Para este autor la fama esta relacionada con los<b><i> rituales de iniciación</i></b> para llegar a ser un hombre, esa costumbre de clase que tenía el siglo XIX, donde ser famoso era otra cosa y en donde el desafío era cruzar el mar e ir más allá de la propia cultura y encontrar el propio valor</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgP_F31HjLeio-rOqvUkT6jUlBWq0rr9QEbGRg1F3KsfimdckYQ4YCK_nFcPjnvg-c4pVdX-GliN2fL5crrtpmHEcT_ja8QjdIvvTziHz05Rc3XaZUSuprIaOQ3f2NjdACUAvlQj2THyNmt/s318/descarga+%25288%2529.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="159" data-original-width="318" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgP_F31HjLeio-rOqvUkT6jUlBWq0rr9QEbGRg1F3KsfimdckYQ4YCK_nFcPjnvg-c4pVdX-GliN2fL5crrtpmHEcT_ja8QjdIvvTziHz05Rc3XaZUSuprIaOQ3f2NjdACUAvlQj2THyNmt/s0/descarga+%25288%2529.jpg" /></a></div><br /><p></p><p><b><i>Tiendo a pensar que lo que la fama a hecho es sustituir al mar como la elección básica para la aventura para los jóvenes. Si tu fueras un joven audaz en el siglo XIX elegirías probablemente cruzar el mar, exactamente como en el siglo XX podrías decidir que quieres escapar y armar una banda de pop. La diferencia está, que en el siglo XIX, antes de huir hacia el mar, tendrías al menos algún conocimiento sobre lo que era ese elemento con el que ibas a tratar y probablemente, digamos habrías aprendido a nadar. </i></b></p><p>Pero la problemática con la fama en este siglo donde la apuesta de <b>Andy Wharhol</b> <b>(2)</b> se multiplico hasta la reducción al absurdo es que la sociedad del espectáculo permanentemente necesita renovar su cartera de escándalos, suntuosidades y patetismo. Hoy ser un genio es la cosa más fácil y promocionada del mundo.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3ON90-DhWpN-GnPmNo5eGEYXOOQ18VW9Vim-rCHZLr7Jzn9bljHAPnDUtBp6uLDzaomESRq3B9cG3ZtTYfBBctO_JlnNWufzoNpr1oBu6uKoptzgldVjvjlIZ2nJRSD2yD2bEReLki6QJ/s260/descarga+%25289%2529.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="194" data-original-width="260" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3ON90-DhWpN-GnPmNo5eGEYXOOQ18VW9Vim-rCHZLr7Jzn9bljHAPnDUtBp6uLDzaomESRq3B9cG3ZtTYfBBctO_JlnNWufzoNpr1oBu6uKoptzgldVjvjlIZ2nJRSD2yD2bEReLki6QJ/s0/descarga+%25289%2529.jpg" /></a></div><br /><p></p><p><b><i>La cuestión es que no hay manual sobre cómo lidiar con la fama.Te convertirás en un apreciable joven que ha hecho una buena historieta, una buena película o un buen libro, al quien se le dice de repente que es un genio y que se lo cree y que se consume salpicando en olas de la celebridad y cuyo cuerpo empapado de heroína es arrastrado semanas después en las tapas de los diarios."</i></b></p><p>Lo que hace de este documental una experiencia singular es cuando se anima a contemplar el paisaje mental de Alan Moore, cuando prácticamente abandona las referencias a su trabajo para dejarse encantar por los pliegos de un pensamiento <b><i>que hace de cada ínfima partícula un hecho vivo</i></b>. Si bien siempre fue un autor de intereses múltiples su foco <b><i>siempre estuvo más atento a los efectos</i></b> que a la causas, en esa deriva imprevisible de las consecuencias esta el peso fáctico que la forma de su escritura indagó desde un género popular y menospreciado para acercarse a la magia.</p><p><b><i>"En mi cumpleaños número 40 en lugar de aburrir a mis amigos con algo tan mundano como una crisis de la edad, decidí que sería mucho más interesante aterrorizarlos y volverme totalmente loco autoproclamándome mago. Esto venía preparándose desde hacía un tiempo y parecía un paso final lógico a mi carrera como escritor.(3)</i></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><i><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEirTK_AVMyCKY-L4SiMJs0djMJ_Ng16UnHtbLPZhv0lftO1WpBSxOD7G5tCvue_RyeZ6B6DJX4UGI8zn9Vxurso_2MPv9V1oWmBfXBVZlW3TWF3n3fvqVMWsAYsR_vO5AFcATIQmkLJ4CZN/s259/images+%25284%2529.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="194" data-original-width="259" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEirTK_AVMyCKY-L4SiMJs0djMJ_Ng16UnHtbLPZhv0lftO1WpBSxOD7G5tCvue_RyeZ6B6DJX4UGI8zn9Vxurso_2MPv9V1oWmBfXBVZlW3TWF3n3fvqVMWsAYsR_vO5AFcATIQmkLJ4CZN/s0/images+%25284%2529.jpg" /></a></i></b></div><b><i><br /></i></b><p></p><p>Nada en el documental indica las posibles causas de su transformación en mago, el autor tan solo señala que es un hecho consecuente a su labor, su mirada sobre los aspectos mágicos de las cosas escapa a los lugares comunes de la galera infinita de conejos, no hay trucos en su posición frente al arte, la vida, la escritura y a fin de cuentas el universo. <b><i>Aunque Alan Moore se declare mago lo hace sin lugar a dudas</i></b> <b><i>desde su perspectiva de escritor.</i></b> En ese respeto y cuidado que detenta sobre la magia en sí misma se devela la actitud que lo ha llevado a sortear una vida por fuera de su condición social y al mismo tiempo muy consciente de las míseras bondades de la propia naturaleza humana que busca transformar en dogma todo lo que posea un atisbo de esperanza frente al caos ciego del mundo.</p><p><b><i>"Hay algo de confusión con respecto a lo que es la magia realmente (...)La magia en sus formas más tempranas es habitualmente designada como "el arte" (...) Creo que la magia es arte, y que ese arte, ya sea la escritura, la música, la escultura o cualquier medio es literalmente magia.</i></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><i><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguPq8QLR6dyT8VprmKULE_AiG1hYyJcBUFMr5xDjoW8uLJ37-t7uwb9GQXwm8hMPj8o7aSAFfEANPST9uCRS8Nlw4VHgZ1zNYyatcpfcJTi8kju75VtZwPUeMhzIyB9LEN-hnXDZfvKvXH/s249/images+%25286%2529.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="249" data-original-width="202" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguPq8QLR6dyT8VprmKULE_AiG1hYyJcBUFMr5xDjoW8uLJ37-t7uwb9GQXwm8hMPj8o7aSAFfEANPST9uCRS8Nlw4VHgZ1zNYyatcpfcJTi8kju75VtZwPUeMhzIyB9LEN-hnXDZfvKvXH/s0/images+%25286%2529.jpg" /></a></i></b></div><b><i><br /></i></b><p></p><p>El film no ahonda en la magia ni le interesa saber qué es tal cosa, sino de qué manera esto afecta e influye en ese fenómeno por fuera de las modas y las tendencias llamado Alan Moore.</p><p><b><i>"El arte es, al igual que la magia, la ciencia de manipular símbolos, palabras o imágenes, para lograr cambios de conciencia. El verdadero lenguaje de la magia trata tanto de la escritura como del arte y también sobre hechos sobrenaturales. El grimorio, por ejemplo es un libro de hechizos es un modo extravagante de hablar de gramática (...) Deletrear, manipular palabras para cambiar la conciencia de la gente. Por eso que un artista o un escritor es lo más cercano que verás a un chamán en el mundo contemporáneo."</i></b></p><p>Si bien esta relación que establece el autor no es nueva si lo es cuánto a que literalmente ve como magia la labor del artista con su material, en este aspecto <b><i>la obra es un dispositivo de percepción</i></b>, una puerta que se comparte, se entreabre para que el público, la gente, el común acceda a otra manera de mirar, a otra forma de plantarse frente a la crudeza de los fenómenos cuando no están mediadas por el sopor de la costumbre y los pre-juicios. <b><i>El mago como el artista es un provocador</i></b>, alguien que altera y manipula los límites y los cánones de normalidad y belleza para que podamos contemplar toda la potencia de nuestra vida dormida y dispersa por <b><i>una cultura que se ha olvidado del ser en beneficio del</i></b> <b><i>individuo.</i></b></p><p>Para Alan Moore la magia y la escritura son intercambiables, en algún punto son la misma cosa, lo único que cambia es el modo para que las ideas mágicas lleguen a destino, más allá esta cuestión Alan Moore es un hombre de su tiempo y responde a ese espíritu de época que buscaba cambiar la percepción de los poderes con la subversión psicodélica, la oleada hippie, y la esperanza de oriente, nada más que este escritor eligió un destino minoritario pero rentable y más efectiva a la larga. N<b><i>adie vio venir la opaca crudeza de una poética que no le teme al ridículo </i></b>al declarar que busca ser una experiencia transformadora y no un mero dispositivo de entretenimiento como los miles que infectan nuestras necesidades.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKcHBdhx9C-d828v_N3yV158Gz3T1RI7ca_WsWB-Qt0K8VT5roBMfDuTzlG_6vyiQi5KWToHoaFfCk5spqUWYo5J00encU_36X0GNdmEAg1EMnLc9rQkwbbqlgx3TKmcCaV7cCxt36pI_P/s263/images+%25285%2529.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="263" data-original-width="192" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKcHBdhx9C-d828v_N3yV158Gz3T1RI7ca_WsWB-Qt0K8VT5roBMfDuTzlG_6vyiQi5KWToHoaFfCk5spqUWYo5J00encU_36X0GNdmEAg1EMnLc9rQkwbbqlgx3TKmcCaV7cCxt36pI_P/s0/images+%25285%2529.jpg" /></a></div><br /><p></p><p>Una pregunta pertinente y necesaria es qué es lo que diferencia a este escritor de los pastores de la autoyuda y las banalidades new age, en donde radica la diferencia que separa las intenciones espirituales de un <b>Pablo Coelho</b>, <b>Alejandro Jodorowsky </b>con la de este artista británico que se declara mago sin miedo a su propia parodia como lo muestra un capítulo de <b>Los Simpsons.</b> <b>(4)</b> Con Alejandro Jodorowsky comparten muchos puntos en común, los dos trascienden la propia disciplina y al parecer están más allá del bien y del marketing, cosa que no ocurrió al escritor brasileño que no sobrevivió a su minuto de fama con el gran malentendido que fue <b>"El Alquimista"</b> que eso sí a todas luces fue un verdadero truco de distracción que <b><i>disfrazo de magia procedimientos caros a la literatura como la</i></b> <b><i>alegoría, la fábula y Borges.</i></b></p><p>The Mindscape of Alan Moore es un ejercicio filmico que apuesta a la sugestión, al misterio,y al silencio de todo misterio y así como este artista extemporáneo no se deja seducir del todo por su propia magia porque siempre existe un intersticio que recuerda la humanidad de su naturaleza, la mirada del director Dez Vylenz no se apabulla ni teme mirar las cosas con la distancia necesaria como para que el campo de acción de las palabras de Alan Moore hagan efecto en la retina emocional, en el fondo no se trata del personaje, ni del fenómeno, ni de la opacidad de su presencia sino de lo que <b><i>alcanzamos a vislumbrar cuando el arte ataca</i></b> dejándonos vulnerados y vulnerables en las costas más ignotas del ser. A eso apunta Alan Moore a reconciliarnos con la parte más irreductible de nuestra subjetividad, <b><i>a descubrir que no habitamos el universo sino que este habita en cada uno de nosotros</i></b>, somos las mónadas, los puntos de fuga, los cristales de tiempo por donde se refracta y escapa esa vida fugitiva de toda forma pero famélica y curiosa de su propia potencia.</p><p><b><i>"Cuando cumplimos la voluntad de nuestro verdadero Yo, estamos inevitablemente cumpliendo la voluntad del universo. En la magia estas dos cosas son indistinguibles. Cada alma humana (...) es el alma del universo entero. Y mientras cumplas la voluntad de todo el universo, es imposible hacer algo equivocado.</i></b></p><p> </p><p><b>1-</b> Como todo creador celoso de sus historias las diferentes versiones llevadas a la pantalla le han causado no poco dolores de cabeza a este autor que ha pedido expresamente que se retirara su nombre de los créditos e incluso ha rechazado la plata que estas adaptaciones cinematográficas le han reportado.</p><p><b>2</b>- Andy Wharhol enunció que en el futuro todos contaran con sus 15 minutos de fama, la fama de la que habla Alan Moore en el siglo XIX tenía una dimensión que luchaba contra los elementos, hoy adquirir fama es pelear mano a mano para no aburrir en la pantalla chica. </p><p><b>3</b>- Se sabe que Alan Moore se declara un mago del caos, una práctica que no tiene dogma y tiene mucho que ver con la particularidad subjetiva de cada uno. https://es.wikipedia.org/wiki/Magia_del_caos</p><p><b>4</b>-El capitulo donde aparece Alan Moore tan solo señala y confirma su posición frente a los medios https://www.youtube.com/watch?v=NICs9OeIF_4</p><p>The Mindscape of Alan Moore se encuentra integramente en youtube https://www.youtube.com/watch?v=moRkHk-q9Rg</p><p><br /></p><p><br /></p>Luis Ortelladohttp://www.blogger.com/profile/14876361558949662947noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2494870625295851170.post-9336178556208307892020-07-16T17:13:00.001-07:002020-09-15T16:25:43.871-07:00Actuar es la paradoja de toda vida<br />
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Escribo esto con la noticia de la muerte de <b>Agustín Alezzo</b>, actor, director y maestro de actores,la noticia de su muerte causa una enorme repercusión dentro del ámbito teatral, cultural y artístico por el peso de su influencia, y enseñanza a varias generaciones de actores que se formaron no solo profesionalmente <b><i>sino como personas </i></b>como la gran mayoría lo señala.<br />
Debo decir, que no conozco la obra ni la trayectoria de Agustín Alezzo tan solo lo tenía como referencia ineludible para hablar del arte de la actuación en los últimos 40 años en nuestro país.<br />
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Dentro de las disciplinas artísticas la actuación es quizás -junto con la danza- la que más lejos llevan <b><i>la idea de poner el cuerpo al servicio del arte</i></b>, como también un terreno propicio para alimentar las diferentes mitologías con respecto el trabajo actoral.<br />
<b><i>Mitologías</i></b> que tan solo han servido para desviar la atención sobre lo realmente importante, porque tan solo se han detenido en la confrontación: arte/ vida, representación/ realidad, verdad/ mentira, pero esto no quiere decir que estos pares binarios no tengan su relevancia, pero no ahondan en lo específico; es decir <b><i>que es lo que distingue y diferencia el trabajo de una actriz o un actor, </i></b>que el de un político, un acusado frente al gran jurado o un mediático frente a la cámara.<br />
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Más que nunca asistimos a una época donde parece que <b><i>el mundo tan solo existe para ser llevado a la</i></b> <b><i>pantalla</i></b>, donde la ciudad es un gran set de filmación y todos somos actores en potencia y a disponibilidad de alguna futura película, ya sea por los noticieros, alguna historia de Instagram o faceboock o por la filmación casera de algún evento familiar o amistoso.<br />
Es cierto que la facilidad de los cuantiosos artefactos de registro fílmico han acortado la distancia entre el deseo y el hacer, contribuyendo en su medida a que toda una industria por fuera del cine y la televisión <b><i>goce de su cuarto de gloria</i></b> con videos en youtube, Vimeo, Twiter, u otros soportes digitales.<br />
Por eso la pregunta sobre el <b><i>qué hacer actoral</i></b> es acuciante en este tiempo de dobleces y virtualidades, porque <b><i>los medios masivos le usurparon a la actuación el terreno de la verdad</i></b>, han denunciado el completo artificio de la puesta en escena, del trabajo actoral y la potencia verídica de la ficción.<br />
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Como ha ocurrido con<b><i> la literatura frente a la aparición del cine,</i></b> que tuvo que preguntarse por su especificidad, la que la hacía como tal en su sentido más puro (si tal cosa pudiera ser posible) frente a una industria que en su conformación le fue sustrayendo ese costado cuasi documental de las novelas que no solo narraban la historia en cuestión sino que también informaba sobre los modos de vida, hechos políticos y banalidades de la vida cotidiana.<br />
El cine con su aparición terminó de exponer los límites de la literatura y se adapto mejor al clamor de la épica y la narración decimonómica, como también <b><i>denuncio la pretensión de realidad</i></b> que ostentaba el teatro burgués de principios del siglo XX<br />
La pintura también tuvo que cuestionar sus propios alcances perceptivos frente a la aparición de la fotografía, <b><i>desnudando sus artificios de percepción</i></b> frente a la inmediata reprodución de la realidad de este medio mecánico.<br />
Esto que señalo tan solo expone que todas las artes en algún momento aspiraban a <b><i>la totalidad</i></b> <b><i>expresiva</i></b>, y estaban respaldadas por un contexto que les ofrecía el sustrato para que estos diversos gestos estéticos como relatos, tuvieran <b><i>su peso</i></b> dentro de la comunidad.<br />
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Nuestra época no presenta esas seguridades, ninguna disciplina artística goza hoy en día de esa pretensión totalizante porque la historia ha demostrado con mucho desencanto y amargura, que el absoluto expresivo <b><i>es una ambición filosófica que se ha quebrado con la muerte del garante universal</i></b>, a partir del deceso de Dios asistimos a los fragmentos, las esquirlas, a la metonimia de un relato donde la parte tiene que ser el todo, porque <b><i>el todo como la verdad es un imposible expresivo.</i></b><br />
Porque claro esta, una cosa es la utopía de la verdad única e indivisible y muy otra las verdades,<b><i> las</i></b> <b><i>pequeñas y grandes verdades</i></b> que hacen a nuestra sociedad como a las convenciones que determinan la percepción sobre las cosas y el mundo.<br />
<br />
Sobre estas cuestiones <b>problematizan </b>dos fenómenos estéticos distantes en el tiempo pero similares en sus inquietudes expresivas, uno es de factura reciente, un mediometraje dirigido, escrito e interpretado en plena cuarentena por <b>Victoria Martinez (1) </b>llamado <b><i>"La espera de lo real" </i></b>(2020) y la otra es una delirante biopic sobre el actor y comediante inglés <b>Peter Sellers</b> (The Life and Death of Peter Sellers) conocida en nuestro país con el nombre de <b><i>"Llámame Peter, vida y muerte de Peter Sellers"</i></b> (2004).<br />
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"La espera de lo real" presenta una historia muy sencilla en su linealidad pero <b><i>compleja en su lectura</i></b>, la inteligencia de la puesta en escena reside en<b><i> la propia corporalidad de la actriz</i></b> que deberá apelar a todos sus recursos para hacer de una sola toma (prácticamente no hay otro movimiento de cámara) un abierto interrogante a los modos, las formas y las maneras en que<b><i> el cuerpo de la actriz</i></b> <b><i>deviene en otras.</i></b><br />
Victoria Martinez es una interprete virtuosa con ideas contundentes sobre <b><i>la teatralidad de lo teatral</i></b>, la imagen filmada tan solo confirma que el artificio de <b><i>la perfomance actoral posee muchas capas de</i></b> <b><i>ilusión</i></b>, y de la cual ella hará siempre uso en función de la historia que buscará compartir en la intimidad del espectador.<br />
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La biopic sobre Peter Sellers si bien está basado en la vida de Peter Sellers no deja de cuestionar a lo largo de su hechura y confección sobre un hecho esencial, <b><i>cuál es la consistencia y el peso de lo real</i></b> para afirmar que Peter Sellers fue siempre Peter Sellers.<br />
El film de <b>Sthepen Hopkins</b> tiene la audacia de proponer con ironía y hasta con una cuota de sarcasmo que <b><i>toda la vida de Peter Sellers aún en su más íntimos momentos era una puesta en escena para afirmar la singularidad de Peter Sellers.</i></b><br />
Claramente toda película basada en hechos reales es un recorte que deja mucho material afuera en beneficio de la elección estética y narrativa. Una vida no se puede reducir a una idea pero la confluencia de esta idea en relación con todo lo que la narración elije callar, puede ayudar acercarnos al magma vital, contradicctorio e inasible de una vida que hizo del<b><i> histrionismo de lo real </i></b>una máscara de diferentes intensidades.<br />
<br />
"La espera de lo real" tiene muchos perfiles, en cada una de ellas <b><i>comporta una manera de ser</i></b>, Victoria Martinez puebla la pantalla con todos esos rostros posibles que son ella pero no lo son al mismo tiempo, en esa dualidad de toda representación se encuentran las cartas que la actriz y directora apuesta para decirnos que en el fondo <b><i>la realidad expresiva no deja de ser una convención</i></b> <b><i>más que define a lo real como un código de lectura.</i></b><br />
Porque si hay algo que expone esta aventura estética, es la insidiosa e insistente pregunta sobre la forma en que<b><i> lo real se transforma en real</i></b>, en qué momento el cuerpo de la actriz deja de ser su cuerpo para habitar otra cosa.<br />
La historia que la directora, guionista y actriz deja entrever es muy simple, casi se podría reducir a una anécdota, en el relato asistimos como espectadores al derrotero de una mujer encargada de tomar castings, que en sus primeras imágenes, ya denota el fastidio que le produce el trabajo que está realizando porque no encuentra a la actriz para el papel solicitado.<br />
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Se burla, se ríe, se lamenta, padece los tiempos muertos entre audición y audición, mientras charla con sus asistente, proyecta sobre él su cansancio y expone una sensibilidad harta de ver el mismo circo, <b><i>es un círculo vicioso claramente, un infierno</i></b>.<br />
Porque en el mundo de la actuación <b><i>todo es una pose de la pose</i></b>, y eso es lo que constata el mediomentraje en su su ejecución, lo que demuestra la mujer encargada de los castings, que por efecto del fuera de campo, señala a todas las candidatas posibles que tienen que <b><i>colocar al cuerpo</i></b> <b><i>como una actriz dotada y determinante,</i></b> para que se la tome como la actriz que podría ser más allá del fisic du rol del personaje buscado.<br />
Pero esta mujer al tiempo que toma los castings se tiene plantar como esa mujer que está dispuesta a <b><i>ser cruel y expeditiva si es necesario </i></b>para ejemplificar hasta que punto no importa la persona en cuestión sino el posible personaje que la actriz puede llegar a interpretar.<br />
Lo que Victoria Martinez retrata con pocos y precisos trazos es <b>la perversión de un medio</b> donde lo perverso es la norma, donde las relaciones se establecen a través de<b><i> líneas difusas, ambiguas y muy</i></b> <b><i>convenientes entre psicópatas y psicopatías laborales.</i></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhj_0bY9G5eliSaMCkoJFcNSBOjoWh5sEMs1FXaD806Ew5HJww-8dWktlFFfTYCfvNKbCKD8s5DTPGa7pQcF7lTHF1Okkh5AWblimGGpfZNbs6Id8JmRAIfcHTFUSsSi6QwdtUVXuSGN4Yh/s1600/descarga+%25288%2529.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="160" data-original-width="315" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhj_0bY9G5eliSaMCkoJFcNSBOjoWh5sEMs1FXaD806Ew5HJww-8dWktlFFfTYCfvNKbCKD8s5DTPGa7pQcF7lTHF1Okkh5AWblimGGpfZNbs6Id8JmRAIfcHTFUSsSi6QwdtUVXuSGN4Yh/s1600/descarga+%25288%2529.jpg" /></a></div>
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Mirada desde cierta perspectiva "Llámame Peter" podría ser el <b><i>retrato de un psicópata</i></b>, no en un sentido estricto y acabado sino simplemente en su planteo formal, en su relación simbiótica con su madre, en sus desplantes infantiles con sus relaciones afectivas (cinco matrimonios) y parentales.<br />
La biopic tranquilamente podría ser <b><i>el otro lado de la historia de Peter Pan</i></b>, la del niño que se negaba a crecer pero que inevitablemente lo hizo sin saber que el mundo no estaba hecho a su medida, pero que este<b><i> a fuerza de caprichos, seducción y encanto con la máscara oportuna convencía</i></b> <b><i>a su entorno de que no podrían vivir sin él,</i></b><br />
La película tiene un tono ácido, su mirada sobre el personaje no es compasiva ni mucho menos al medio cinematográfico retratado, todo se desarrolla entre el tono justo de la burla, la ironía y la vergüenza ajena.<br />
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En sus virtudes formales el film de Sthepen Hopkins juega con<b><i> una puesta en escena dinámica y</i></b> <b><i>circular,</i></b> todo vuelve a Peter Sellers (Geofrey Rush) donde no existe una división notoria entre los sets de filmación y su vida.<br />
El fim esta desglosado en momentos donde otros personajes toman la posta para expresar su parecer sobre Peter, pero estos otros personajes en la narración: su padre, su primera mujer, Stanley Kubrick por nombrar algunos, están interpretados por Peter Sellers; es decir por el actor que lo encarna con magistral solvencia <b>Geoffrey Rush (3)</b> en este terreno es donde <b><i>la apuesta narrativa se ríe de sus propios</i></b> <b><i>recursos</i></b> para expresar la naturaleza artificial de todo gesto estético que en su dispositivo trata de hablar de la vida de un actor que era famoso por su capacidad de histrionismo camaleónico.<br />
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"La espera de lo real", como la espera de Godot es todo lo que sucede a la vispera del acontecimiento, pero a diferencia de la obra becketiana, donde todo esta cifrado en la figura de Godot, en la narración de Victoria Martinez <b><i>lo real en el fondo no deja de ser la mirada del espectador </i></b>con toda su competencia cultural tratando de dilucidar lo que el relato propone en sus múltiples personajes.<br />
La sabiduría del relato es que entiende que "<b><i>el devenir otro" </i></b>no pasa por una artillería, de ticks, técnicas vivenciales u otros métodos para actuar, que buscan hasta la exasperación vivir lo no vivido, sino simplemente en escuchar <b><i>es decir escuchar desde el hacer porque todo pasa por la voz,</i></b> la forma en que se articula la voz y coloca al cuerpo de la intérprete.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimabjBAS0T0YtmtTyJJrzACXtQMWIeMR1iNc19RG87AlapQpzExEY3mT0NRCWHDBcNFw4RkpACAuQFUpsWNOCrEhKyegTVZNKa2unD6LH_Z-mahGiTWKgwoH95mmPW6JxsiGXKw3ksce1j/s1600/descarga+%25289%2529.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="194" data-original-width="250" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimabjBAS0T0YtmtTyJJrzACXtQMWIeMR1iNc19RG87AlapQpzExEY3mT0NRCWHDBcNFw4RkpACAuQFUpsWNOCrEhKyegTVZNKa2unD6LH_Z-mahGiTWKgwoH95mmPW6JxsiGXKw3ksce1j/s1600/descarga+%25289%2529.jpg" /></a></div>
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Si bien en el mediometraje de Victoria Martinez confluyen otras imágenes, (fotos de la actriz con diferentes vestuarios y en épocas distintas) que inciden en la continuidad del relato aligerando los tiempos muertos del casting, e incluso se comparten imágenes que por inferencia se supone la de las actrices haciendo la audición.<br />
Por ejemplo en una se ve a una locutora sexy e irreverente, en otra se ve en una esa sesión casi intimista donde Victoria Martinez recorre desde su voz una galería de personajes conocidos de la farándula actoral, en todos ellas se puede vislumbrar <b><i>la capacidad auditiva de la actriz para condensar y exponer </i></b>los diversos acentos de sus personajes, como también las posibilidades actorales, como ese trágico monólogo de "Los Miserables, esa chirriantes exposición de la locutora sexy o la sutileza de la actriz Victoria Martinez en la comodidad de su casa siendo el recipiente, el<b> medium </b>para que otras voces muy distinta a ella la invadan sin solemnidades rituales ni padecimientos trágicos.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgL30Na-2EGG0Kxs6H4gPUczQ_j6Ip8LZtHPOPuIRcknb5A9WjRcEUMrXHxPh-VqYaJE7rkLJj4ViuBjJsP4kfxhub99RRrfxbhF9_HfAELuW9MoMnaEzRcWaY2QD5kRjZuUl0fL6fi0lxP/s1600/descarga+%252819%2529.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="168" data-original-width="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgL30Na-2EGG0Kxs6H4gPUczQ_j6Ip8LZtHPOPuIRcknb5A9WjRcEUMrXHxPh-VqYaJE7rkLJj4ViuBjJsP4kfxhub99RRrfxbhF9_HfAELuW9MoMnaEzRcWaY2QD5kRjZuUl0fL6fi0lxP/s1600/descarga+%252819%2529.jpg" /></a></div>
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Se sabe que Peter Sellers comenzó a ser conocido en Gran Bretaña a través de una comedia radiofónica de la BBC llamada <b>The Good Show,</b> donde se escuchaba toda su capacidad virtuosa porque <b><i>era capaz de hablar con acentos muy disimiles</i></b> (franceses, indios, americanos, alemanes, británicos y muchos acentos regionales). También se sabe que en diferentes reportajes cuando ya era una estrella de la comedia indiscutida, deslizaba que <b><i>no tenía una identidad </i></b>por fuera de los personajes que había interpretado.<br />
En un pasaje del film Peter Sellers es entrevistado donde el periodista cae presa del juego de máscaras de su entrevistado.<br />
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<b>-Peter ¿cómo puedes vivir dentro de tu personaje con tanto éxito?</b><br />
<b>-Verás, yo no tengo una personalidad propia en realidad. Antes había un Yo detrás de la máscara pero lo extirparon con cirugía.</b><br />
<b>No sé, sino tuviera un personaje como el de Clouseu (el torpe inspector de su film más famoso Pantera Rosa). No sé, quién sería. Quizás sería tú.</b><br />
<b>Pero si yo fueras tú, ¡quién serías tú?.</b><br />
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Un director que trabajó con suficiente suspicacia observó de él: <b><i>"Peter tenía la capacidad de identificarse completamente con otra persona, y adentrarse en ella física, mental y emocionalmente. ¿De dónde le venía eso? No tengo nin idea. ¿Es una maldición? Suele serlo. Creo que en este oficio no basta con tener talento. Necesitas tener talento para gestionar el talento. Y creo que Peter, no lo tenía".</i></b><br />
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No se sabe exactamente a qué se refiere <b>Peter Hall</b> pero se puede suponer, que el comediante británico llamado Peter Sellers <b><i>creía que a fuerza de su propia prepotencia creativa</i></b> tenía todo el derecho a ser Peter Sellers en una industria que hace de la realidad una fantasmagoría, lo que el film comparte con fina ironía es que Peter Sellers en algún momento del camino parece haberse olvidado de que era <b><i>un ser de carne y hueso,</i></b> con aciertos, errores, desencantos y enamoramientos, y como todo el mundo un ser falible a su personalidad: había herido y fue herido en ese largo trayecto por llegar a ser <b>"él mismo"</b>.<br />
No voy a contar el final de una película muy recomendable para entender los entretelones de una personalidad facetada, <b><i>estriada por los puntos de fuga de la múltiple pulsión de su personalidad</i></b>.<br />
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Un mismo fotograma asedia constantemente el mediometraje de Victoria Martinez, como una suerte de obstinato en un sentido musical, el fotograma de <b><i>Persona, la enigmática película sobre la identidad</i></b> <b><i>de Igmar Bergman </i></b>atraviesa toda la experiencia de "La espera de lo real" en ese guiño para cinéfilos, la directora deja una señal, una perspectiva posible para entender a esta experiencia narrativa. Hay que recordar que la etimología de la palabra persona proviene del latín que significa <b>"la mascara del actor"</b>.<br />
En un determinado momento la mujer que hace casting le hace una devolución a una actriz problemática llamada Victoria donde le dice <b><i>-volvé a vos-</i></b> , la actriz que recibe estas palabras consternada y en un acto desesperado enuncia sus virtudes apenas disimulando su interperie afectiva, otra actriz llorando también por no haber quedado tajante e incomprendida dice<br />
<b><i>"No puede ser hice bien todos los personajes, estaba actuando, era yo".</i></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjuBzhy7KbEnIgbDMvBD3Knw1Uj15EbG57UNqZ-owJfHSR1waqwgxn3TshpaXtLl4CfRU_Pzlr8VENBrShrcZMtSXL6nLYWTTY9JAYnkX5HUwp5lsOLrz3RgX8reNyoUKBJ0fHVCe14Qf5z/s1600/images+%252814%2529.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="194" data-original-width="259" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjuBzhy7KbEnIgbDMvBD3Knw1Uj15EbG57UNqZ-owJfHSR1waqwgxn3TshpaXtLl4CfRU_Pzlr8VENBrShrcZMtSXL6nLYWTTY9JAYnkX5HUwp5lsOLrz3RgX8reNyoUKBJ0fHVCe14Qf5z/s1600/images+%252814%2529.jpg" /></a></div>
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Esta experiencia estética que nos propone Victoria Martinez como directora, guionista e intérprete es una <b><i>propuesta cruel </i></b>en su rigurosidad formal, no titubea en su hacer, va a hasta el fondo de lo que los medios a su disposición -una cámara de celular, otras filmaciones, fotos, como el fotograma de la película de Bergman- le permiten reflexionar sobre los materiales y sobre la propia condición actoral, todo esto sin abusar de esa misma crueldad para recargar las tintas, como espectadores uno siente<b><i> la soledad de esas actrices y esa misma vergüenza ajena</i></b> que el film sobre Peter Sellers también detenta, sobre todo cuando los personajes derrapan su patetismo buscando ser aceptados de alguna manera u otra.<br />
El final de "La espera de lo real" nos dejara sumidos en el interrogante sobre<b> quién </b>es Victoria Martinez, que nos deja una carta de presentación que se ríe despiadadamente de sus propios alcances, posibilidades, limitaciones y con rigor de su propio ecosistema de trabajo, (la castinera, el cine, la televisión) donde <b><i>prima la apariencia y el parecer, antes que ser simplemente.</i></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKaKDu7qf-TuGp09aQ59jSj_hpJCG0X206alPwiysQorVpeCzcAyOGlTj1vKIsMczW4W9q7zb9rhs-nMej48m1fuyIpPA5fdQKosuahnysvQFuGXOvrfR0eSCeLbKkhsbO9DY_y_TGWdVY/s1600/descarga+%252814%2529.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="174" data-original-width="289" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKaKDu7qf-TuGp09aQ59jSj_hpJCG0X206alPwiysQorVpeCzcAyOGlTj1vKIsMczW4W9q7zb9rhs-nMej48m1fuyIpPA5fdQKosuahnysvQFuGXOvrfR0eSCeLbKkhsbO9DY_y_TGWdVY/s1600/descarga+%252814%2529.jpg" /></a></div>
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Tanto "Solo llámame Peter" como "La espera de lo real" son puestas en abismo que no buscan desentrañar la verdad de la ficción, sino que en su práctica buscan sostener y reproducir lo que hace <b><i>y transfigura al artificio para que se convierta en algo real, como también discernir el momento en que lo real se acartona, codifica, pierde espesor</i></b> para ser más una idea que un hecho vivo.<br />
<b><i>Actuar es una acción y un pensamiento paradójico</i></b> porque no se trata de decir la verdad, sino de la puesta en escena para que la verdad pueda aparecer no como una decantanción de lo real sino por la <b><i>propia veridicción del cuerpo y la voz, </i></b>que se presta como medium, e intérprete para que la emoción estética aparezca con toda su carnadura.<br />
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Estas dos experiencias estéticas aventuran y confirman lo mismo: actuar es <b><i>la más obvia y más antigua estrategia de supervivencia frente a un mundo hostil</i></b>, en los dos films no se juzga tanto a los personajes como a la industria que los moldea, condiciona, y reproduce, también al tiempo se calibra la capacidad de aguantar la densidad de lo real en subjetividades -al parecer- preparadas para soportar el peso de la ficción en su momento más verdadero. A fin de cuentas -tanto para Victoria Martinez como para Peter Sellers,<b><i> actuar es la paradoja de toda existencia porque la vida misma también, es la ilusión de la materia.</i></b><br />
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1- Victoria Martinez cuenta con un canal en youtube donde pueden ver su mediometraje entre otras cosas que la artista va subiendo. <a href="https://www.youtube.com/watch?v=S_u8QiR_lKw&t=1241s">https://www.youtube.com/watch?v=S_u8QiR_lKw&t=1241s</a><br />
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2- Este es el trailer sobre el Film "The Life and Death of Peter Sellers" <a href="https://www.youtube.com/watch?v=m9pBWtZHV1o">https://www.youtube.com/watch?v=m9pBWtZHV1o</a><br />
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3- El trabajo del actor australiano es extraordinario, en este video se puede ver toda la potencia de la mímesis y recreación de su actuación. <a href="https://www.youtube.com/watch?v=WOPo1lZsLio">https://www.youtube.com/watch?v=WOPo1lZsLio</a><br />
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<br />Luis Ortelladohttp://www.blogger.com/profile/14876361558949662947noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2494870625295851170.post-38696089954355459712020-05-19T09:57:00.000-07:002020-05-19T09:57:08.642-07:00Pandemia, Orientalismo y Death Metal<br />
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Con <b>V8 </b>en nuestro país, se creo una estética heavy de raigambre autóctona como de compromiso social, un discurso estético<b> más preocupado por el contenido</b> que por la forma en su sentido más lúdico y experimental.<br />
El heavy local fue generando contenido a lo largo de las décadas gracias a la pluma intuitiva y descarnada de <b>Ricardo Iorio</b>, que posibilitó un discurso particular, subjetivo, caprichoso, y en cierta manera popular donde se han dado cita: <b><i>la Biblia, con la Escuela Científica Basilio, Miguel Hernández </i>con Almafuerte, Motörhead con José Larralde.</b><br />
Este tipo de relato se fue erigiendo a partir del respeto unánime por el <b>código realista</b>, con sus convenciones y estrategias de veridicción (crónicas en primera persona, narración biográfica, etc...), pero el detalle más importante <b><i>es el afán metódico y literal por representar</i></b>, por cristalizar en un lenguaje transparente lo que sucede en el entorno más inmediato, darle voz a los que parecen no tenerla y <b><i>una voluntad innegociable por concientizar</i></b> y enseñar (mostrar en su crudeza) cuáles son las trampas del sistema.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPpfWF6a91ENDbx5mbuMw9BHL_Dy1qJZQ_x92yRmd5A9leJ5IduMnsXxaVFIhUH6C5hGtV_D-GApIDuxm1llgt3kMOgUxb-n3fT4wPuwG3z0N0rrdK1OCkYXV49nJ23eQhMtC9HIpXivD7/s1600/descarga+%252846%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="196" data-original-width="257" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPpfWF6a91ENDbx5mbuMw9BHL_Dy1qJZQ_x92yRmd5A9leJ5IduMnsXxaVFIhUH6C5hGtV_D-GApIDuxm1llgt3kMOgUxb-n3fT4wPuwG3z0N0rrdK1OCkYXV49nJ23eQhMtC9HIpXivD7/s1600/descarga+%252846%2529.jpg" /></a></div>
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Pero el heavy metal como género comporta muchas vertientes, muchos subgéneros con imaginarios que lindan con diferentes tradiciones y saberes culturales, en un racconto rápido se podrían enumerar: el <b>power-metal </b>que se posiciona en el terreno de lo fantástico y la gesta épica, el <b>trash metal</b> y el <b>grindcore</b>, que abrazan la denuncia y el compromiso social, el <b>black Metal</b> que bebe de las aguas de la literatura satánica, esotérica y en muchos casos de tintes paganos, el <b>death-metal</b> que encuentra su caldo de cultivo con la escatología, la hemoglobina, y la muerte, el <b>doom-metal</b> que se inscribe en la página de la melancolía, el erotismo y romanticismo maldito de Poe, Baudealaire e incluso Shakespeare.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBnHX8lzLRjjMEanSo7sq2UqAHLPn-LqOY9Qfzb-t8n_sxF6LWnMa8uz56SyASLHS6mI9a_1qGLt_Hh_5kj-Ikqj-mec-0bulN6lIVg0g4UreNMgsCYspZvy_uDU-owG4h0OoHBw_mUgXJ/s1600/images+%252818%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="167" data-original-width="302" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBnHX8lzLRjjMEanSo7sq2UqAHLPn-LqOY9Qfzb-t8n_sxF6LWnMa8uz56SyASLHS6mI9a_1qGLt_Hh_5kj-Ikqj-mec-0bulN6lIVg0g4UreNMgsCYspZvy_uDU-owG4h0OoHBw_mUgXJ/s1600/images+%252818%2529.jpg" /></a></div>
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En nuestro país el destino de algunos de estos subgéneros siguen orillando la marginalidad auditiva, entran de lleno en el<b><i> terreno dudoso y problemático del underground,</i></b> si es que tal cosa existe <b>-hoy</b> <b>día- </b>donde las diferencias antes notorias entre<b> una banda de éxito y una de los bordes</b>, radicaba en una cuestión<b> ideológica</b> (contra el maistren), <b>estética</b> (formas experimentales, disidencia sonora) y <b>ética</b> (no se transaban los valores formales y poéticos).<br />
Quizás la última década en donde estas diferencias eran tales, responde más al fin de siglo pasado, siendo más estricto podríamos decir que tiene que ver con<b><i> nuestra amada como vilipendiada década del 90.</i></b><br />
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Es probable que una de las bandas más pretenciosas, preciosista, como<b><i> radical en sus patrones</i></b> <b><i>expresivos</i></b> que tuvo la escena de local, fue el grupo platense <b>Pandemia (1).</b><br />
Pandemia es la banda del baterista: <b>Ricardo Massei </b>y el bajista <b>Javier Ringuelet</b>, que fueron integrantes de la agrupación de heavy trash, <b>Genocidio</b> (no confundir con el homónimo brasilero), que evidentemente tenían otras ambiciones sonoras que fueron macerando en la conformación de Pandemia en el año <b>1992</b> y su posterior disolución en el año <b>1999.</b><br />
Pandemia presentaba una propuesta problemática en muchos sentidos, como rica para una escena que en ese momento particular estaba deslumbrada por los <b>destellos costumbristas de Hermética</b>.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimuyLFXl33IMMahU-7W6lKFxuJd-cysEPEXPKXBsE9HTYJv5MG__sPVYE5-nHe6QjByXkN-1nDwFrEv-l8HQ72PFG3wVxQawFiRI5mL9rvh-j2KQGxK1r_4SatoXPbq3WhPODEAoB8777i/s1600/images+%252820%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="163" data-original-width="250" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimuyLFXl33IMMahU-7W6lKFxuJd-cysEPEXPKXBsE9HTYJv5MG__sPVYE5-nHe6QjByXkN-1nDwFrEv-l8HQ72PFG3wVxQawFiRI5mL9rvh-j2KQGxK1r_4SatoXPbq3WhPODEAoB8777i/s1600/images+%252820%2529.jpg" /></a></div>
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Pandemia sintetiza muy bien ese tiempo donde el heavy gozaba de una vitalidad prácticamente imparable, y al mismo tiempo condensaba un<b><i> arco de influencias y linajes</i></b> que no eran populares dentro de nuestra <b>patria </b>heavy.<br />
Pandemia fue una banda de death,<b> atravesada</b> por el doom metal, con un guiño <b><i>cada vez mayor hacia el progresivo en su última etapa.</i></b><br />
Hay que recordar que la década del 90 fue <b><i>la época (si se quiere) clásica </i></b>del death-metal y el momento en que el doom comenzaba a definir un panorama: <b><i>áspero, lírico, tétrico como sublime</i></b>.<br />
Pandemia hace carne con estas influencias y tradiciones para crear un producto nuevo, en una apuesta que no desmerece <b>la agresividad, ni la experimentación</b>, ni mucho menos prescinde de la delicadeza sonora.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLrbi2tBMezWxrBoPjafYx5aAxgxw84oLVArzoiMr_Ym3CkPWdX8JWssVp_rJgMM2Ugfzde8n00v47LdNtMdPt9nfxOxEG7CTb00j3RFOsxDHe6yKs_VRl4sDYO-OOefz5iaggta2QMupk/s1600/descarga+%252847%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="141" data-original-width="250" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLrbi2tBMezWxrBoPjafYx5aAxgxw84oLVArzoiMr_Ym3CkPWdX8JWssVp_rJgMM2Ugfzde8n00v47LdNtMdPt9nfxOxEG7CTb00j3RFOsxDHe6yKs_VRl4sDYO-OOefz5iaggta2QMupk/s1600/descarga+%252847%2529.jpg" /></a></div>
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Es sorprendente como algunas bandas como artistas tienen <b><i>un tiempo interno mucho más veloz </i></b>que sus contemporáneos, este fue el caso de Pandemia que al año siguiente de haber comenzado como grupo se haya dado el lujo de sacar <b>su primer y único Demo,</b> (en formato casete) de una madurez creativa sorprendente, y arriesgada, por su manera de<b><i> confrontar las tradiciones </i></b>del doom y el death dentro de un ambiente opresivo, donde las canciones pelean por demostrar la verdad de su espesura, en un terreno donde la síntesis, no es solo la condensación de lo que se trae, sino también <b><i>el</i></b> <b><i>secreto de lo que se calla en la misma forma.</i></b><br />
Esta maduración estilística tiene mucho que ver con <b>la necesidad</b> expresiva y la frescura de los proyectos nuevos que salen con <b>toda la apetencia</b> de devorarse el mundo.<br />
Cuestión que en su primer y único disco <b>"Prana Sempiterno" (1998)</b> no ocurre porque <i><b>la frescura</b></i> <b><i>dio curso a la experiencia,</i></b> y el derrotero estético de la banda deglutió en todos esos años mucho más de lo que la competencia de las canciones pueden alcanzar a demostrar.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJpLFJQcowuouhaAWcSODgXIxFmSParFn467B-QIY1L19nukfwIk5Qv3tCPQLvp4ErX0TBS5-XJX7TnkougM300-fK1lFhcsLzW5Y23xQMBfOrc2wS3g-SO0raGplh7y9c9rJ2sPUxwcuj/s1600/images+%252822%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="168" data-original-width="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJpLFJQcowuouhaAWcSODgXIxFmSParFn467B-QIY1L19nukfwIk5Qv3tCPQLvp4ErX0TBS5-XJX7TnkougM300-fK1lFhcsLzW5Y23xQMBfOrc2wS3g-SO0raGplh7y9c9rJ2sPUxwcuj/s1600/images+%252822%2529.jpg" /></a></div>
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El Demo se llamo simplemente Pandemia, <b><i>una carta de presentación densa, apesadumbrada, e hiriente</i></b> hacia aquellos oídos todavía delicados del heavy, que no sabían de qué manera procesar un proyecto, que era claro<b><i> iba a exceder sus propias limitaciones</i></b> para avecinarse a otros terrenos artísticos.<br />
Pandemia el Demo presenta cuatro tracks que engloban un mismo marco conceptual, la muerte, en sus diversos relatos:<b><i> el de la carne, el alma, la religión, y la política.</i></b><br />
De hecho los títulos de las canciones se pueden leer con lógica continuidad: <b>"Agonía"</b>, <b>Atrofiamiento"</b>, <b>"Disolución y muerte"</b>, salvo <b>"Tenebroso subconciente"</b> (la única en inglés) funciona como esa terra incógnita, esa caja negra del ser, que es tan desconocida como el más allá de la muerte.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgU7EZ0r5ycdokxP1Qnoe4H8F8UngR7EK8TavpQhi3keG8Y6EoH6da3rAXZ_otT2Q50ln9d-er1H8V1YNGfqo8J0LWSCSsz3dnKiekrBeOVrcK-jH92h0xyvCT6rnkcxZ4QFaCv6PNHI6sK/s1600/descarga+%252848%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="225" data-original-width="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgU7EZ0r5ycdokxP1Qnoe4H8F8UngR7EK8TavpQhi3keG8Y6EoH6da3rAXZ_otT2Q50ln9d-er1H8V1YNGfqo8J0LWSCSsz3dnKiekrBeOVrcK-jH92h0xyvCT6rnkcxZ4QFaCv6PNHI6sK/s1600/descarga+%252848%2529.jpg" /></a></div>
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Lo que tiene este Demo es una <b><i>gran solidez conceptual discursiva y musical,</i></b> aún con sus limitaciones -sobre todo en su calidad sonora- son cuatro canciones que <b>han envejecido bien</b>, se nota que son de la década del 90, pero no se han quedado codificada a la época como les sucedió a muchas bandas que buscaron estar en cuanta tendencia apareciera.<br />
Esta diferencia con el resto, <b>es radical</b> porque habla de un compromiso mayúsculo, de un horizonte que buscaba exceder su propio marco, <b><i>fugarse de las casillas del género</i></b> para hablar desde otro lugar posibilitando otro sentido.<br />
Pero aún con todas las ambiciones los cuatros tracks respetan las convenciones del género, y abreva en una fuente quizás no tan notoria, que es la del disco <b>The Key de Nocturnus (1990), </b>banda de death metal de creatividad progresiva y técnica notable, sobre todo por la manera de utilizar las posibilidades infinitas del teclado, los climas no exentos de sugestión, misterio y brutalidad.<br />
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Esta es la novedad que utiliza Pandemia en sus canciones, <b>el artificio del teclado</b>, detalle que hoy puede parecer irrisorio, pero generalmente el teclado <b><i>era pensado más como un arreglo</i></b>, una pincelada sutil que acrecentara las melodías o sugirieran climas.<br />
La intención de Pandemia es bien otra que es la de <b><i>vertebrar al teclado en el corazón de su imaginario musical</i></b>, cuestión que se acrecentaría con muy buenos resultados en el futuro.<br />
Todos los tracks del Demo presentan una <b>fisicalidad </b>sonora exasperante<b>: </b><b>Agonia</b>: la canción que inicia la serie tiene un comienzo cansino, resignado, pura inercia discursiva que va cayendo como mazazos sobre el oyente, el clima es opresivo, feroz, la voz contamina, desgarra, comunica, y estremece.<br />
Las guitarras profundizan la pesadez en conjunto con la batería y el bajo, todos conforman un bloque compacto, salvo el teclado que va generando estrías en la superficie del sonido,<b><i> limando la posibilidad de la belleza</i></b> y obligando a los punteos a unirse y competir a esa suerte de aullidos primarios del teclado que denotan la urgencia de un hecho extraordinario como nefasto.<br />
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<br />
La otra novedad que trae Pandemia es <b><i>la expresividad de la voz gutural</i></b> o podrida, la voz de Guata tiene <b><i>la virtud de buscar el entendimiento sin resignar la rispides</i></b>, trabaja un fraseo más ligado a lo rítmico, hay un costado dramático que explota muy bien generando matices, trabaja con la superposición de voces, agudas y chirriantes que contraponen diferentes emociones generando <b><i>un</i></b> <b><i>impacto difícil de definir</i></b>.<br />
Pandemia, en este demo define una política enunciativa que ataca de manera soterrada la discursividad verista, social y cuasi-documental de <b>la poética más popular</b> y populosa dentro del mundo heavy.<br />
<br />
<b>Atrofiamento:</b> pone <b><i>el punto sobre las íes,</i></b> cuestionando el valor de toda verdad que se cree con el derecho de ser la única posible. en este tema se manifiesta una estética que <b><i>pone en</i></b> <b><i>cuestión desde su hacer </i></b>al modo Hermética que capitalizaba todas las emociones del público metalero.<br />
En este aspecto la propuesta de Pandemia es más bien<b> expresionista y sensorial</b>, apela a todos sus recursos para <b><i>generar un relato múltiple</i></b>, no se busca (por lo menos en una primera oída) compartir un mensaje, sino <b>emociones extremas,</b> lo que aqueja y deforma lo humando de lo humano.<br />
Atrofiamiento es un track que se sostiene en el costado más death de la banda, todo es saturación y urgencia, explosión y desborde, el punto más alto es cuando la rabiosa voz enuncia subraya y muerde las siguientes palabras: <b><i>"Utopía que no existes/ no hay verdad, no hay no la hay"</i></b>, este momento del estribillo es una declaración de principios, en ella se enuncia todo lo que la poética de Pandemia no será.<br />
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<b>Disolución y Muerte:</b> coquetea en su introducción con <b>la música barroca</b>, detalle que no es fortuito, ni tampoco una muestra de virtuosismo, sino que es<b> el punto de partida (2) </b>desde el cual Pandemia comenzará a escribir su obra, porque Prana Sempiterno su único disco demuestra toda <b><i>la pretensión</i></b> <b><i>barroca</i></b> de una propuesta musical que todo el tiempo esta buscando fugarse de las convenciones y los códigos que el metal tenía establecido para sí, durante los años 90 en nuestro país.<br />
<b>Tenebroso subconciente:</b> probablemente sea la canción más redonda del demo, nuevamente el death aparece en toda su dimensión, para darle la forma definitiva a un tema que habla sobre los pensamientos sin forma, las imágenes sin concepto y las sensaciones sin códigos del inconsciente.<br />
Es el único track en inglés, en ella la voz se retuerce en un fraseo que profundiza el dramatismo descarnado e imperioso de una subjetividad aquejada por sus fantasmas.<br />
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<br />
Es <b><i>loable la continuidad de un grupo</i></b> dentro de un circuito que por razones estructurales y condiciones económicas, los coloca al margen de un mercado pequeño ubicado en la intemperie del gran negocio del rock, no es tarea fácil emprender semejante empresa con una <b><i>propuesta a contrapelo</i></b> de la doxa heavy, una estética que no buscaba la identificación inmediata, ni le hablaba a un nosotros, ni tampoco enarbolar una bandera de lucha con su público.<br />
Para el año 1995 se corrió la noticia de que el grupo platense iba a sacar su primer y esperado disco llamado <b>"Eli Eli Lama Sabactani"</b>, pero la experiencia se frustro y el disco quedó cajoneado para finalmente perderse.<b> (3)</b><br />
Pero en el imaginario local había prendido su propuesta, una propuesta que no temía mostrar cada vez más su voluntad expansiva en cuanto a sus consideraciones estéticas, y a su poética que no dudada en ir hasta el pasado para interrogar <i style="font-weight: bold;">los supuestos de nuestra cultura apostólica, católica romana, </i>o detenerse en el ensimismamiento del ser para tratar de determinar que lo ata y lo vuelve una conciencia infeliz.<br />
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<br />
Eli Eli Lama Sabactani <b><i>no fue ese disco</i></b> que quizás hubiera cambiado la suerte, pero si integró el rosario de canciones de ese dilatada placa debut que finalmente salió un año antes de su separación,<br />
<b>Prana Sempiterno</b> fue el título elegido que cambiaba la fuente, el origen de sus inquietudes poéticas.<br />
Porque Eli Eli Lama Sabactani, se supone son <b><i>las palabras de Jesús en la cruz</i></b> en el momento más álgido cuando descubre la desazón de <b>ser humano</b>, las palabras de reproche en el momento antes de su muerte <b><i>"Dios mío, Dios mío, por qué me has abandonado"</i></b>, un reclamo patético sobre nuestra absurda condición en esta tierra, un reclamo netamente<b> judeo-cristiano.</b><br />
Prana Sempiterno responde a otra tradición,(ligeramente distinta) la tradición de Occidente buscando respuestas en Oriente, de <b><i>la teosofía a Logsang Rampa, de Herman Hesse a los Beatknis, de Gurjieff</i></b> <i><b>al movimiento hippie.</b></i><br />
Prana Sempiterno es la <b>"energía vital"</b>, lo que está antes del pensamiento, antes de la conformación del mundo, la chispa divina, la respiración del cosmos.<br />
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<br />
El esperado debut de Pandemia es de una <b><i>polisemia abrumadora</i></b>, tiene tanta condensación en lo musical como en lo lírico que no podía más que conducir a la banda, a su propio agotamiento funcional creativo.<br />
Es una placa bicéfala, tirante, contradictoria,<b><i> es el esfuerzo de unos occidentales sudamericanos</i></b> (con todo lo que eso implica en nuestra geografía) tratando de ir a los confines de todo, al más allá de las palabras, y de la cultura, tratando con los medios y recursos al alcance de la mano, de<b><i> sublimar la desesperación consciente del hombre en el universo.</i></b><br />
<br />
Prana Sempiterno está conformada por diez canciones. Tres de ellas se debaten en un lenguaje por momentos abstracto, hermético, un decir que da su pelea de fondo, entre la espiritualidad y su propia contingencia, estas canciones son <b>"Nacimiento y fuga"</b>, <b>"Eli Eli Lama Sabctani"</b> y <b>"Prana Sempiterno"</b>, el resto bucea un terreno en común que es la naturaleza del odio y el resentimiento en la propia carne, salvo dos tracks en inglés:<b>"Last Way", y "Mortuary beauty"</b> que funcionan como los momentos en donde el género se hace notar condescendiendo un poco a ese público que disfrutaba más de este tipo de emoción musical más cerrada sobre sí misma.<br />
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<br />
A nivel músical Pandemia<b><i> enriquece su paleta</i></b>, en el disco está presente una <b>cantante lírica</b> como contrapunto a la ferocidad de la voz principal, también se utiliza la sonoridad del <b>violín</b>, de una <b>flauta</b>, como <b>tablas índúes</b>, todos estos elementos aportan otro espesor pero también se nota el proceso de búsqueda hacia su mejor forma.<br />
Los tres tracks de inquietudes espirituales son las que menos funcionan en el conjunto, son las más largas, <b><i>las que prueban los límites del género</i></b>, las que intentan transgredir sus propias posibilidades expresivas con resultados dudosos, como es el caso de<b> Prana Sempiterno</b> que se queda a medio camino de su orientación progresiva.<br />
<b>Nacimiento y fuga</b> tiene mejor suerte, la economía entre la experimentación, la ortodoxia, y su mirada clásica sobre las formas le otorga una pátina de belleza inesperada.<br />
<b>Eli Eli Lama Sabactani</b> es un tema doom que va encontrando su verdad en la propia entropía discursiva, su tono cansino conspira con el desasosiego que la voz en toda su carnalidad quiere comunicar, pero aún así se las arregla para cargar las tintas con mucho dramatismo.<br />
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La canción que se lleva todo los laureles, por osadía, equilibrio, brutalidad y sutileza es sin lugar a dudas es<b> 64 D.M.C.</b> que se mete de lleno con el emperador romano <b>Domiciano</b> que fue considerado un implacable perseguidor de cristianos a los cuales llevo al fuego de su crueldad.<br />
Acá la voz de Guata conmueve con un virtuosismo notable, su voz realmente <b><i>convoca las fuerzas del</i></b> <b><i>pasado</i></b> para que operen en el destino de la canción.<br />
El tema va construyendo el marco para que esto suceda gracias al clima del teclado, la irrupción del violín aquejando el espacio sonoro con su lamento para que la conjunción de bajo, guitarra, y batería generen la inminente sensación de lo inevitable.<br />
Que el violín irrumpa de nuevo hacia el minuto 3, provoca un contraste mayor entre la belleza melódica y la potente voluntad de generar ese impacto final antes del silencio.<br />
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<br />
Si Pandemia hubiera continuado habría consolidado<b><i> una propuesta todavía en elaboración</i></b> entre dejar los restos del pasado como otros grupos, (Anathema, Tiamat, Katatonia) y la nueva posibilidad identitaria en esos maridajes con otras tradiciones ajenas al género.<br />
La banda se arriesgo al tocar en espacios poco habituales <b>(4)</b>, trato de crear un espectáculo de mayor atractivo conjugando también en escena a bailarinas <b>(5)</b> que en su perfomance trataban de profundizar ese costado etéreo y sublime de su poética.<br />
<b>Inevitable Paz (tango rústico) </b>es un buen ejemplo de esta posibilidad, toda ella esta atravesada por esta ambición de condensar otra tradición, de dialogar desde la apretada forma con el tango, de encontrar en su fatalidad otras maneras de exponer y mostrar ese cambalache atroz del mundo desde una nueva mirada.<br />
<br />
Es claro que este recorrido que propongo <b><i>es tan solo un recorrido</i></b> que se detiene en lo que me parece más llamativo de este fenómeno estético, <b><i>no hay voluntad de totalización</i></b> sobre el material sino de dialogo con un producto que buscó interperlar a su presente y que aún hoy nos puede decir algo sobre los conflictos <b><i>entre la carne y el alma, la espiritualidad y la materialidad de lo material, la redención y</i></b> <b><i>el castigo.</i></b><br />
Hay un énfasis que Pandemia trata de <b><i>compartir y subrayar</i></b> desde un mensaje a su manera directo y oblicuo,mensaje que dice a todas luces: <b><i>dejar atrás todo odio</i></b> para encontrar una vida más libre de las ataduras terrenales, estos tracks son <b>"Ignominia"</b>, <b>"Gloria del Odio"</b> y <b>"Vestigios del odio"</b>, en estos temas se encuentra lo más poderoso de la banda, la voluntad de su potencia, y la ambición de llevar al extremo esta emoción y sentimiento para <b><i>alcanzar ese umbral catártico </i></b> que naturalmente devenga en otra cosa.<br />
Lo paradójico del caso es que <b><i>hay más verdad que comunicar en estas canciones</i></b> que en las más espirituales, donde se nota el esfuerzo por tratar de codificar un terreno completamente desconocido.<br />
Porque claro está, el odio junto con el amor, <b><i>son los sentimientos que nos devuelven nuestra patética</i></b> <b><i>tierna, como caprichosa humanidad</i></b>, en cambio los sueños de redención de <b>Prana Sempiterno</b> y en menor medida de<b> Nacimiento y fuga</b> son más pasto para manuales de autoyuda cuando no hay un peso enunciativo que marque y sostenga una diferencia que realmente se diferencie de tantos estereotipos sobre el más allá y el Oriente.<br />
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<br />
Pandemia se separó al año siguiente de <b><i>su paciente labor por encontrar la forma</i></b> que mejor los defina en el espectro local, trataron de ser consecuentes con sus ambiciones, yendo a lugares estéticos que otras bandas evitaron con precaución, se arriesgaron jugándose el nombre propio como entidad grupal para <b><i>labrar algo más que música</i></b> en el público de ese momento y su inevitable posteridad.<br />
Dejo un vacío que ningún grupo que se precie se animo a ocupar, y la persistencia de esta búsqueda, la militancia de este milagro que fue posible entre el año 1992 y 1999, todavía nos sigue comunicando algo en este época de virtualidades y cuarentena.<br />
Pandemia como otros proyectos musicales fue <b><i>un grupo propio del fin del siglo XX</i></b>, una banda que se interesó por el origen de la tristeza del mundo, sus males, los pesares de la religión, su falta de respuestas y la promesa de Oriente como esa fuente inalcanzable de utopías para la ardiente desesperanza de Occidente.<br />
<br />
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<b>Discografía:</b><br />
<b><br /></b>
<b>Pandemia- Pandemia (Demo 1994)</b><br />
<b><br /></b>
<b>Prana Sempiterno (1998)</b><br />
<b><br /></b>
<b>Integrantes (La formación que grabo el disco)</b><br />
<b><br /></b>
<b>Susana Pusso: Teclados</b><br />
<b><br /></b>
<b>Demian Gustavino: Gutarras</b><br />
<b><br /></b>
<b>Javier Ringuelet: Bajo</b><br />
<b><br /></b>
<b>Ricardo Massei: Batería y percusión</b><br />
<b><br /></b>
<b>Adolfo Heber Victoria (Guata): Voz</b><br />
<b><br /></b>
<b>Sergio Araoz: Guitarras</b><br />
<b><br /></b>
<br />
<b>1- Se que actualmente la banda volvió a la actividad, con algunos integrantes nuevos, pero a los fines de esta nota la banda para mí terminó a fines de los 90, es decir la energía y el entusiasmo hace que la banda de hoy sea otra más allá del repertorio y la persistencia de Ricardo Massei, javier Ringuelet y Sandra Pusso.</b><br />
<br />
<b>2- Cuando hablo del barroco, lo digo en el aspecto conceptual, en la capacidad de abrirse continuamente a nuevas posibilidades, y la férrea conciencia sobre los materiales y la tradición, y la expanción al extremo de disolver la identidad continuamente en un nuevo cambio.</b><br />
<br />
<b>3- Esta información lo sé de buena mano, gracias a una charla telefónica con Guata, él fue el que me dio muchos detalles sobre la banda en esos años.</b><br />
<b><br /></b>
<b>4- Tocaron en la capilla que esta en el Centro Cultural Recoleta, y en otros centros culturales, detalle que no era usual en esos años.</b><br />
<b><br /></b>
<b>5- En este registro se puede ver la ambición de Pandemia en toda su amplitud, la cantante lírica y las bailarinas compartiendo escenario y potenciando el deseo de expresión. </b><a href="https://www.youtube.com/watch?v=rGlZOzjpXyk">https://www.youtube.com/watch?v=rGlZOzjpXyk</a><br />
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<br />Luis Ortelladohttp://www.blogger.com/profile/14876361558949662947noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2494870625295851170.post-18800002735675763932020-04-23T20:04:00.001-07:002020-04-23T20:31:57.731-07:00La H (un documental sobre Hermética y la imposibilidad de abarcar su misterio)<br />
<b><i> "Es como un amor, explicame un amor, es inexplicable, es un sentimiento"</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
<b><i> Tony Scotto</i></b><br />
<br />
La H es <b>una letra muda</b>, su voz es inaudible, una letra que en el idioma castellano no tiene mucho sentido, más que como un estorbo y motivo de estrés en los años escolares, no es una letra como la R con la cual uno puede tropezar, o la A que es un sonido primario de las vocalizaciones pre-idiomáticas de todo infante que balbucea tratándose de hacerse entender.<br />
La H es una letra invisible, no es como en otros idiomas donde tiene valor preponderante, pero en nuestra lengua el destino de la H es la de ser ninguneada, salvo claro está que uno escuche <b>heavy metal</b> de cuño local, y si eso sucede, seguro que esta letra tendrá <i><b>un sentido político y cultural muy</b></i> <b><i>específico.</i></b><br />
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En el año 2011 se estrenó un telefilm en <b>INCAA TV </b>llamado, <b>"La H"</b> documental del novel <b>Nicarnor Loreti (1)</b> periodista, productor, guionista y director de cine, más conocido después por su promisorio debut con el largometraje <b>"Diablo"(2)</b> film divertido, picante y políticamente incorrecto, de gran inventiva visual, y de un sabor inconfundiblemente tarantinesco por su cariño a personajes marginales, y su aceitada narrativa de situaciones bizarras y estrafalarias.<br />
La H es <b>un telefilm (3) </b>sobre<b> Hermética</b>, la banda de heavy trash metal de <b>Ricardo Iorio </b>que sacudió los 90 con su <b><i>poética descarnada, lúcida y desesperanzada sobre la frívola y porno época menemista.</i></b><br />
<br />
<b>Las canciones</b> de Herméticas <b><i>definen como pocas un momento histórico</i></b> de nuestro país, sin ánimo de exagerar se pueden afirmar que <b><i>son pinceladas directas, e impresionistas, crónicas y relatos</i></b>, sobre los modos, las maneras y las formas en que tenía la gente de lidiar con los efectos de la privatización de la patria en manos ajenas y corporativas.<br />
Como también la puesta en escena de <b><i>una subjetividad en estado de pregunta,</i></b> de permanente problemática hacia <b><i>los patrones culturales, sociales y políticos que se determina a la realidad y su convención</i></b>, toda la estética de Hermética está atravesada por las pulsiones del arte popular, desde las tapas de sus tres únicos discos, a la lírica de Iorio <b>cada vez más alejada de la doxa heavy</b>, pasando por un modo de entender a la Argentina, y<b><i> a la historia desde el lugar de los desclasados, de los parias</i></b>, <b><i>los olvidados del sistema.</i></b><br />
Hermética le prestaba voz a los que estaban fuera de la ficción del uno a uno, a los que ya sufrían en carne propia lo que después se puso en enorme evidencia, con la fuga de De la Rúa, y los lamentables sucesos del 2001.<br />
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<br />
El fenómeno heavy en estas tierras ya tiene treinta y siete años de historia si tomamos como inicio a <b>Luchando por el Metal </b>de <b>V8</b> en 1983, en este lapso de tiempo se ha venido observando que han salido libros como documentales que reflexionan sobre el fenómeno heavy, estos objetos culturales no son ajenos sino que <b>nacen de su mismo seno,</b> es decir que ese público que creció al calor de sus ídolos musicales, ahora son investigadores, periodistas, docentes, hacen documentales y escriben discutiendo punto por punto muchas cuestiones que atañen a la tradición y al legado heavy de cuño local.<br />
<br />
Desde hace siete años se viene realizando <b>La Feria del Libro Heavy Metal</b> del cual <b>Gito Minore (4)</b> es su principal gestor, que también cuenta con una editorial propia que entre poesía, narrativa y ensayos, ha sacado libros sobre el heavy.<br />
Gito también forma parte del<b> Grupo de investigación Interdisciplinario sobre el Heavy Metal </b>(G.I:I:H:M:A), que han ofrecido dentro de la Facultad de Filosofía y Letras clases seminarios sobre la estética, y la poética heavy, en conjunto han sacado un primer libro colectivo llamado <b><i>"Se nos ve de negro vestidos"</i>(5) </b>donde analizan y desmenuzan entre otras cosas, a la figura de Ricardo Iorio y su implicancia fundacional en el medio musical.<br />
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Es claro que esto que nombro no tiene el afán de ser algo totalizador, tan solo señalo un hecho, y es que el momento de inocente y aguerrido candor del género que prendió en los 80, y tuvo su momento de gran repercusión en los 90, ya paso, ahora la cuestión pasa por <b>pensar y discutir a las prácticas</b> y poéticas que el mismo heavy ha cimentado con sus principales referentes.<br />
El revisionismo no solo compete a la historia con mayúscula, también el género debe responder por <b><i>sus ideas y compromiso con la más inmediata realidad, y la industria musical.</i></b><br />
La H, sin riesgo a equivocarme creo que <b>es el primer documental</b> en nuestro país, que se ocupa del heavy, a través de una banda de gran repercusión social.<br />
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Este documental sobre Hermética <b><i>tiene la virtud y el defecto de ser una celebración</i></b>, el acercamiento de Nicanor Loreti es respetuoso del material, su mirada tiene mucho que ver con la mirada de un fan, porque <b><i>comparte ese imbatible entusiasmo</i></b>, la reverencia, y la alegría de las pasiones ajenas al tiempo.<br />
Los personajes retratados entre periodistas, fans, integrantes de la banda y ex-integrantes, aparecen en toda su dimensión, el montaje para elaborar ese relato colectivo, tiene la pericia sensible de un narrador consciente del artificio, y los modos en que la veridicción se muestra y representa.<br />
Justamente en los personajes aparece lo más valioso de este documental, en su devenir explosivo, en algunas declaraciones, <b><i>en la irreverencia propia de los que han peleado por su verdad</i></b>, esta lo más jugoso de la H.<br />
<br />
La H tiene un agujero negro, <b>una gran ausencia</b>, que ha su manera dialoga y discute con todo el contenido que el film se encarga de enmarcar.<br />
Esta ausencia claro está, es la de Ricardo Iorio, que como ha ocurrido con los diferentes intentos de reunir a V8, <b><i>ha desistido de celebrar su pasado</i></b>, este carencia hace que todo lo dicho gravite bajo el peso de su silencio, era su banda y como tal podemos suponer que tenía la última palabra, pero Iorio sabe que Hermética, <b><i>desde el momento que dejo de existir ya no es suya, sino de la gente</i></b>, el público que lo hizo posible como la gran banda heavy que araño su momento de gloria, y desistió de ese Everest de reconocimiento y fama.<br />
La H no entra en los detalles más profundos de la separación, señala tan solo lo evidente, lo que los mismos integrantes dicen, es decir la incomunicación que se fue generando entre Iorio y el resto.<br />
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<br />
Si bien la H comparte ese espíritu devocional de todo fan enamorado de los gestos de sus héroes musicales, sean <b><i>ridículos, honestos, sublimes, bizarros,</i></b> la mirada nunca se pone crítica, si bien se nota el arduo laburo de montaje y edición, <b>esta mirada no es profunda</b>, se detiene en los bordes, en la superficie del relato, ya que estas más preocupado por narrar la historia de la banda en su linealidad.<br />
Creo que esto se debe a que al director le interesa más mostrar <i><b>-el cómo se arma todo, antes de </b></i><b><i>señalar las causas que hacen posible esto-</i></b> no digo que esto no está implícito en el relato de sus protagonistas, pero el film solo le interesa esto como anécdotas, pinceladas que van definiendo todos los lugares comunes que el público heavy ya sabe sobre Hermética<br />
<br />
Es curiosa que una banda se llame Hermética, que en su nombre <b><i>convoque saberes ocultos y arcanos </i></b> y <b><i> al mismo tiempo sea un grupo transparente para su público y la prensa,</i></b> en cuanto a su música e imaginario poético.<br />
Según el exhaustivo y jugoso libro de entrevistas de <b>Ariel O. Torres</b> sobre Iorio, señala:<br />
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<br />
<b><i>"La palabra "hermética", en cambio, por la etimología y por su relación con la alquimia (el adjetivo se aplica también a las especulaciones, escritos, y libros atribuidos al filosofo egipcio Hermes Trismegisto) y el hecho de querer prácticar una música más "cerrada", le pareció más adecuada para bautizar su nuevo proyecto...su segundo gran proyecto" (El Perro Cristiano)</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
Lo que el documental pasa por alto son algunas de estas cuestiones, es decir, que el proyecto de Ricardo Iorio tenga un nombre esotérico y que en algún punto <b><i>esta denominación sea elitista</i></b> más allá de la condición de clase, porque es de público conocimiento que para entrar en contacto con los saberes más arcanos se requiera algún tipo de iniciación, y por el otro que Hermética sea la banda del pueblo, de la gente, de los laburantes, <b>la música de los desangelados</b> como diría el <b>Indio Solari</b> con respecto a su público que también comparte esa<i><b> fina sensibilidad</b></i> por los huérfanos del sistema, no es casual que en su ep Intérpretes, Hermética haya re-versionado <b>Vencedores vencidos</b> de Patricio Rey.<br />
La lírica de Iorio bebe de las mismas aguas que las inquietudes esotéricas de <b>Roberto Arlt</b>, una zona del conocimiento muy promocionada durante el siglo XX que promovía: <i><b>el espiritismo de La Escuela</b></i> <b><i>Científica Basilio,la teosofía, el super-hombre Nietzcheano, Jung, la alquimia, el esoterismo racial de los nazis y el I-ching o Libro de las mutaciones.</i></b><br />
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<br />
Hermética visto desde esta perspectiva es un grupo de <b>inquietudes bicéfalas</b>, por un lado está la pincelada urbana y por el otro <b>ese alambicado tono alegórico</b> que detenta la canción <b>Memoria de Siglos</b> que según lo señala la información de <b>Ácido Argentino</b> fue escrito bajo el influjo del I-Ching, o <b>Predicción</b> del mismo disco, donde combina por partes iguales, mesianismo con capitalismo, esto que nombro a vuelo de pájaro son solo algunos nudos problemáticos que el film de Nicanor Loretti evita, porque es más una biografía, que un ensayo crítico sobre "el cómo"es posible que una banda <b><i>alto contenido y compromiso social mixture tantos saberes heterodoxos</i></b>.<br />
<br />
Como sucede con Patricio Rey que es la exasperación de la hermenéutica popular, las letras de Hermética tuvieron un gran impacto en la sensibilidad de los jóvenes desherados de la década del 90, una prédica que no se desentendía de la responsabilidad de tener un lugar de privilegio para comunicar, como de impactar desde el look, la potencia sonora y disidente de una música a todas luces, alejada del virtuosismo, es decir: <b><i>simple, dura, directa, puro corazón metálico</i></b> tratando de explicar y contener la deshauciada época menemista.<br />
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Los momentos donde La H produce contenido más allá de lo musical es cuando se permite leer a Hérmetica dentro del desguace de la década del 90, ahí es donde entra la figura del <b>Ruso Verea</b> que es un gran intérprete de las inquietudes, gestos y políticas de la banda de Ricardo Iorio, a este periodista, locutor y ex-arquero, el film de Nicanor Loretti le debe un poco de densidad y peso histórico, sus palabras pueden resumir brevemente una parte de corpus conceptual y sanguíneo de la banda.<br />
<br />
<b><i>"Fue un cóctel como se da en tiempo y espacio, lo repito, en un momento muy importante y especial de la Argentina, importante por lo desgraciado, por la desnaturalización de un montón de cosas que eran naturales, mientras a nuestros abuelos le afanaban la guita, y los abuelos cortaban el congreso y nos intentaban mostrar hsta dónde 40 años poniendols no te sirve ni para morirte dignamente, nosotros les hablabamos que lo ibamos a anotar en Perdurar, para que se murieran tranquilos, en un cementerio privado le ibamos a poner una lápida igual que la de Kennedy, en todo ese quilombo de AFJP, de robo, de menemismo, de grasada, Argentina con dinero en el bolsillo, all inclusive, 15 días Cancún, aparece Hermética"</i></b><br />
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En ese aspecto el documental <b>equilibra </b>este tipo de información (también <b>Frank Blumetti</b> como <b>Gustavo Olmedo </b>aportan lo suyo) con el otro más a-crítico, y teñido del anecdotario típico de la conformación, desarrollo y crisis de toda banda en la trayectoria hacia su ocaso.<br />
La H es un <b>documento necesario</b> para acercarnos a ese fenómeno que fue Hermética, pero en el no hallaremos nada distinto a lo que reproduce en revistas, entrevistas, homenajes y celebraciones desde su separación en el año 1994, esto no quiere decir que lo ofrece la película de Nicanor Loretti sea innecesaria sino que en <b><i>su gesto festivo esta su misma limitación</i></b>, es tarea de otros, desentrañar cuál fue el misterio de Hermética para hacer, crear, difundir y representar un mensaje, y una lírica que le debe mucho a ese <b>cambalache enciclopédico</b> que trajeron los anarquistas, y espiritistas a nuestras tierras cuando la Argentina ni siquiera imaginaba los desastres por venir, ni que un grupo de rock finalizando el siglo XX, haya sido <b><i>uno de los mejores intérpretes de los males que aquejan a nuestra idiosincracia</i></b>, nuestra <b>ontología nacional</b> que como el ser de Sartre tiene su nada, pero que traducido a la jerga local es nuestra grieta, aunque<b> Lanata</b> se pueda adjudicar los derechos de autor, nadie nos quita lo bailado, ni menos Hermética que <b><i>hizo lo suyo compitiendo con el pogo más grande</i></b> <b><i>del mundo.</i></b><br />
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1- Para ver la biografía de Nicanor Loreti consultar <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Nicanor_Loreti">https://es.wikipedia.org/wiki/Nicanor_Loreti</a><br />
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2-Recomiendo vivamente esta película de Nicanor Loreti <a href="https://www.youtube.com/watch?v=TY21oMq3ZEw">https://www.youtube.com/watch?v=TY21oMq3ZEw</a><br />
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3-Reportaje a Nicanor Loreti donde explica su filiación con Hermética y la problemática a la que se enfrente con el material de la banda <a href="https://www.hacerselacritica.com/argentino-hasta-las-muelas-entrevista-a-nicanor-loreti-segunda-parte/">https://www.hacerselacritica.com/argentino-hasta-las-muelas-entrevista-a-nicanor-loreti-segunda-parte/</a><br />
<br />
4-Es notable la labor de Gito Minore (Poeta y narrador) responsable de la hasta ahora única biografía de Tren Loco, y responsable junto a su mujer de Clara Beter Ediciones, que ha sacado todos los años de la Feria del Libro Heavy, libros que han compilado las ponencias de la feria, así como también ha sacado ensayos que tienen como tema al género.<br />
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5-El Grupo de Investigación Interdiscplinario de heavy metal argentino, es un grupo de docentes, licenciados como investigadores de la carrera de Letras, que están realizando una tarea notable de escritura y reflexión sobre el heavy, el segundo libro del grupo se llama Parricidas (no lo leí) pero parece ser un libro iconoclasta y hereje dentro del heavy local. Para conocer detalles e información del grupo entrar a <a href="https://www.facebook.com/groups/436724519791061/">https://www.facebook.com/groups/436724519791061/</a><br />
<br />
La H se puede ver en <a href="https://www.youtube.com/watch?v=4vAih3Axnsk&t=585s">https://www.youtube.com/watch?v=4vAih3Axnsk&t=585s</a><br />
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<br />Luis Ortelladohttp://www.blogger.com/profile/14876361558949662947noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2494870625295851170.post-26813702130963678952020-04-03T20:10:00.004-07:002020-04-03T20:17:24.193-07:00El misterio inaprensible del dolor (consideraciones sobre El sufrimiento del otro en su cuerpo de Diego E. Suárez) <br />
<br />
Leer en esta cuarentena <b><i>condiciona la lectura a un marco específico</i></b>, un horizonte inevitable, no podemos escaparnos del manotazo de la realidad, esta que nos recuerda la mortalidad de todo, y<b><i> nos ubica en la estantería de la finitud y la enfermedad.</i></b><br />
El virus desenmascara nuestras presunciones y supuestas seguridades, expone la falacia de los sistemas de salud, de prevención y cuidado frente a situaciones extraordinarias, porque justamente lo que <b><i>no se pueden prever es lo que sale del orden que el hombre establece</i></b>, para la comprensión del mundo y sus peligros.<br />
Lo que sale de <b>la normatividad</b> es la vida, en todas sus manifestaciones y ciclos, si hay algo que no debemos olvidar es que por más civilización que tengamos, no podemos escapar de la enfermedad y la muerte.<br />
Pero yendo un poco más profundo para no quedarnos con los cotilleos políticos, farandulescos y periodísticos, hay que recordar con más vigor que nunca; el manifiesto de <b> El Teatro y su Doble de</b> <b>Antonin Artaud,</b> porque en el, en su iconoclasta introducción va a al nudo de la cuestión sin retóricas académicas ni excusas divinas.<br />
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<br />
<b><i>"Nunca, cuando se trata de la vida misma que está en juego, hemos hablado tanto de civilización y cultura. Y hay un extraño paralelismo entre este derrumbre generalizado de la vida, que es la base de la desmoralización actual y la preocupación de una cultura que jamás ha coincidido con la vida, y que esta hecha para regimentar la vida (...) No me parece que lo más urgente sea defender una cultura cuya existencia jamás a salvado a un hombre de vivir mejor o de tener hambre, sino extraer de aquello que llamamos cultura las ideas cuyas fuerza viviente es idéntica a la fuerza del hambre". (1)</i></b><br />
<b><i><br /></i>
"El sufrimiento del otro en su cuerpo" (2013)</b> el libro de poemas de <b>Diego E. Suárez (2)</b> esta escrito desde ese lugar, un sitio que ha perdido crédito a causa de la resaca de las vanguardias artísticas del siglo XX que el mismo Artaud en su momento apoyo, no por responsabilidad de estos movimientos auspiciosos como fugaces, sino porque el mundo se alejo de estas expectativas que tanto <b>Baudelaire</b> como el adolescente <b>Rimbaud</b> reclamaban con su imperativo categórico y poético<i style="font-weight: bold;">"Hay que cambiar la vida"</i> hoy escuchar algo así es una postal de la contracultura, un resabio del hipismo, una nota del pasado, un momento del arte en que quería <b><i>coincidir e incidir</i></b> en la vida.<br />
En este siglo XXI el escenario es completamente diferente, la humanidad a sobrevivido a sí misma después de todas las sangrientas revoluciones, como de dos catastróficas guerras mundiales que han llevado la condición humana a un nuevo umbral de calamidad y humillación.<br />
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<br />
"El sufrimiento del otro en su cuerpo", es un conjunto de poemas que en su conjunción organiza un relato, una historia donde <b><i>el precio de la palabra del poeta es urgido por la situación que le toca vivir</i></b>.<br />
Acá en este terreno, es donde las metáforas pierden su valor para transformarse en lujos innecesarios frente a lo inevitable, <b><i>a la intemperie del sentido</i></b>, al naufragio de lo previsible que no puede con la potencia innombrable del mal, de lo que aqueja y padece la protagonista de esta historia, que a través de la voz narradora ira hilando su identidad y memoria.<br />
Hay una zona que la voz poética evita por pudor y cuidado, pero sobre todo porque es un terreno donde las palabras molestan, distraen y buscan en su <b>locura racional</b> explicar lo que justamente esta lejos de toda explicación.<br />
Diego E. Suárez es un poeta inteligente, sabe que <b>la forma corresponde a su capacidad poética</b> frente a lo indecible de la experiencia, es su límite, la línea que toda su escritura evitara con respeto pero sin ningún tipo de temor puritano, porque entiende que no estamos exentos de los<b> bordes inhabitables</b> de toda experiencia humana.<br />
<br />
El poema que inaugura la serie es un claro ejemplo de como esta voz poética enfrentará la situación, su mirada es compasiva y sensible, <b><i>hay un deseo constante de ir más allá de si mismo</i></b> (esto queda claro en la medida que el libro avanza en su lectura), pero este lugar de enunciación nunca renunciara al humor, jamás tomará en serio sus propias impresiones, no porque descrea de lo que ve y percibe, sino por <b><i>el escepticismo natural de toda voz consciente del alcance de sus prejuicios</i></b>.<br />
<br />
<b><i>Plegaria</i></b><br />
<b><i><br /></i>
<i>Entre órdenes y contraórdenes/ dos pilotos comandan mi alma/ El invasor hace lo imposible por hundir la nave. El otro/ teme amordazado en un rincón que se salga con la suya./ El timón en manos enemigas/ (en todo iguales a las mías)/ Dentro y fuera: tempestad./ Padre nuestro clonazepam/ Ave María paroxetina./ Risperidona, ruega por nosotros.</i></b><br />
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<br />
Diego E. Suárez escribe con conocimiento de causa, escribe desde el lugar del otro, busca devenirse y para ello apela a la única herramienta que tiene a su alcance: <b>la empatía.</b><br />
Sostener la mirada de la desesperación tiene su costo:<br />
<br />
<b>"Cuando dos pupilas se desfondaron/ enseñándome para siempre/ la hondura de nuestra fragilidad. (Aprendizaje de la fragilidad)</b><br />
<b><i><br /></i></b>
Este es el precio que el poeta abona con coraje y contradicción, la situación todo el tiempo estará recordando su lugar de origen, su condición de turista del dolor, pero que en ese devenir de subjetividades tratará de hacerlo carne, para hablar de <b><i>lo otro en sí mismo.</i></b><br />
<br />
<b>Podría decirme: <i>yo es otra,/ piel bajo mi piel,/dos lenguas de fuego/ en lugar de las visiones/ </i>Podría decirme, pero nada./ Su braceo imperceptible/ Contra la corriente/ Por sus ojos y a cambio/ doy mi palabra. Intento/ mantener el equilibrio,/no caer en el abismo. (Abismo)</b><br />
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<b><br /></b>
Después de este pasaje de delicado dramatismo, el poeta nos sorprende con el siguiente texto que detenta un grado de humor sobre la situación, francamente espeluznante.<br />
<br />
<b>En esta cama de matrimonio/somos tres/ Nosotros y la Enfermedad. (Tres)</b><br />
<b><br /></b>
Justo después de este acercamiento al nudo privado del dolor, el lugar de enunciación comienza a modificarse ligeramente, en los textos anteriores la mirada era la de observador, ahora se asume el lugar de esta subjetividad aquejada por su mal que posee un grado de lucidez extrema.<br />
<br />
<b>Por las noches despierto empapada/ en sudor, las manos crispadas/ las mandíbulas tensas. Mientras/ En la habitación contigua mi hijo/ se me va de las manos. (Mientras)</b><br />
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<b><br /></b>
Con justicia se puede afirmar que El sufrimiento de otro en su cuerpo es menos una colección de poemas y más <b><i>una crónica al borde del colapso</i></b> frente a tanto dolor, a su misterio, es un conjunto de textos impresionistas aún en sus momentos más álgidos, hay una compostura del tono y una ética de la escritura que encuentra en la mesura, la posibilidad de vislumbrar el fondo, sin el artificio del adjetivo, o la desmesura de la emoción manipulando al pulso narrativo,<br />
El relato es un efecto, una consecuencia de eso que está antes, ese fuera de campo que no alcanzamos a ver, porque <b>entra en el ámbito de lo privado</b>, lo íntimo, a ese silencio constitutivo del ser y su mal-estar.<br />
También por inferencia esta mirada poética sobre la clínica, es una crítica en sí misma hacia estos lugares cuando la humanidad parece en fuga.<br />
<br />
<b>Pregunto al Doctor qué tratamiento/ merece el responsable, pero/ sólo dice: "son cosas que pasan"./ Ciertamente estas cosas nos pasan por arriba y uno se va quedando/ sin fuerzas y sufre hasta perder la razón./ Mientras él practica su rutina/ cobra la consulta con bronceado/ de domingo asado piscina y familia/ aquí nos asfixiamos en el fondo/ de un pozo con espacio apenas/ para lo que no recobraremos jamás. (Matasanos)</b><br />
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<b><br /></b>
Creo que el poema que mejor refleja este equilibrio entre la forma y el contenido, el dolor y el observador, el mal y su conciencia es en el texto que lleva por título "<b><i>Jaula".</i></b><br />
<br />
<b>La dolencia es una jaula/ intenté escapar de ella/ anoche. Mientras dormía/ todo el mundo, mi cuerpo sigiloso/ surcó el silencio nocturno/ llevándome sin saber a dónde./ La madre que tengo/ en mi interior/ supo detenerme./ El zumbido de la luz me hizo ver:/ de nada sirve huir. Debo permanecer/ en mí, disolver los barrotes.</b><br />
<b><br /></b>
La mirada del poeta es amorosa, puntual, prudente, y deliveradamente distante en su afán de registro, en su intuición por los detalles, en su intención por demostrar, como lo alecciona en sus dos epígrafes que su tarea tiene <b>la modestia del curandero</b> de barrio, que percibe mucho más de lo que dice pero esto no tiene la soberbia del que esta de vuelta, sino la ignorancia del que descubre los límites entre el dolor ajeno y el propio.<br />
En ese espacio entre el mal que aqueja a la protagonista y la capacidad de entrega del escriba frente a un fenómeno que lo excede ampliamente, se juega la ambición del libro.<br />
En ese aspecto El sufrimiento de otro en su cuerpo es tanto la imposibilidad de trasmitir, lo que una sensibilidad al borde del abismo padece, y el vértigo del poeta cuando descubre de qué manera se involucra, en la confección de sí mismo frente a la página en blanco.<br />
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<br />
Diego E. Suárez es un poeta de <b><i>sensibilidad telegráfica y sugerente</i></b>, un poeta de la inmediatez y del suspenso, un poeta que hurga incansable en la sombra de las palabras, eso que le permita transferir la experiencia de estar viviendo algo descomunal como inaccesible, pero aún así, sabiendo que la competencia del poeta siempre es la de llegar tarde se anima a transcribir, el efecto del dolor en el cuerpo, la consecuencia del dolor del otro en su propia humanidad.<br />
<br />
<b>Para quien está a lado/ los días pasan pesadamente/ arrastrando los pies./ A no ser por los ciclos de la luna/ y los resignados amaneceres/ cualquiera pensaría: esto/ es un mal sueño que nunca termina/ de empezar. Después de todo/ quien está a lado sabe que está/ ahí para algo: asiste a otro cuerpo/ (al sufrimiento de otro en su cuerpo)/ y al asirlo por dentro se siente carcomer/ a medida que en su roce contra el suelo/ cada hora levanta una polvareda insoportable. (Para quién está a lado)</b><br />
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<b><br /></b>
Diego E. Suárez escribe desde el borde de lo vivido, pero sin resignar al humor ni al espanto, es un escritor que tiene la capacidad de sorprenderse, sin la ambición de comprender, codificar o explicar lo que sucede frente a su piel, esa es su mayor virtud: <b><i>escuchar al silencio después del grito</i></b>, al vacío después de la exasperación, y a la imposibilidad frente a lo irremediable de nuestra condición.<br />
<br />
<b><i><br /></i></b>
<br />
<b>1-El Teatro y su Doble es uno de los libros fundamentales del teatro moderno, la investigación teatral y la estética si se quiere del hambre y del delirio. Se editó en el año 1938 y todavía nos sigue interpelando en la comodidad de nuestro siglo.</b><br />
<br />
<b>2- Sobre Diego E. Suaréz tuve oportunidad de escribir en este sitio a propósito de un poema suyo, que después de una charla sobre los motivos sobre el poema me alcanzó este libro suyo. Pueden leer el texto anterior acá </b><a href="http://lortellado.blogspot.com/2019/12/lo-bello-y-lo-necesario.html">http://lortellado.blogspot.com/2019/12/lo-bello-y-lo-necesario.html</a><br />
<br />
<b>Los poemas por una cuestión de practicidad y espacio fueron modificados en su presentación.</b><br />
<b><br /></b>
<b><br /></b>
<br />
<br />Luis Ortelladohttp://www.blogger.com/profile/14876361558949662947noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2494870625295851170.post-13122555439177737262020-03-28T13:15:00.002-07:002020-04-12T17:22:39.390-07:00Los límites de la experiencia, la ética y la ley (a propósito del film Gone Baby Gone de Ben Affleck)<br />
<br />
Se puede decidir sobre el destino de los otros, se puede tomar <b>la decisión </b>que cambien el curso de una vida, se puede juzgar que un ámbito familiar no sea el adecuado para el crecimiento de los hijos, <b><i>hasta que punto uno se puede meter en una vida ajena y decidir sobre lo que es conveniente</i></b>, hasta que lugar puede uno llegar a involucrarse en una familia que a todas luces parece no poder cuidar de sus niños.<br />
Algunas de estas cuestiones están puntillosamente retratadas en <b>Gone Baby Gone (2007)</b> más conocida en hispanoamérica como <b>"Desapareció una noche</b>", primera y promisoria película del actor <b>Ben Affleck</b>, basada en una novela de <b>Dennis Lehane</b> autor también de la controvertida "<b>Mistic</b> <b>River" (2003)</b> novela en la que se baso el film de <b>Clint Eastwootd</b> con el mismo título.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4aZdqNpsV50BU2CEkcdSno95cusi-r76WFy0tRUJNEJ-yfEw9YaLMqkfevhJi2pZYrtrPX6n_SHFGz61n8CvBOVk_L3VatwvsGNtyj0lduoSCAXkwJiuimcne2ZDWZipT48E-UQAOJpPK/s1600/images+%252826%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="275" data-original-width="183" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4aZdqNpsV50BU2CEkcdSno95cusi-r76WFy0tRUJNEJ-yfEw9YaLMqkfevhJi2pZYrtrPX6n_SHFGz61n8CvBOVk_L3VatwvsGNtyj0lduoSCAXkwJiuimcne2ZDWZipT48E-UQAOJpPK/s1600/images+%252826%2529.jpg" /></a></div>
<br />
El film de Ben Affleck fue una verdadera sorpresa, nadie se hubiera esperado <b>una película tan sobria</b> <b>y madura </b>para un actor, que tuvo su momento de fama y éxito, pero que nunca descolló en sus trabajos, siempre lindando la corrección y en algunos casos el ridículo.<br />
Pero no hay que olvidar que <b>gano un Oscar </b>con su amigo también actor <b>Matt Damon</b> por el guión de <b>"Good Will Hunting" (1997)</b> y que ha estado vinculados con directores que están fuera de la corriente del cine más industrial, directores tales como <b>Kevin Smith o Gust Van Sant,</b> aún así Gone Baby gone es un <b>impecable ejercicio de cine clásico</b>: narración transparente, retratos puntillosos, y precisos que demarcan un contexto de acción muy específico, conflictos sugeridos y latentes por debajo de los obvios y sintomáticos del film, personajes entrañables que deben en la medida que la historia avanza, <b><i>tomar decisiones que cambiaran todo lo deseado en función de lo necesario</i></b>, hay una ética de la cual no se reniega y que tiene que ver con el barrio, el lugar de origen, que será puesto en cuestión a lo largo del relato, porque la procedencia, el lugar en el cual uno se cría y vive sus primeros amores como desencantos, no define la personalidad pero si la marca, esa marca es la que asedia a los personajes a lo largo del film.<br />
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<br />
La historia sucede en Dorchester, Boston, en un barrio que se ha venido a menos, uno de esos barrios que (uno supone) en su momento eran familieros y amistosos pero que el paso del tiempo, el capitalismo, la competencia de mercado, la droga, el crimen, el deterioro de los lazos familiares y la política fueron dejando de lado.<br />
La película comienza con la voz en off del personaje interpretado por <b>Casey Affleck,</b> una voz que narra y demarca su vuelta de la experiencia, voz que intervendrá solo para puntualizar su desazón en <b><i>un relato mucho más grande de lo que su experiencia puede contener</i></b>, un relato en el que esta impreso todo lo que la película se juega tanto en sus virtudes formales como narrativas.<br />
<br />
<b><i>"Siempre creí que las cosas que uno elige, lo convierten en lo que es. La ciudad. El barrio. La familia. Aquí la gente siente orgullo por estas cosas. como si fueran logros, los cuerpos que recubren sus almas, las ciudades que los envuelven. Viví en esta cuadra toda mi vida, como la mayoría de esta gente, cuando uno trabaja buscando a personas desaparecidas, es útil saber de dónde vienen, yo encuentro a las personas que nacieron en las grietas y luego cayeron adentro".</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
El personaje interpretado por Casey Affleck trabaja junto a su mujer buscando personas desaparecidas, en el barrio hay un revuelo por la desaparición de una niña de 4 años, en ese entramado familiar que se ira develando, aparecerá toda la miseria, la desesperación y la idiosincracia de un barrio que no sabe cómo lidiar en lo que se ha transformado.<br />
La madre de la niña desparecida es una adicta a la cocaína, vive con su hija, en una casa compartida con su hermano que a su vez vive con su mujer, que es la que en realidad moviliza toda la búsqueda de la niña y contacta a <b>Patrick Kenzie </b>el personaje interpretado por Casey Affleck<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFKu_BxF4yN5rvv-44GVVkqRBIy49FhiO_H-mbe8QGa_5VIyY6KgAtmeesZsPefUpzFka7_3_eMSpi0Lz_TcUB1nA5Zjbsc3oO1O_RU2OKX5sNmMKt4Ld4YuWQflTAP_QIdBoMiG68XWgX/s1600/descarga+%252832%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="168" data-original-width="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFKu_BxF4yN5rvv-44GVVkqRBIy49FhiO_H-mbe8QGa_5VIyY6KgAtmeesZsPefUpzFka7_3_eMSpi0Lz_TcUB1nA5Zjbsc3oO1O_RU2OKX5sNmMKt4Ld4YuWQflTAP_QIdBoMiG68XWgX/s1600/descarga+%252832%2529.jpg" /></a></div>
<br />
Patrick Kenzie es un joven que se crío en el barrio, tiene un pasado de drogas y muchos contactos diseminados por todo el barrio, entre conocidos de la secundaria, dealers y policías, sabe cómo moverse, <b>qué códigos respetar y a quienes marcar territorio </b>cuando el asunto lo requiera.<br />
Que el personaje sea interpretado por Casey Affleck <b>no deja de ser un ironía</b>, por el fisic du rol del actor, que es lo opuesto a lo que uno podría esperar de un pibe curtido en la violencia de las calles y las drogas.<br />
El porte del actor es de un andar desgarbado, es flaco, no es feo pero tampoco entra en la categoría de lindos o galanes como su hermano, tiene una mirada intensa y curiosa, y la mandíbula fuerte como si todo el tiempo estuviera rumiando pensamientos, <b>siempre parecerá más joven de lo que es</b>, se lo dirá el el jefe de la policía a cargo de la investigación de la desaparición de <b>Amanda Mccready, </b>buscando desacreditarlo como también minutos después el detective interpretado por <b>Ed Harris.</b><br />
Para completar el cuadro de situación Patrick Kenzie trabaja con su mujer, la actriz <b>Michelle Monaghan,</b> que también tiene un aspecto juvenil, de niña de bien, universitaria.<br />
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<br />
En esta elección de los actores principales <b>esta uno de los principales aciertos del film,</b> no se trabajan con estereotipos sociales, ni hay un miserabilismo por mostrar el dolor, ni una condena a la institución policíaca, de lo que se trata es de mostrar y exponer hasta que punto la misma simiente del barrio esta constituida por esta simbiosis entre el orden de la ley y el orden de la calle, así lo deja entrever Patrick Kenzie cuando uno de los detectives se burla de él, señalando:<br />
<br />
<b><i>-creí que conocías a este tipo.</i></b><br />
<b><i>-la mitad de los tipos que conoce son degenerados</i></b><br />
<b><i>-si, sabés ¿qué son la otra mitad?</i></b><br />
<b><i>-¿qué?</i></b><br />
<b><i>-policías, no me lo eches en cara.</i></b><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<br />
En esta interrelación de territorios, fronteras y códigos de sociabilidad se juega toda la percepción de la historia, que por contraste y consecuencia muestra la ausencia del estado.<br />
En el barrio, las personas con oficios humildes se las arreglan cómo pueden, y la policía tan solo determina a quién apuntar, detener y con quién negociar.<br />
En esta relación carnal hay mucho de show, como de pactos y traiciones según la conveniencia y los negocios.<br />
Por eso la reticencia de Patrick Kenzie cuando le pregunta al detective interpretado por Ed Harris, por el origen de su nombre:<br />
<br />
<b><i>-¿qué nombre es Bressant?</i></b><br />
<b><i>-uno de los que hay en Lousiana </i></b><br />
<b><i>-¿si?, creí que era de aquí.</i></b><br />
<b><i>-depende de cómo se mire. Quizás usted crea que es más de aquí que yo, por ejemplo. Pero llevo más tiempo aquí de lo que usted tiene de vida. ¿Quién tiene razón?</i></b><br />
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<b><i><br /></i></b>
Patrick Kenzie fue contratado para hallar a la niña, buscar sus rastros, es requerido justamente por que conoce a mucha gente que no habla con la policía, el film es el derrotero del los personajes por diferentes puntos del barrio, asistimos a <b>este mundo, fuertemente masculinizado,</b> donde la mujer es un objeto, un trofeo y por momentos menos que eso.<br />
Es la ley del más fuerte, pero también del más apto e inteligente para sobrevivir a a esas calles, <b>a la</b> <b>cual todo el tiempo se le debe pagar un peaje,</b> hay un aprendizaje que el personaje principal sufrirá y que tratara una vez consciente de ello, de llevar hasta las últimas consecuencias, aunque esto cueste la relación con su mujer.<br />
Que es la otra mirada que acompaña el relato, cuando digo mirada es justamente eso, <b>Angie Gennaro,</b> observa las cosas desde el extrañamiento, de alguien que trata de comprender un mundo que en la medida que se va involucrando le va resultando cada vez más ajeno.<br />
Cuando la pareja decide aceptar el trabajo de búsqueda, ella advierte.<br />
<br />
<b><i>-Llevamos una buena vida, ¿no?</i></b><br />
<b><i>-¿es una pregunta con trampa?</i></b><br />
<b><i>-no quiero encontrar a la niña en un contenedor</i></b><br />
<b><i>-Quizá no este en un contenedor, nena</i></b><br />
<b><i>-no quiero encontrar una niña maltratada por tres días</i></b><br />
<b><i>-cariño, nadie quiere eso.</i></b><br />
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<b><i><br /></i>
La buena vida</b> tal como la enuncia Angie Gennaro <b>es lo que parece haberse escapado del barrio</b>, es el fuera de campo permanente de film, es lo que desencadena el conflicto principal, en donde los personajes se debaten entre la conciencia, la ética, los valores individuales, y los límites entre el bien y el mal, pero no entendido como fronteras absolutas, sino más bien difusas, borroneadas según la conveniencia y lo que se está dispuesto a pagar por ello.<br />
La desaparición de Amanda Mccready pone en escena los resortes del poder, y la necesidad.<br />
Su desaparición misteriosa expone el riesgo, al que se somete el jefe de policía interpretado por <b>Morgan</b> <b>Freeman,</b> devela hasta que punto <b><i>su moral entendida como el bien común esta supeditada a ese entramado de relaciones y complicidades secretas</i></b>, que operan y se fricciones para seguir sosteniendo una realidad que les conviene a todos.<br />
Salvo a la madre de la niña desaparecida y a esta joven pareja de investigadores que deberá tomar una decisión capital cuando se enteren del verdadero destino de Amanda Mccready.<br />
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<br />
Sería vano explicar el final de esta película que contiene todos los sinsabores de una realidad ambigua, pero <b><i>la cuestión principal también le atañe al espectador, y más aún a nosotros espectadores</i></b> <b><i>sensibles en un país como el nuestro</i></b>, que tiene una historia con la desaparición forzada y el secuestro de bebes en cautiverio, estos niños que crecieron en familias sustitutas, desconociendo su pasado y origen, esta generación que fue educada pensando que ese destino implantado y a la fuerza era lo mejor para su futuro, porque ese estado argentino del momento en connivencia con cierto sector social juzgaba y asesinaba a los padres de estos niños por considerarlos enemigos públicos del nuevo orden establecido.<br />
Como dije el final de "Gone Baby Gone" le pide algo al espectador, le reclama algo más que su pasiva actividad frente a la pantalla, <b><i>le exige su compromiso moral frente a este hecho estético </i></b>inteligente en su forma y maduro en la manera de compartir una historia de muchos contraluces, zonas oscuras, como lugares opacos de percepción.<br />
<br />
No se trata de la salida rápida tipo una gran película con mensaje redentor y sólidas actuaciones, sino de la fuerte problemática que instala desde su narración clásica un film, que puede considerarse dentro de la estética realista, pero eso no alcanza para tratar de definir o explicar a<b> un relato al que no</b> <b>le interesa juzgar a su criaturas</b>, ni bajar líneas sobre los modos de vida en los suburbios, sino de <b><i>contar en su sentido más llano una experiencia</i></b>.<br />
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<br />
La voz narrador que interviene en varios momentos, es una voz que esta de vuelta, esta del otro lado de explosión que partió al medio el equilibrio de su relación y que le enseño, si es que hay algún tipo de pedagogía en esto es que tomar una decisión dentro de un marco donde las reglas parecen claras, pero que <b><i>están pervertidas por los mismos gerentes de las leyes,</i></b> es un compromiso total y por momentos <b>un lugar de soledad,</b> como le sucede al protagonista, aunque el mundo conspire desde su lugar común, un lugar histérico en sus presunciones y paranoico en su interpretación.<br />
Patrick Kenzie defiende <b>los valores de una época en fuga</b>, es un héroe a su modo, un héroe del ocaso, un héroe de la medianía y de los grises, al que nadie le presta su debida atención, porque <b><i>no hay show ni televización posible cuando se tiene que tomar y elegir la decisión más difícil</i></b>, la elección de una vida, no por encima de otras, sino por encima de <b>las que se creen que tienen el derecho y la total impunidad de elegir el futuro de los niños,</b> muy por encima de sus origen, familias y padres.<br />
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<br />
El final del film<b> es agridulce y levemente irónico</b>, eso no quiere decir que no sea feliz en algún punto, pero esta felicidad tuvo un precio muy alto, después de esto uno puede imaginar que nada va a ser igual en la conciencia del protagonista, no se puede ignorar los principios morales que sustentan los lazos de sociabilidad y pertenencia.<br />
El barrio es cierto, deja sus huellas en la permanencia de ciertos códigos, pero hay algo que cercena toda percepción cuando se cree que el inicio de todo mal tan solo recae en las familias de determinada extracción social.<br />
Gone baby Gone se detiene ahí donde otros films de temáticas parecidas pasan de largo, Gone baby Gone <b><i>se detiene a observar las consecuencias no solo de un modo de vida, sino que pone en discusión el relato social que los medios primeros, las instituciones después y las familias educadas por estas instituciones y medios dicen qué es lo real, qué esta bien, qué esta mal y qué es lo más conveniente para sus hijos.</i></b><br />
<br />
Cerca del final de la película hay un diálogo que es muy clarificador en cuanto a lo que se juegan los personajes no solo sus valores, sino también la condición de sus prejuicios y temores frente a lo irrevocable de los hechos y la experiencia.<br />
Patrick Kenzie en una escena no exenta de drama y controversia, ejecuta a sangre fría a un pedófilo después de descubrir que había asesinado y violado a un niño. Todo el mundo parece aprobar su hacer salvo el mismo, <b>hay un límite que transigió, una espina es su conciencia </b>que no lo va a dejar tranquilo, ni mucho menos después de que la película termine.<br />
El siguiente diálogo transcrito es con el detective interpretado por Ed Harris, que es su contracara, es el que lo quiere convencer, de que hay veces que vale la pena ignorar lo que la sociedad y la cultura establece como la ley.<br />
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<br />
<b><i>-Tienes que sentirte orgulloso. La mayoría se habría quedado afuera.</i></b><br />
<b><i>-no lo sé.</i></b><br />
<b><i>-¿Qué no sabes? </i></b><br />
<i><b>-Según mi cura,la vergüenza es Dios diciéndote que hiciste algo malo.</b></i><br />
<i><b>-Que se vaya al carajo.</b></i><br />
<i><b>-Matar es pecado.</b></i><br />
<i><b>-Depende de a quién mates.</b></i><br />
<i><b>-No funciona así. Es lo que es.</b></i><br />
<i><b>(...)</b></i><br />
<i><b>-Te preocupa, qué es católico. Los niños perdonan. Los niños no juzgan. Los niños dan la otra mejilla.</b></i><br />
<i><b>(...) </b></i><br />
<i><b>-Hay que ponerse de uno de los dos lados. Si acosas a un niño, si golpeas a un niño, no estás de mi lado. Si me ves venir, corre, porque te bajo carajo. Simple.</b></i><br />
<i><b>-No creas que es simple.</b></i><br />
<i><b>-¿El niño está mejor sin su padre? Si. Pero sí podría estar libre ahora. Inyectándose con un arma en la cintura. Es una guerra. ¿Estamos ganando? No. Volverías a hacerlo, bajarías a Corwin Earle? (el pedófilo) </b></i><br />
<i><b>-no.</b></i><br />
<i><b>-¡Eso te hace bueno?</b></i><br />
<i><b>-No lo sé.</b></i><br />
<i><b>-Pero no te hace malo, ¿No?</b></i><br />
<i><b><br /></b></i>
Sin lugar a dudas Gone Baby Gone es una gran película, una de esas películas hechas con sabia modestia, y serena lucidez, una película que sigue interrogando nuestro presente y lo va a seguir haciendo porque su lugar estético es el de la interrogación, que a su vez es incómoda pero precisa, ambigua pero determinante, fundamental como temeraria y sencilla como compleja.<br />
Pregunta que sería más o menos así: <b><i>Qué es lo bueno y qué es lo malo.</i></b><br />
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<i><b>Trailer de Gone Baby Gone </b></i><a href="https://www.youtube.com/watch?v=JyT0_wfQR2Y">https://www.youtube.com/watch?v=JyT0_wfQR2Y</a><i><b><br /></b></i><br />
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<b><i><br /></i></b>
<b><i><br /></i></b>
<b><i><br /></i></b>
<b><i><br /></i></b>
<b><i><br /></i></b>
<b><i><br /></i></b><br />
<br />Luis Ortelladohttp://www.blogger.com/profile/14876361558949662947noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2494870625295851170.post-24211477601854410172020-03-23T18:40:00.002-07:002020-09-02T13:02:50.415-07:00El oficio de ser (reflexiones en torno al arte, la presencia y la humanidad de Oscar Martinez)<br />
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Quiso estos días de cuarentena por sugerencia de mi mujer avistar dos películas españolas, protagonizadas por <b>Oscar Martinez,</b> las dos ofrecen historias singulares, <i><b>son films conservadores en</b></i> <i><b>su forma pero hondos en su sensibilidad</b></i>, porque las dos <i><b>se atreven a exponer a su personaje </b></i><b><i>principal</i></b> a la ventura de los hechos y situaciones que van desnudando como desarticulando la pretensión de seguridad y conocimiento que el personaje cree tener sobre las cosas, las personas que ama, para finalmente recabar en su misma constitución subjetiva de afectos y desencantos.<br />
La primera película es de <b>Santi Amodeo,</b> director del que francamente desconozco su filmografía, el film es cuestión se llama <b>"Yo, mi mujer y mi mujer muerta"</b> (2019) y la otra película se llama <b>"Vivir dos veces"</b> (2019) de María Ripoll también desconocida para mí, pero los dos muy conocidos en España. <b>(1)</b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiN4d61QtnwL6rXR0kjPXGzl6_UKWhYGMq17UKllcHKnK5aMTkLTvpRjvj47H2ZHozLrKUhnOO1Ql_cvLi70z4io65ZhuABp1ihkaQC_awxf3k2xbv6NmVFl1Pf-0cfXKzyrkUL2rlK8M2f/s1600/descarga+%252830%2529.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="168" data-original-width="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiN4d61QtnwL6rXR0kjPXGzl6_UKWhYGMq17UKllcHKnK5aMTkLTvpRjvj47H2ZHozLrKUhnOO1Ql_cvLi70z4io65ZhuABp1ihkaQC_awxf3k2xbv6NmVFl1Pf-0cfXKzyrkUL2rlK8M2f/s1600/descarga+%252830%2529.jpg" /></a></div>
<br />
Los dos son films que abrevan en la <b>comedía dramática,</b> son respetuosos con el género, y las dos también comparten la característica de poner el foco en los personajes, en su retrato, en los trazos que hacen a estos retratos.<br />
La historia es un efecto, una consecuencia de esta mirada atenta a los detalles y sensible a la <b>intimidad desconcertante</b> de "Yo, mi mujer y mi mujer muerta", y <b>cruda como cuidada</b> de "Vivir dos veces".<br />
En la historia que propone Santi Amodeo <b>hay cierto jugueteo con el humor negro</b>, el título es engañoso en ese aspecto, podría ser una comedia negra, sarcástica y corrosiva, pero esto aparece como latencia, como una posibilidad que la película evita en función de su personaje principal.<br />
"Vivir dos veces", <b>podría haber sido uno de esos insoportables films ejemplificadores y moralizantes</b> sobre el sentido de la vida, las relaciones familiares al borde del colapso y enfermedades terminales, pero el tono que elige para contar se sostiene en la liviandad y la ironía, la película se ríe un poco de sí misma.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgt9hXURTDTT3rDIxZd4GB43h4Z35GhcVXGtq8w2vv4HTRdeDYkY_A0em73bPItEmtWIvs8eMkaWYRvDh5SEAt_4A1uBFn8Bs8STBxDjbrQtzKmZ8taZOV4VtVOXF_VGHx5izLTDogZ6De4/s1600/descarga+%252829%2529.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="194" data-original-width="259" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgt9hXURTDTT3rDIxZd4GB43h4Z35GhcVXGtq8w2vv4HTRdeDYkY_A0em73bPItEmtWIvs8eMkaWYRvDh5SEAt_4A1uBFn8Bs8STBxDjbrQtzKmZ8taZOV4VtVOXF_VGHx5izLTDogZ6De4/s1600/descarga+%252829%2529.jpg" /></a></div>
<br />
Los dos films están construidos en base a su actor principal, pero a diferencia de sus trabajos anteriores están propuestas le permiten (a este actor de extensa y reconocida trayectoria)<i><b> sortear sus</b></i> <b><i>propias convenciones, para experimentar una paleta diferente de emociones, sutilezas y afecciones.</i></b><br />
La pregunta que supongo se habrán hecho tanto Santi Amodeo como María Ripoll es qué podía ofrecer (más allá de la calidad como intérprete) <b>la humanidad</b> de Oscar Martinez, es decir: el volumen de su espesura en la pantalla, la corporalidad de su voz, y la presencia de su mirada.<br />
<br />
Antes habría que decir, que Oscar Martinez es un actor de carácter, alguien que con su sola aparición interviene con<b> intensidad y firmeza </b>en el soporte estético que sea, hay una cuestión muy física en su performance actoral, que no implica grandes desplazamientos ni pirotecnia quinética, tiene una manera de <b>ex-ponerse en bloque</b> que define un contexto de relación con los elementos y sus partenaires, una forma de recortar íntegramente su figura en relación al fondo destacando por contraste la materialidad de su arte.<br />
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En sus últimas y más promocionadas actuaciones, tanto en <b>"El ciudadano ilustre"</b>, como en <b>"Relatos salvajes"</b> hay una línea actoral que recorre sus intervenciones, un lugar de enunciación donde abunda la ironía, la doble lectura, la autoparodia.<br />
El cuerpo, su manera de pararse tiene<b> la seguridad del oficio </b>y la suspicacia del que se compromete, pero siempre respetando<b> la saludable distancia</b> entre el intérprete y el personaje.<br />
Oscar Martinez a diferencia de otros actores<b> nunca se comió su propio cuento</b>, está atento a esa delicada, y por momentos invisible línea entre la necesidad de expresión y la pose, el gesto auténtico en su artificio y la forma que solo se alimenta de los estereotipos culturales, entre el ser y no ser hamletiano esta su gesto estético, porque en ese espacio entre una cosa y la otra, define y crea su lugar, para afirmar a la actuación<b> primero como un oficio y después como un arte</b>, en esa doble condición se apoya el actor para tener siempre los pies en la tierra.<br />
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En "Yo, mi mujer, y mi mujer muerta", y en "Vivir dos veces" Oscar Martinez despliega una manera diferente de exponerse, esto hace a la dimensión y la riqueza de estás películas honestas en sus intenciones y conscientes de sus limitaciones formales.<br />
En eso reside<b> la inteligencia autoral</b> de estos dos directores, no hay grandilocuencia ni ruido por fuera de lo que se cuenta, porque lo que importa, es qué es lo que se propone y comparte desde sus ambiciones estéticas como humanas.<br />
En la primera película el personaje en cuestión es <b>un arquitecto</b>, las primeras imágenes son de un funeral, el de su mujer, su hija comparte la pena, llueve, y el personaje mismo se encarga de señalar el cliché de la situación cuando observa que para completar la tristeza de la pérdida: llueve.<br />
Este gesto señala <b>el artificio del film, pero también su verdad,</b> porque la película se construye en función de varios lugares comunes.<br />
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El primero de ellos, es que el personaje sea un arquitecto en esta elección reside un imaginario, que la película confirma: <b>vida ordenada, pre-visible que pierde su norte con la muerte de su mujer</b>, porque ella se encargaba de la estrategia cotidiana para sostener la casa y para hacer de su vida un lugar más fácil y menos caótico, esto queda ejemplificado cuando le pregunta a su hija, si puede venir a ayudar con las tareas cotidianas, en ese pedido patético esta claramente evidenciado la dimensión de su pérdida.<br />
El segundo lugar común <b><i>es que la mujer haya tenido otra vida</i></b>, que él personaje del arquitecto nunca sospechó siquiera, como en<b> "Los puentes de Madison"</b>, la gran película de <b>Clint Easwood,</b> todo se desencadenó con una muerte poniendo sobre el tapete, que lo que se creía con respecto a una vida, sea la madre típica de Los puentes de Madison o la mujer del arquitecto era una gran mascarada que ocultaba<b> lo más intimo, preciado y secreto </b>que nadie había alcanzado a ver porque ni siquiera era posible en la imaginación.<br />
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"Vivir dos veces" es una comedia más descarnada menos desopilante <b>pero que contiene más humor</b> <b>negro </b>que el film de Santi Amodeo, quizás con justicia se pueda afirmar que es un film más sólido por la interrelación con los otros personajes, que no están función de Oscar Martinez como sucede en "Yo, mi mujer y mi mujer muerta", donde a pesar de poblarse con excelente actores secundarios, todo está supeditado al personaje principal, probablemente porque "Vivir dos veces" <b>sea más el retrato de</b> <b>una familia</b> disfuncional lidiando con situación excepcional, el mal de Alzheimer que aqueja al matemático interpretado por Oscar Martinez.<br />
Que sea un matemático este personaje, le da una pátina más trágica como irónica al personaje, que se resiste a lo largo que dura el relato en ser vencido por la enfermedad que lo va tomando cada vez más, hasta volverlo irreconocible para sí mismo, sus familiares, y nosotros los espectadores que asistimos azorados a esta intimida atroz.<br />
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Los dos films son comedias que se aventuran a lo dramático, encuentran en ese tono la medida justa para contrastar los costos a lo que se ve sometido el personaje principal.<br />
En "Yo, mi mujer y mi mujer muerta", cuando la historia se traslada a España comienza lo más interesante del relato porque el arquitecto sale de la comodidad de su cotidiano para encontrarse con ese otro mundo en el cual su mujer hallaba su ser más verdadero.<br />
En esa charla que tiene con ese terapeuta que conoció a su mujer comienza el descalabro del personaje principal, ahí esa furiosa serenidad (por querer comprender todo sin involucrarse) comienza a verse desbordada.<br />
En este terreno es donde mejor se expone la fragilidad de un hombre con una profesión respetable que garantiza una jubilación próxima y asegurada, que no sabe cómo reaccionar ni de qué manera ponerse cuando se entera de esa parte de la vida de su mujer que no conocía y que ni siquiera intuyo en esos años de matrimonio con una hija de por medio.<br />
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Oscar Martinez <b>comienza a cambiar el registro de actuación</b>, su gestualidad antes muy férrea, irónica y algo resentida, se libera, para dar lugar al desborde, no es casual que inmediatamente después de esto haya derrapado con drogas y alcohol, pero en este caso este exceso funciona, como el límite que no volverá a pasar, un pequeño permiso que uno intuye nunca se lo permitió en su vida, aún muerta su mujer seguía operando con esta posibilidad, este regalo del cielo, de percibir algo más, de entender que el mundo era más ancho y ajeno de lo que este arquitecto, ordenado, lineal, y rutinario había creído.<br />
A partir de este punto de quiebre, el actor ofrece una zona de su ser que<b> juega con el ridículo</b>, su andar comienza a ser más liviano, se fuga literalmente sobre todo de sí mismo, para tener ese último encuentro que confirmara que nunca conoció a su mujer como ella hubiera querido ser conocida, y lo que es aún más problemática para su sensibilidad, que en el fondo no sabe quién es ni qué es lo que puede más allá de su estructura personal, el relato claro está es la prueba fehaciente de que hay un otro en él que nunca experimentó y que la historia se lo ofrece.<br />
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El tipo de performance que ofrece Oscar Martinez con su actuación en "Vivir dos veces", plantea otro tipo de problemática a su técnica y sensibilidad, <b>cómo mostrar el proceso de degradación</b> que produce en el cuerpo y en la subjetividad el mal de alzheimer, pero esta labor actoral nunca está por encima del contexto que la historia en su práctica plantea, hay un cuidado desde la dirección en que el personaje principal no se robe la película con su decadencia, los personajes que lo secundan en lugar de funcionar como contraste, <b>acompañan y enriquecen</b> la paleta de detalles que el actor irá desarrollando para encontrarse finalmente con el mal en su plenitud.<br />
<br />
"Vivir dos veces" es una historia de amor, una doble historia de amor, porque primero claro está como lo muestra el film en su comienzo ese amor perdido de adolescencia, que el matemático una vez enterado de lo que padece quiere volver a encontrarla antes de perderla en su ya declinante memoria.<br />
La segunda historia es el amor familiar, la de su hija que trata de sortear cómo puede esta situación con un marido que la engaña y que en la economía del relato funciona, como ese relato aleccionador, buena onda, e insoportablemente ridículo, ya que el personaje del marido es un coaching, que todo el tiempo busca aquietar las aguas desde una conciencia new age, en este personaje está cifrado <i><b>todo lo</b></i> <b><i>que el film de María Ripoll no es</i></b>, por eso es perfectamente consecuente que el personaje se haya quedado fuera, no tenía la espalda necesaria para soportar lo que se venía, como si lo hicieron su ex.-mujer y su hija.<br />
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En <b>Mafalda Carbonell</b> la actriz que interpreta a la nieta, esta toda la verdad que el personaje de Oscar Martinez raspa desde su actuación, en esta relación esta el nudo, la estrategia para que el relato no decaiga en las zonas sensibleras y moralizantes con la que el film se podía haber tentado.<br />
La joven actriz desde <b>su naturalidad y frescura descontractura</b> todas las rigideces del matemático y su familia, es la que pone el punto sobre las íes y es también la que se rié de la situación desde un sarcasmo que posee <b>toda la potencia de la inocencia</b> que no entiende cómo el mundo puede seguir funcionando así, con tantos desperfectos, males-entendidos, traiciones, engaños y autoengaños.<br />
Gracias a Mafalda Carbonell, el trabajo de Oscar Martinez es de una exquisitez nunca vista, en ella reside el punto de equilibro, de mesura incluso, en esta interrelación entre los actores, esta todo lo jugoso del film.<br />
Como antes lo había señalado, Vivir dos veces, es más un retrato familiar, una mirada piadosa pero lúcida sobre la dis-funcionalidad de una familia qué tiene que resolver con premura, en qué lugar se planta para recibir lo peor.<br />
En esta elección reside toda<b> la voluntad femenina del film</b>, porque las únicas que lo acompañan al matemático hacia el naufragio de su memoria son su nieta y su hija, lo que el film parece decirnos, sin subrayados es que en las mujeres, <b>en su fortaleza y vulnerabilidad</b> se encuentra el empuje necesario del mundo para seguir adelante, aún a pesar del futuro.<br />
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El trabajo de Oscar Martinez es de una sencillez y una complejidad inigualable, en su registro actoral esta toda su ética de trabajo: <b><i>"hacer, pero no hacer de más"</i></b>, en su encarnación, en su corporalidad, y en su presencia se siente no solo a un actor de otra época, sino también la figura del varón, esa figura que en otro tiempo definía un lugar de seguridad como de poder, una idea de hombre (hoy) en franca pero ruidosa retirada.<br />
Creo que por eso los directores lo eligieron por encima de otros actores, porque saben e intuyen que este actor en toda su competencia como los personajes del film busca permanentemente la fuga de su propia convención, la huida de las zonas de confort para encontrar tanto la libertad como la verdad de un gesto que imprima en la realidad, la intensidad de una vida.<br />
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1-Tanto Santi Amodeo como María Ripoll tuvieron películas anteriores de éxito, acá se puede ver su filmografía y una pequeña reseña biográfica <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Santi_Amodeo">https://es.wikipedia.org/wiki/Santi_Amodeo</a><br />
<a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Mar%C3%ADa_Ripoll">https://es.wikipedia.org/wiki/Mar%C3%ADa_Ripoll</a><br />
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Trailer de "Yo, mi mujer y mi mujer muerta" <a href="https://www.youtube.com/watch?v=x3k7XCGn5fE">https://www.youtube.com/watch?v=x3k7XCGn5f</a><br />
Trailer de "Vivir dos veces" <a href="https://www.youtube.com/watch?v=ss-A1PFLTKI">https://www.youtube.com/watch?v=ss-A1PFLTKI</a><br />
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<br />Luis Ortelladohttp://www.blogger.com/profile/14876361558949662947noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2494870625295851170.post-65463872845563960772020-03-08T09:36:00.001-07:002020-03-08T15:58:22.751-07:00La obscena potencia de la materia (algunas reflexiones en torno a La Mano y el Martillo, de Mauro Koliva)<br />
<div class="MsoNormal">
<b><i>"El tema: la suerte de las imágenes en un mundo colonizado</i></b><br />
<b><i> por las imágenes (...) "Ya no hay imágenes" dijo, "Hay cosas</i></b><br />
<b><i> para ver, pero como no hay nadie que las mire, nunca llegan</i></b><br />
<b><i> convertirse en imágenes".</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
<b><i> Alan Pauls</i></b><br />
<b><i> El misionero</i></b><br />
<b><i> Texto a propósito de</i></b><br />
<b><i> la obra Werner Herzog</i></b><br />
<b><i> </i></b></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
La última aventura del artista plástico <b>Mauro Koliva (1), </b>profundiza aún más la problemática en la cual ya venía interviniendo de manera consecuente, problemática cara a esta época; donde todo esta <b>estrictamente visibilizado y debidamente domesticado</b> para su mejor estandarización.<br />
El trabajo de Mauro Koliva a dado rienda suelta a un costado de su obra, que siempre estuvo como latencia, <b>como posibilidad e incluso como tentación</b>. Esta zona en que se ha demorado con su característica obsesión, entra de lleno en el mundo de <b>los comics, la historieta</b>, o como se ha dado a llamar a este tipo de apuesta cuando el material largamente excede su formato: <b><i>novela gráfica.</i></b><br />
<b><i>La Mano y el Martillo (2)</i></b> -tal es el título elegido- es<b> un relato que encuentra su forma a través del</b> <b>montaje</b> y la concatenación de imágenes que van estructurando por efecto, una narración hipnótica que encuentra su debida lógica de enunciación en su mismo <b>artificio perceptivo.</b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPfNUmncZno3k30a98dD60ixPj3MMunkvWYxbaIbKsv-8STdHQPflmJNeBgJxWg1GbhCRYfl8m0DPNEFQJW78xpHAUdv0TsfhY7iK1dmSUi7hFYluYJonb6PqgU10nunN94En5e811AD0z/s1600/img_01.png" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="320" data-original-width="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPfNUmncZno3k30a98dD60ixPj3MMunkvWYxbaIbKsv-8STdHQPflmJNeBgJxWg1GbhCRYfl8m0DPNEFQJW78xpHAUdv0TsfhY7iK1dmSUi7hFYluYJonb6PqgU10nunN94En5e811AD0z/s1600/img_01.png" /></a></div>
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La Mano y el Martillo es una obra que discute desde su hacer, <b>la distancia existente</b> entre el código de representación y la imagen, entre la representación y el fenómeno visual, <b><i>entre la obscenidad de</i></b> <b><i>la imagen y la pornografía de la materia.</i></b><br />
Si hay una intención que ha recorrido la estética de Mauro Koliva desde sus primeras muestras hasta hoy, es<b> la férrea voluntad de totalidad </b>que la limpidez de su trazo busca condensar, desde una técnica impecable en común-unión con una mirada crítica sobre los modos, las formas en que <b>una imagen lucha desde su misma conformación para no transformarse en un simple código de lectura.</b><br />
<br />
La historieta como se sabe es un relato donde <b>conviven la imagen y el texto</b>, es un género popular que se ha ido sofisticando creando nuevos patrones de lectura, a través de su contaminación con el cine, y el cine a su vez a buceado con herramientas provenientes de la historieta para desarrollar cuestiones temáticas caras a la conformación de un relato.<br />
La historieta y el cine, son vecinos no tan distantes por eso es recurrente, <b>el préstamo y el saqueo mutuo para enriquecer sus canteras creativas</b>.<br />
En la argentina la historieta encontró su momento de gloria con la cristalización a una escala industrial de la desaparecida <b>Editorial Columba</b> y sus cuantiosas revistas de acción, drama y aventuras (Dartagnan, Nippur, Fantasía, Intervalo) y la revista<b> Fierro</b><b> </b>que fue una verdadera revolución gráfica en los 80; desde su incorrección política, a sus innovaciones formales y sus contenidos netamente subversivos.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijJXuQ87K4FEsmhGVEAAW1zJHQLaCn9CS0kLsr4ZKsprdGKIMhbpi3aS3sHlM_bEoyg1zKdr04-Hh2vtF-siwKXSL5APjhauz3gz4w8oIVkRe-hF6idc7_-2J-RPOZtGl9IHdjJOSxTar2/s1600/IMG_20200307_210903.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1600" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijJXuQ87K4FEsmhGVEAAW1zJHQLaCn9CS0kLsr4ZKsprdGKIMhbpi3aS3sHlM_bEoyg1zKdr04-Hh2vtF-siwKXSL5APjhauz3gz4w8oIVkRe-hF6idc7_-2J-RPOZtGl9IHdjJOSxTar2/s320/IMG_20200307_210903.jpg" width="320" /></a></div>
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El cine, y la literatura han sido para Mauro Koliva, parte de sus pre-ocupaciones estéticas sin nunca perder de vista, claro está, su pulsión creativa como su elemento más singular y orgánico: <b><i>el dibujo en su especificidad y llaneza.</i></b><br />
Pero el comic <b>nunca fue una fuente de preocupación para sus inquietudes artísticas</b>, que siempre lindaron hacia la construcción de un relato visual, pero esto siempre era <b>en función de los restos semánticos que la imagen en su contemplación dejaba tras de sí.</b><br />
Entonces este entrecruzamiento entre el cine y la novela gráfica que propone al artista en su recorrido visual, no deja de ser <b><i>un gesto político</i></b> porque en su enunciación discute las propias posibilidades que ofrece una imagen, el estatuto cultural que hace que una obra como tal sea una obra de arte y lo que es aún más problemático, <b>hasta que punto el espectador de este siglo ve la imagen en toda su entereza</b> <b>o el código que esa imagen en su confección, posiblemente representé para los saberes culturales.</b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_NLeocjsSTmxr_N-iZN8lP_RYtMDZ6glvUq82BPxpE3ZopFNy5jiX5nquG5mTc_-CwW7H68fM0u1UvaxjLGhEnKawDUiptezdL3OVIfXGooCrfEFh9fDEvA6M9UFb7Il9rGt4A4PpB-do/s1600/IMG_20200307_210849.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1600" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_NLeocjsSTmxr_N-iZN8lP_RYtMDZ6glvUq82BPxpE3ZopFNy5jiX5nquG5mTc_-CwW7H68fM0u1UvaxjLGhEnKawDUiptezdL3OVIfXGooCrfEFh9fDEvA6M9UFb7Il9rGt4A4PpB-do/s320/IMG_20200307_210849.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
Mauro Koliva es un artista plático de <b>una fisicalidad exasperante,</b> toda su propuesta estética reclama en el mismo instante de su contemplación un espacio dentro del espectador para poder vivir, pero sobre todo, para poder crecer en el arco de la imaginación, en ese fuera de campo que cada mirada en su competencia cultural y sensible le puede ofrecer a una obra que <b>vibra con toda la potencia de la vida, en su más informe, deforme y con-forme, vitalidad.</b><br />
Es fácil para un espectador de este tiempo catalogar la obra de este artísta dentro del espectro de lo freak, pero lo que no es nada fácil es animarse a entrar, a cruzar el umbral que el artista en su desmesura propone como desafío, como goce, el placer que detenta su virtuosismo para encantar con la repulsión, y <b>los restos, los jirones de un mundo que se ha hecho carne inevitablemente.</b><br />
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<b><br /></b>
La narración de La Mano y el Martillo <b>prescinde del texto</b>, se apoya en el fluir de las imágenes, en un solo plano continuo, con momentos de quiebre, de paréntesis, de coagulación en el relato. La propuesta del artista <b>a nivel conceptual es barroca</b>. Dos grandes relatos corren paralelos hasta entrechocarse para así generar un nuevo curso en el acontecimiento de los hechos, que a su vez está atravesada por micro-momentos, pequeñas viñetas que se detienen en sus singularidades, funcionando en la economía de la narración como <b>agujeros negros</b> por donde las situaciones se desacomodan en un nuevo contexto de cosas.<br />
En la historia propuesta por Mauro Koliva <b><i>no hay relación causa/efecto</i></b>, no hay lógica que explique ni contenga el desborde de su imaginación, el logos no tiene asidero frente a fenómenos estéticos que exceden las categorías de lo bello y lo feo, lo deforme y lo que se va conformando en la medida que las páginas avanzan.<br />
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<br />
Es claro que el artificio narrativo de La Mano y el Martillo dialoga con el cine de <b>David Lynch</b>, por la elusiva manera en que el misterio se resiste a la comprensión más banal, que no sea el disfrute, la plenitud de la imagen en todas sus facultades.<br />
Lynch aparece en esos pasillos sin fin de superficies damadas, pero también la visión opresiva y materialista del cine de <b>Gaspár Noe</b>, la carnosidad de su imaginario contamina, dialoga y compenetra, con el estado de la imaginación del artista, que todo el tiempo va enhebrando circuitos, encuentros y posibilidades, en estos imaginarios de los márgenes, de la glosa de la razón del mundo.<br />
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Con justicia se puede afirmar que toda La Mano y el Martillo <b><i>es una suma poética</i></b>, un recuento de intensidades que atraviesa el cuerpo conceptual y límpido de su trazo, de su nombre propio, <b>el apellido Koliva tiene algo de inaprensible</b>, de bloque, de muro imposible de demoler, muro que hay que decir, creció de manera exponencial a lo largo de su obra como un espacio de contención para sus curiosos objetos de <b>una irradiación industrial, atávica, totémica.</b><br />
Es claro que esta novela gráfica es <b><i>un punto de inflexión </i></b>en el sendero del artista, todo lo hecho hasta este momento a sedimentando de manera natural en la potencia visual de esta experiencia, de este artificio perceptivo, el tiempo en que <b>nos demoremos en sus páginas, es el tiempo que debemos</b> <b>sacrificar</b> para acceder a este mundo que se nos ofrece como la mirilla de una puerta.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzHCbLpb2El7n_Aq5srqndXShGsvQ-synfZ2_Glojb7-YKPuqH3aRvl7PQh1SC5XSqjVHdbQMZqCbka8GTss3fTtsljucHMiQLbtax8YFNvdHvOGGUfH2hli3I3_GaxuYO7VtEFt2TJlOb/s1600/IMG_20200307_210948.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1600" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzHCbLpb2El7n_Aq5srqndXShGsvQ-synfZ2_Glojb7-YKPuqH3aRvl7PQh1SC5XSqjVHdbQMZqCbka8GTss3fTtsljucHMiQLbtax8YFNvdHvOGGUfH2hli3I3_GaxuYO7VtEFt2TJlOb/s320/IMG_20200307_210948.jpg" width="320" /></a></div>
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Hay algo del<b> placer voyeuristico, </b>en la complicidad que establece el imaginario de sus dibujos con la mirada del espectador, en la manera en que va conduciendo la característica ansiedad porque querer ver y saberlo todo, que de alguna manera se calma cuando aparecen retratados como personajes (¿se puede hablar de personajes?) a <b><i>Oscar Bony, Nietzche, Gaspar Noe, Lovecraft, Carlitos Tevez</i></b>, <b><i>Kurt Cobain </i></b>entre otros, que pueblan esa muestra de arte que aparece en la novela gráfica, que se ve asediada por esas extrañas y carnosas presencias que van pariendo nuevas maneras de la coagulación de la <b style="font-style: italic;">materia.</b><br />
Toda La Mano y el Martillo está precedida por cierta aura ritual, por cierta comunicación con lo intrasmisible del lenguaje, los dibujos de Mauro Koliva exorcizan a la realidad.<b> para exprimir esa</b> <b>mácula de verdad</b> que todo el tiempo estamos buscando, <b><i>para confirmar nuestra identidad </i></b>como seres culturales arrojados al mundo.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxBWSGs40wNzDxVZYN8Eo51IxhIX9pimfIy5_0XqNOlni3Bk-rVNPS4_ZkGMYyRDqDIIgQBc808AcQqXMQbFU_TddqybqKWH1aKHtMD-TR9sf3jP_F6klPbHfINglHb9nBLKQkdHjKwAQ8/s1600/IMG_20200307_211204.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1600" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxBWSGs40wNzDxVZYN8Eo51IxhIX9pimfIy5_0XqNOlni3Bk-rVNPS4_ZkGMYyRDqDIIgQBc808AcQqXMQbFU_TddqybqKWH1aKHtMD-TR9sf3jP_F6klPbHfINglHb9nBLKQkdHjKwAQ8/s320/IMG_20200307_211204.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
En esa muestra de arte que la novela cuenta, en ese relato donde por primera vez parece que hay una correspondencia entre el sentido de las imágenes y lo que enuncian, se comparte un libro que pervierte aún más la comprensión de la historia, en este libro <b>está condensado todos los saberes que</b> <b>operan con su lógica destructiva en el recorte de lo real</b>. En ese libro está el influjo de Lovecraft pero no como una muestra de esoterismo temerario, sino como una referencia del <b><i>código dentro del código.</i></b><br />
El artista juega con el código que hace a la estética realista, para camuflar las verdaderas intenciones de subversión, para hacer de la puesta, un escenario donde<b> la carne sufre la afección de la penetración,</b> donde los vasos comunicantes de los mundos, es la exuberante carnosidad de ese falo, ese tótem que horada al sentido común, a la lógica de las causas y los efectos, para demorarse tan solo en los efectos de <b>la maleabilidad de la materia, en su narración escandalosamente porno</b>. <b><i>Cronemberg </i></b>se da cita como subtexto de esta conspiración sobre <br />
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el sentido y la semántica de lo real.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLRUbKDQrQOxGrVl__PSnuqfVAzyWtcYpC14oPnU9JaI9j-rkcaUNZK9VKa3KR97D1AE87IdY7by_qY19HRrpfjADaGYJ9KxO3K4tQN9VDlu8DRnpsXXJmft7XH2pnpIggpODjwAcyBX8r/s1600/IMG_20200307_211102.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1600" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLRUbKDQrQOxGrVl__PSnuqfVAzyWtcYpC14oPnU9JaI9j-rkcaUNZK9VKa3KR97D1AE87IdY7by_qY19HRrpfjADaGYJ9KxO3K4tQN9VDlu8DRnpsXXJmft7XH2pnpIggpODjwAcyBX8r/s320/IMG_20200307_211102.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
La Mano y el Martillo<b> es una operación en contra de los códigos de lectura</b>, en contra de esa mecánica que todo el tiempo está queriendo fagocitar nuestra experiencia como espectadores, en contra de los lugares comunes que buscan controlar los efectos de la experiencia con su correspondiente etiqueta de gustos y caprichos.<br />
La Mano y el Martillo es un fenómeno estético que tiene la secreta esperanza de que<b><i> una imagen sea tan solo una imagen</i></b>, libre y pura en su potencia semántica, e inaprensible para los estrechos códigos de lectura, pero certera y precisa en la velocidad de su montaje, en sus oblicuas intenciones para recorrer <b><i>otras maneras de mirar, de percibir, de sentir,</i></b> en este gran supermercado de mercancía visuales en la que se ha convertido nuestro mundo cada vez más ciego de su propia constitución fenoménica y vital.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxmsBol2BG9Dpme3dVxr9UNGGUudKnBkLsq287wWXE5RdSHIq8r493UOo3vlPDikC__cAo6uPjQa8Z-curLKwNwQ0fBoRcfpp4ti7YlLOwm6s9iABamxpHWyozyHK5kN5fk1FD827Bpsa2/s1600/IMG_20200307_211126.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1600" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxmsBol2BG9Dpme3dVxr9UNGGUudKnBkLsq287wWXE5RdSHIq8r493UOo3vlPDikC__cAo6uPjQa8Z-curLKwNwQ0fBoRcfpp4ti7YlLOwm6s9iABamxpHWyozyHK5kN5fk1FD827Bpsa2/s320/IMG_20200307_211126.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
Mauro Koliva lo ha hecho de nuevo, Mauro Koliva le devuelve un poco más de carne al mundo, le presta <b>esa sorda consistencia que la estética realista consume en función del sentido</b>, porque este artista en la singularidad de su propuesta, entiende que si apostamos a mostrar <b>"todo"</b> desde las capacidades estéticas, tenemos que tener la fortaleza<b><i> como espectadores, para sostener la mirada hacia ese primerísimo primer plano de la materia, en su plena transformación, descomposición y entropía.</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
<b><i>1- Sobre Mauro Koliva ya había escrito con anterioridad en este espacio </i></b><a href="http://lortellado.blogspot.com/2015/04/la-belleza-es-una-cosa-inutil.html">http://lortellado.blogspot.com/2015/04/la-belleza-es-una-cosa-inutil.html</a><br />
<br />
<b><i>2- Para más detalles sobre el libro ver en el blog del artista </i></b><a href="http://seis-contra-uno.blogspot.com/">http://seis-contra-uno.blogspot.com/</a><br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />Luis Ortelladohttp://www.blogger.com/profile/14876361558949662947noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2494870625295851170.post-27031406024319277042020-02-24T12:37:00.001-08:002020-02-24T12:37:29.105-08:00La mirada y sus silencios (una lectura sobre El nervio óptico de María Gainza)<br />
<b><i>"Esto es lo que me interesa de una vida, sus vacíos, sus lagunas,</i></b><br />
<b><i> a veces dramáticas y a veces no. Casi todas las vidas atraviesan</i></b><br />
<b><i> una catalepsia o una especie de sonambulismo que dura varios</i></b><br />
<b><i> años. </i></b><br />
<b><i> Quizás es en estos vacíos en donde tiene lugar el movimiento."</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
<b><i> Gilles Deleuze</i></b><br />
<b><i> Conversaciones</i></b><br />
<br />
El devenir de toda lectura, es <b>el devenir de la propia subjetividad</b> frente a los vaivenes de los gustos, caprichos, azares, y la propia vida, en ese cambalache; entre la elección, la necesidad y la experiencia.<b> Toda circunstancia de lectura esta mediada por el contexto que la posibilita,</b> y por el trabajo del tiempo que en su marcha hace que no exista dos interpretaciones iguales sobre un mismo fenómeno, como tampoco es posible que la subjetividad que haya apreciado un fenómeno estético por primera vez, sea la misma cuando se enfrente al fenómeno en una segunda vista.<br />
Pero el efecto más curioso, que puede provocar el fenómeno de lectura es cuando uno comienza a enlazar lo que recibe con su propia biografía, en algunos casos puede aparecer una identificación plena, como consecuencia, en otros como el que me ocupa, <b>puntos de fuga</b> que todo el tiempo, encuentran ecos en la vida propia.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlt6TPHn8bs1KJ2AwS6BU9L1Sz81j7mYl_RebEHKZ2j1cZIUmS6QwZDk9yx09MA6Ttg9-natfJVg_jJzy9TjO6O25XeAigcfDZ_XfYvKQWKnuL4jiQHOGg6ILkVmGuuwt2_NO5qD9IdCZ7/s1600/descarga+%25285%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="224" data-original-width="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlt6TPHn8bs1KJ2AwS6BU9L1Sz81j7mYl_RebEHKZ2j1cZIUmS6QwZDk9yx09MA6Ttg9-natfJVg_jJzy9TjO6O25XeAigcfDZ_XfYvKQWKnuL4jiQHOGg6ILkVmGuuwt2_NO5qD9IdCZ7/s1600/descarga+%25285%2529.jpg" /></a></div>
<br />
Escribir desde el nombre propio, <b>es hacer participar a la propia contingencia frente a lo narrado</b>, es descubrir la resonancia de lo vivido frente a la propia materia estética, pero no es un encuentro lineal, sino que atraviesa diversas capas, es un movimiento desestabilizador, una conmoción en el propio corazón del ser, que descubre<b> lo que la obra le dice y comunica de sí mismo</b>.<br />
Por supuesto que esto que enuncio no sucede de manera premeditada, <b>es lo imprevisible</b>, lo no controlable, lo que no estaba previsto, de alguna manera las obras más interesantes funcionan como <b>una caja negra</b> donde el espectador deposita lo que no sabe, lo ignorado, como también y esto es lo más inquietante, <b>lo que se niega</b> (a sí mismo) con violencia, con fuerza, con temor.<br />
<br />
<b>El nervio óptico (2014)</b> de <b>María Gainza</b>, es un libro que problematiza esta cuestión, en su propia hechura, no es un libro teórico sobre arte, ni tampoco uno estrictamente biográfico, es la suma y la diferencia de las partes.<br />
Todo el libro es un efecto de lectura, no solo de las obras que aparecen en su trayecto, sino también los efectos de lo real en el imaginario de la autora.<br />
María Gainza habla de diferentes artistas plásticos, compone en su escritura <b>retratos sensibles</b>, íntimos, como si fueran amigos suyos que nos va presentando en su recorrido inesperado, hablando sobre los bordes, lo ignorado y <b>los puntos ciegos de estos artistas.</b> Que aparecen en toda su fugaz carnadura.<br />
Pero <b>el montaje más notable es cuando los datos de su vida se filtran</b>, de hecho comienza por ahí, y no es un gesto narcisista, sino el lugar necesario para que el relato se friccione con la verdad de la experiencia, porque lo que María Gainza nos va a compartir es <b>un relato sobre el arte imbricado con</b> <b>la</b> <b>historia de sus amistades y familia.</b><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyiACWfjbRGyPxIEFpttQ97Awp7DpmxjNAjuY5cq2e1cTkL0kxUlILIUnmU-vAX9GaDzkmxeiHiCrCJpGFfqjsRHZcPcmU5WBnoPiui3vmquYqfSWi4pXwWZDL9gfTBf6XpVmchDbs6IrW/s1600/descarga+%25286%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="201" data-original-width="251" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyiACWfjbRGyPxIEFpttQ97Awp7DpmxjNAjuY5cq2e1cTkL0kxUlILIUnmU-vAX9GaDzkmxeiHiCrCJpGFfqjsRHZcPcmU5WBnoPiui3vmquYqfSWi4pXwWZDL9gfTBf6XpVmchDbs6IrW/s1600/descarga+%25286%2529.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Agregar leyenda
</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<b>"A Dreux lo conocí un mediodía de otoño; al ciervo, exactamente cinco años después. Ese primer mediodía había salido con un sol brillante y de pronto, sin aviso, se largó a llover. Llovía como en la Biblia y en unos minutos las calles angostas del barrio Belgrano se convirtieron en ríos taimados (...) Yo tenía que pasear a un grupo de extranjeros por una colección privada. A eso me dedicaba y no era un mal trabajo, pero mientras llegaban mis clientes guarecida bajo el techo de un bar, un taxi pasó demasiado cerca del cordón y bañó mi vestidito amarillo. Tres autos más tarde amainó, tan de golpe como había empezado, y a través de las últimas gotas de lluvia que caían suspendidas como una cortina de cuentas de cristal, llego el remise de los norteaméricanos. Mis clientes, una pareja de mediana edad, ella de blanco y él de negro, impecables y secos como si el chófer acabara de retirarlos de la tintorería."</b><br />
<b><br /></b>
En esta primera página está condensado todo lo que la autora compartirá con el lector: <b>el tono, la intención, el sentido del humor, y la impre-visibilidad de las relaciones, los enlaces y los paralelismos</b>, en el fluir de las cosas que propone su relato que no peca de.solemne y encorsetado.<br />
La relación que María Gainza con el material narrativo, es cercana e íntima, <b>como si no existiera</b> <b>distancia entre su propia voz y la del espacio de enunciación</b> que genera para que la escritura aparezca y <b>entrevere lo real del artificio.</b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDZjcTJ0kMjXJmDD1bLvIqnvTDx5dqSmb26b-i16ji2-W9tJ3syrsjt4tUp5mt-5L8yZdQEXjAoxuqsIvjuTB9Uzciek_qv7HNJIeloFVMJQHntTDl3H8JSRnyYTgdNgEK3GN79Qm_AVN4/s1600/descarga+%25283%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="163" data-original-width="310" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDZjcTJ0kMjXJmDD1bLvIqnvTDx5dqSmb26b-i16ji2-W9tJ3syrsjt4tUp5mt-5L8yZdQEXjAoxuqsIvjuTB9Uzciek_qv7HNJIeloFVMJQHntTDl3H8JSRnyYTgdNgEK3GN79Qm_AVN4/s1600/descarga+%25283%2529.jpg" /></a></div>
<br />
<b><i>"¿Qué pensarían de estos cuadros las visitas a lo de Errázuris? ¿Se detendría alguien, alguna vez, a mirar los Dreux? ¿O les serían tan invisibles como un empapelado beige? Me los imagino sentados a la mesa (...) Alguien comenta en las negociaciones con Chile: no habrá guerra.</i></b><br />
<b><i>El señor Errázuriz tiene detalles; después de todo, es el embajador de su país. Su esposa, la señora de Álzaga que, como es nueva, aún cree que hay que interesarse en la conversación de los hombres, sonríe pero por el rabillo del ojo observa el rostro ajado de la mujer mayor que tiene a su derecha y piensa, con alarma, que en poco tiempo se parecerá a ella. Como queriendo revertir el tiempo, cada tanto alza las manos, y las agita ligeramente para bajar la sangre y acentuar la blancura de su piel (...) La única que mira el cuadro es la mujer mayor, la señora de Alvear (...) sus ojos evitan la cabeza de su concuñado Errázuriz y se dirigen del ciervo todavía vivo en la pintura al otro, muerto y servido en finos cortes sobre el plato. En la sala renacentista contigua al comedor, entre el follaje de madera, un reloj da la hora. La señora de Alvear siente un escalofrío pero se lo adjudica a una corriente de aire. últimamente no identifica bien lo que siente."</i></b><br />
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<b><i><br /></i></b>
Esta claro que acá no se discute el peso de la verdad, ni la veridicción de lo posible, el terreno que propone María Gainza con su libro compete al espacio de <b>una voz que discute con sus limitaciones</b> <b>culturales, afectivas e incluso neuróticas</b> (en el sentido de los personajes femeninos de Woody Allen) su condición de vulnerabilidad frente al fenómeno estético.<br />
<br />
<b><i>"Me recordó que en la distancia que va de algo que te parece lindo a algo que te cautiva se juega todo en el arte y que las variables que modifican esa percepción pueden y suelen ser las más nimias. Apenas verlo, empecé a sentir esa agitación que algunos describen como un aleteo de mariposas pero que a mí se me presenta de forma bastante menos poética. Cada Vez que me atrae seriamente una pintura, el mismo papelón. Me han dicho que es la dopamina que libera mi cerebro y aumenta la presión arterial. Sthendal lo describió así: "Saliendo de Santa Croce, me latía con fuerza el corazón; sentía que la vida se había agotado en mí, andaba con miedo a caerme". Dos siglos después, una enfermera del servicio de urgencias de Samta María Nuova, alarmada por el número de turistas que caían en una suerte de coma voluptuoso frente a las esculturas de Miguel Ángel lo bautizó "el sindrome de Sthendal."</i></b><br />
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<br />
El lector frente al derrotero de este libro se ira transformando en una suerte de confidente, alguien que en la escena de lectura percibe con claridad los conflictos de esta voz, frente a la experiencia que la autora tratara de narrar palabra por palabra, siempre al borde de que el silencio la ahogue, la fagocite.<br />
Hay momentos realmente críticos donde <b>la escritura de María Gainza se pone en franco peligro,</b> porque el discurrir del relato la va sorprendiendo en el momento en que suceden las cosas.<br />
Ella no oculta ese vaivén, sino que lo expone, no se para en el lugar del saber, ni de la crítica (que sin lugar a duda lo es) sino que el lugar que elige para hablar, <b>es el de la mujer de cierta extracción social</b>, con esa infeliz conciencia de clase, atravesada por las historias de sus amigos, de sus afectos, de los ecos de esos afectos en la huella de su persona, que se verá asediada hacia el final del relato por la mortalidad.<br />
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<br />
<b><i>"De alguna forma misteriosa uno puede anticipar su destino; algunos acontecimientos se nos revelan en forma de corazonada mucho tiempo antes de hacerse realidad (...) Desde hacía dos años yo sentía que algo me andaba mal adentro. Cuando me diagnosticaron el timoma fue casi un alivio (...) Hay algo en en la enfermedad que te afila, te quita la ansiedad, si uno logra evadir la autoconmiseración, por supuesto. Se lo digo en la sala de espera del Centro de Terapia Radiante a una profesora de literatura medieval que tiene cáncer de pulmón y que, como está internada, la traen a rayos en ambulancia desde su cama del hospital. Me dice: "Yo siempre quise tener una enfermedad bonita".</i></b><br />
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<br />
El nervio óptico es un recorrido por diferentes museos de la ciudad, pero nada tiene de turístico.<br />
Los autores aparecen en escena retratados vivamente, a contraluz, no hay celebración, ni malditismo, sino una honda nostalgia en cada retrato, <b>porque la autora sabe muy bien que cada elección estética, es una elección de vida y como tal implica una pérdida irresoluble.</b><br />
Los artistas plásticos que aparecen son: <b>Alfred de Dreux, Cándido López, Herbert Robert, Tsuguharu Foujita, Gustav Courbet, Mark Rothko, Toulose Lautrec, Augusto Schiavoni, José María Sert y su fascinante mujer Misia, Henry Rousseau, El Greco.</b><br />
<b><br /></b>
Cada capitulo es indistinto del otro en cuando a los artistas plásticos, pero en relación <b>al autorretrato </b>implícito que la autora va construyendo página tras página, hay una continuación, algo discurre y va creando el contexto necesario para que como lectores cautivos nos pongamos en la misma situación que ella, para tratar de comprender <b>la inaccesibilidad de esos puntos ciegos</b> por donde se filtra su sensibilidad. A causa de <b>su relato familiar llena de absurdo, tragedia, frivolidad, e historia </b>pero Historia con mayúscula, porque su apellido tal como lo quiere creer su madre busca cifrar el destino de nuestro país.<br />
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<br />
<b>"<i>Del museo rosa que estaba a veinte cuadras de mi casa nadie me había hablado, más tarde entendería que, para mis padres, la Buenos Aires de mi infancia no albergaba ningún interés artístico; ellos vivían paralizados por la lasitud neurótica de verse reflejados en el pasado, en cada palacete, en cada estatua de bronce, en cada juego de platería propio o ajeno."</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
Desconozco cómo fue el proceso de escritura del libro, no sé cuál fue la génesis de todo esto, pero creo que <b>la figura de la madre</b> de la escritora que sobrevuela al libro, es capital para entender esa <b>relación amor odio que siente hacia su propio pasado</b>, ese pasado que el abolengo familiar pretende que sea fastuoso, y en desacorde, en franca des-armonía con la realidad política y cultural del país, esas finas margaritas que lamentablemente se terminan devorando los chanchos.<br />
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<br />
<b><i>"Desde que tenés memoria, tu mamá y los de su clase vienen anunciando que "este país se va a prender fuego". Hace treinta años que esperan que arda. No hay semana en que no te pregunte si su nieta tiene su pasaporte al día porque "acá no hay futuro". Cuando te habla así, vos te sentís como Cecco, aquel poeta rencoroso que, según cuenta Marcel Schwod en </i>Vidas imaginarias, tuvo el instinto de ser negro porque su padre era blanco. Tu hija no tiene pasaporte, vos lo tenés vencido hace añares. Te gusta tu barrio, de hecho, te encanta, y no tenés pensado mudarte nunca, aunque tu madre piense que vivís en la frontera con el indio".</b><br />
<br />
Con justicia se puede afirmar que <b>El nervio óptico</b> es un libro sobre<b> la perdida, la muerte y lo</b> <b>irreparable</b>, pero este centro gravitacional nunca es definitivo, porque María Gainza sabe reírse de sí misma. Su mirada es fresca, directa, sensible, atenta a los detalles, imaginativa y honesta, sabe exponerse sin patetismo, ni coartadas románticas, ni exceso de modestia, pero tampoco con una actitud de soberbia solapada.<br />
La confección del libro tiene <b>la medida justa entre la narración, la confesión familiar, y la historia del arte</b>, pero de ese arte con minúsculas, ese que está a oscuras esperando el momento adecuado para ser vislumbrado, <b>hay mucho de reparación en la mirada de María Gainza para con el destino de algunas obras, </b>que se desentiende de la épica, de la construcción del mito, para hablar de los artistas a secas.<br />
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<br />
<b><i>"Cándido López estaba convencido de que para tocar el corazón de la realidad, había que deformarla, su maestro Manzoni, creía ver en eso una señal inequívoca de temperamento artístico y le sugirió un viaje a Europa. </i></b><br />
<b><i>Como no había plata, Cándido salió a pintar retratos y a hacer daguerrotipos por la provincia de Buenos Aires".</i></b><br />
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<b><i><br /></i>
En los caprichos de la realidad se encuentra lo que tiene mayor asidero y densidad</b> en el libro de María Gainza, porque justamente entre esas eventualidades, azares y los mandatos de la tradición, emerge toda la potencia de su escritura, como un punto de fuga por donde se cuela toda su sensibilidad y formación cultural. Que busca por todos los caminos posibles la forma más conveniente para<b> tratar de entender su singularidad</b>, lo que, la desconoce de sus orígenes, la vuelve una extraña para su madre, una promesa incumplida para su familia, ese encanto por las ruinas de sí misma, eso que va soltando cada vez con mayor entrega y honestidad, en la confección de este precioso libro; que sabe cuándo encantarse, cuando discutir, cuando sorprenderse, y hasta cuando quedarse en silencio.<br />
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<br />
No sé cuál habrá sido la intención inicial de El nervio óptico pero<b> hay mucho de efecto colateral</b>, de consecuencia oblicua, de intenciones desacomodadas y extraviadas, en una narración persuasiva, directa, elemental, rica en impresiones, y sugerente en todo lo que no alcanza a explicar, pero no por el ejercicio de una escritura mezquina, sino por la condición humana, falible y vulnerable de toda percepción que sabe de sus alcances y de sus límites frente al horizonte de lo real.<br />
<i><b><br /></b></i>
<br />
<br />
<b>El nervio óptico</b> se publico en el año 2014, es el primer libro de <b>Maira Gainza</b>, todavía no leí su segundo trabajo que es una ficción llamada <b>La Luz negra </b>(2018). Creo que este tipo de abordaje que propone la autora comparte mucho del modo de <b>Juan Forn</b>, para sus curiosas contratapas de los viernes de Página 12, y sobre todo la forma descarnada que emplea en <b>María Domeq</b>, novela que pronto voy a desmenuzar.<br />
<br />
Este es un excelente reportaje donde la autora contempla algunas de las cuestiones capitales de su imaginario. <a href="https://www.infobae.com/america/cultura-america/2018/12/27/maria-gainza-siempre-senti-que-queria-calle-si-no-no-hubiera-podido-escribir/">https://www.infobae.com/america/cultura-america/2018/12/27/maria-gainza-siempre-senti-que-queria-calle-si-no-no-hubiera-podido-escribir/</a><br />
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Luis Ortelladohttp://www.blogger.com/profile/14876361558949662947noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2494870625295851170.post-24384395665299629812020-01-05T15:37:00.000-08:002020-07-02T14:25:30.061-07:00El rock, la Robótica y el Rock<br />
<br />
Hablar de <b>vanguardia </b>en el campo del rock en estos tiempos de sobreabundancia auditiva, es<b> hablar directamente de tradición,</b> estas dos palabras <b>antes en disputa</b> ya no generan ninguna rispidez, porque las antiguas batallas de incorrección formal escupidas desde <b>el punk, el post-punk, la</b> <b>no wave y el pop más inteligente</b>, ahora forman parte del corpus, están integradas a <b>la ortodoxia</b>, están en la simiente del rock de los últimos 30 años.<br />
Con sus respectivas góndolas, escaparates, nichos de gustos, estéticas en cuestión, maridajes insospechados, experimentos de marketing, tendencias virtuales, y en donde cada tanto aparece alguna banda que tiene <b>algo para decir</b> o esta en pleno proceso de su <b><i>"qué hacer"</i></b> delineando sus estrategias, protocolos de acción, creando el sustento necesario para que el discurso musical no le deba a nadie más que a su propio proceso de<b> formas, valores y contenidos.</b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0njTgcpSdslJcn2kYYlvEUJGHrRkJbS2DTeB3WzbngO5o2z0tM_uBmluQ78POFRVEUzyJEVJwIwn5vHHi-tXG5U1tu_u93Xv99eMA71_PIHM39vOfaG_wevAokDCcdHyexhB6wi7ukXnm/s1600/descarga+%252828%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="225" data-original-width="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0njTgcpSdslJcn2kYYlvEUJGHrRkJbS2DTeB3WzbngO5o2z0tM_uBmluQ78POFRVEUzyJEVJwIwn5vHHi-tXG5U1tu_u93Xv99eMA71_PIHM39vOfaG_wevAokDCcdHyexhB6wi7ukXnm/s1600/descarga+%252828%2529.jpg" /></a></div>
<br />
Quizás con justicia se deba decir, que lo más interesante de todo discurso musical es cuando está buscando <b>su propia especificidad</b>, cuando se enfrenta a sus propias limitaciones y posibilidades, cuando se anima a mirar hacia <b>el abismo de la información cultural que la precede.</b><br />
Quizás con justicia se pueda afirmar que las luchas pasadas han sido ganadas por la vanguardias, pero <b>es una victoria pírrica</b>, una victoria con cierto amargor que arde con insistencia en la conciencia del rock, que ya no sabe <b>de qué manera convivir con sus grandes y trascendentales momentos</b>, esa glorias pasadas que gracias a las diversas tecnologías de grabación, puede pervivir y reproducir su hálito de vida a generaciones ignorantes e inconscientes de ese momento de vértigo y adrenalina, cuando el rock comenzaba a nombrar lo que no sabía de qué manera llamar.<br />
<br />
Cada tanto aparece una banda que vuelve sobre lo hecho para<b> preguntar sobre los modos</b> desde su propio hacer y esto es lo que sucede en la escena local con <b>El Alma del Robot,</b> un power trío que en su práctica pone sobre el tapete <b><i>lo que el rock tiene para decir</i></b> en este tiempo de <b>entropía cultural.</b><br />
La primera y única vez que los vi fue en abril del año anterior, sabía del grupo por <b>Adri , </b>uno de los integrantes de <b><i>"Curandero"</i></b>tanto como un amigo de afinidades electivas, y gustos en común.<br />
Sabía por él, que habían sacado un EP (cuatro temas), en el año 2017 al cual lo escuché con su debida atención, pero por esas cuestiones de tiempos, trabajo y la vida misma nunca había podido ir a un recital de ellos.<br />
El 2019 cerró con la edición de su segundo EP, (cinco temas) que por esa cuestiones legales (Curandero ya estaba registrado) debieron cambiar su nombre, por El Alma del Robot, como la homónima novela de ciencia ficción (1974) de <b>Barrington J Bayley.</b><br />
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<br />
La cuestión es que cuando pude escuchar el material mi entusiasmo se hizo notorio, pero la presentación en vivo de la banda en el Espacio Emergente <b>tuvo emociones encontradas,</b> por un lado la alegría de ver a mi amigo en escena despuntando con soberbia su instrumento (es bajista) y el por el otro completo desfase del guitarrista y cantante, en relación con el funcionamiento preciso y milimétrico de la batería y el bajo.<br />
No es que lo que presencié esa oportunidad no haya sido interesante, (una noche mala la puede tener cualquiera) sino que en la deriva formal de las canciones <b>dos tradiciones pugnaban</b> por encontrar su forma más conveniente.<br />
El recital fue una <b>solapada batalla</b> entre un contenido más ligado al <b>blues</b> y la canción como lugar de expresión frente a la naturaleza <b>maquínica y orgánica </b>de un power trío, que cercena los oídos con una sensibilidad que se avecina al heavy o al hard rock más áspero y menos complaciente.<br />
No estuvo mal esa presentación de los entonces llamados Curandero, pero se notaba que estaban en la búsqueda de su propia identidad, en<b> la lenta maceración</b> de su discurso musical.<br />
<br />
Con esto quiero decir, que la banda apostaba a <b>crear su verdad,</b> algo que la mayoría de los grupos que pueblan esta ciudad se niegan a hacer, porque es un riesgo, <b>tienen miedo de quedar expuestos,</b> y por eso se dedican a repetir fórmulas, a transitar caminos ya transitados, y a producir canciones que <b>son pobres notas al pie de grandes canciones</b> que no pueden imitar porque les falta el contexto que las produjo. Un grupo de rock para salir de la medianía <b>tiene que escuchar su contexto de cosas,</b> porque en esa zona imprevisible de la contingencia de lo real se encuentra lo más valioso, entre: <b>el deseo por decir y lo que se dice a pesar de uno</b>, entre la vulnerabilidad de un discurso que tiene el coraje de equivocarse en su forma y el de los que ni siquiera se atreven a interrogar a su sombra.<br />
El proceso por <b><i>"llegar a ser"</i></b> es lo más valioso de El Alma del Robot, en un medio donde todos están buscando su forma definitiva sobre todo para colocar mejor su producto.<br />
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Cuando Adri fue compartiendo las grabaciones del segundo trabajo, mi sorpresa fue mayúscula porque había un salto cualitativo en cuanto a <b>la forma, y a las composiciones,</b> e incluso el imaginario viraba hacia un lugar <b>más preocupado por el procedimiento </b>que por las formas en sí mismas.<br />
Pero antes de detenerme en esto, es conveniente hablar del primer E.P. Curandero que fue grabado al poco tiempo que la banda en sí misma comenzaba a funcionar, según la información que pude recabar, el trío comenzó a juntarse en <b>marzo del 2017</b> y la grabación de esta carta de presentación, fue en octubre del mismo año.<br />
<b>Sorprende la velocidad a la que llegaron para este proyecto</b>, se nota que <b>había una urgencia</b> necesaria por componer y registrar, actitud que semeja a los grupos de la década del 70 y principios de los 80, que<b> no daban tantas vueltas para grabar, iban, lo hacían, y sacaban discos</b> seguidos apenas separado por un año o mucho menos.<br />
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Curandero contiene cuatro tracks, los primeros dos son instrumentales y los últimos son canciones, esta economía en cuanto a la distribución de los temas <b>les juega en contra</b> porque conspira contra la atención del trabajo, porque <b>las composiciones instrumentales se roban todos los oídos,</b> por su demanda auditiva, sus gancheros patrones rítmicos y su pre-potencia sonora.<br />
En cambio <b>las canciones tienen una actitud más reposada e incluso reflexiva</b>, no son canciones en un sentido estricto sino <b>derivas musicales</b> con momentos cantados, que tienen cierta intensidad pero que <b>nunca alcanzan los picos</b> a los cuales llegan los tracks instrumentales.<br />
En los cuales hay una notoria construcción que <b>tienen como foco al sustento rítmico</b>, es decir la <b>común-unión</b> de la batería y el bajo. La labor de <b>la guitarra tiene un tiente casi impresionista</b> con pequeños arreglos, florituras, punteos y cuando se suma con el riff planteado por el bajo, toda la potencia del trío emerge como <b>una piedra sólida e indistinta</b>, esto se percibe mucho en <b><i>"La teoría</i></b> <b><i>del mitómano".</i></b><br />
<b><i>"Atraco" </i></b>a todas luces es la que más<b> groove </b>tiene en todo el conjunto, nuevamente la base rítmica le da el aire necesario al tema para que la guitarra juegue libremente, y haga su aporte desde un lugar transversal, no se roba el primer plano, porque acá lo importante es el groove.<br />
<br />
En cambio <b><i>"El brujo"</i></b> el primer track cantado aminora los decibeles, <b>funciona como un bajón</b> <b>después del pico de adrenalina</b>, y algo no termina de funcionar del todo bien en su economía compositiva, creo que esto se debe, a que por más que la voz aparezca no encuentra su forma en la canción, como sucede en la siguiente <b><i>"Orégano"</i></b>, son derivas que rastrean, buscan y no encuentran la verdad de su expresión, porque, y esto es lo<b> paradojal</b> e interesante del asunto y es que los tracks instrumentales<b> son composiciones redondas que funcionan en sí mismas</b>, son canciones en un sentido estricto, <b>es difícil olvidarse de ellas,</b> esto no sucede en cambio con "El brujo" y "Orégano", no porque sean malas sino porque el contexto para ser, no es el adecuado, amén de que el trío<b> tiene mucho más para decir a nivel instrumental que en un orden estrictamente lírico.</b><br />
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El Alma del Robot, el segundo E.P. trae cinco temas, y su distribución en el espacio sonoro esta mejor delineado, <b>hay un crecimiento exponencial en todos los aspectos técnicos y compositivos,</b> y la pelea antes manifiesta entre lo estrictamente formal, de la canción como tal, y la muralla sonora que saben desplegar en sus momentos más felices, ya no es motivo de alarma, porque sencillamente <b>todas las herramientas que hacen a este trío están puestos en la efectividad de las composiciones,</b> hay una mirada más consciente y plena sobre los materiales en juego.<br />
Las melodías en El Alma del Robot respiran mejor, hay más lugar para recorrer en el espectro de sonido, y momentos donde la urgencia del pulso estalla, pero esto es debidamente controlado, hay cierta insistencia maquinal, <b>un obstinato persistente</b> que machaca con premura el costado expresivo de cada tema.<br />
<br />
El alma del Robot <b>es una propuesta apolínea, hay un trabajo exhaustivo sobre la forma</b>, por momentos semeja la misma búsqueda de <b>Helmet </b>o yendo un poco más atrás en el tiempo a <b>Gang of</b> <b>Four,</b> por la manera en que se esculpe el sonido con <b>riff secos, deshidratados </b>de todo calor orgánico, ni la batería ni el bajo <b>consienten en la demagogia de hacer de más</b>, y el clima general es frío, formal, resolutivo.<br />
En este terreno las <b>tres conciencias creadoras conforman una unidad</b>, y la suma de estas partes dan a esta entidad musical todo su esplendor funcional y expeditivo, una propuesta sonora que hace de la precisión milimétrica los atributos de una estética fabril, límpida, entrecortada.<br />
A fin de cuentas, no hay que olvidar el nombre de esta empresa musical, se podría llegar a argumentar que son <b>los platonistas</b> de la robótica, los profetas que recuerdan <b>el costado maquinal de</b> <b>nuestras rutinas, rituales, y maneras de ser</b>, señalando que hay ciertos tips que se repiten en nuestro carácter que conforman un<b> patrón expresivo y singular </b>que nos define en el entramado social.<br />
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En este trabajo hay dos tracks instrumentales, el resto apuesta a la canción pero en este caso, <b>la voz funciona como otro instrumento más,</b> esta atemperada de sus intenciones para dar su mejor versión como otra capa sonora que enriquece la paleta auditiva.<br />
El trabajo, comienza con <b><i>"Robot"</i></b> que en su naturaleza artificial, expone magistralmente un riff contundente, que define una situación que la voz no hace más que subrayar, el bajo sostiene una experiencia cuasi corporal por la densidad del sonido, la batería no da respiro, pero tampoco permite mucha expansión, es la medida justa, como para que en el momento de silencio, cerca del final la simple melodía con la que matiza la guitarra explote toda su belleza.<br />
<br />
<b><i>"Animales"</i></b> la siguiente canción, es opresiva en su respiración, el tempo es entrecortado, el único espacio de aire es la voz que en este caso permite que toda la emoción decante en un fraseo que no se apoya en la emoción, sino en sus cualidades técnicas. Si en Curandero la voz buscaba la manera de ser más real, acá la encuentra pero no por sus propias virtudes (que son evidentes) sino porque <b>toda la</b> <b>construcción compositiva contiene el marco de su proyección.</b><br />
<b><i>"Vamos surfeando lo que hay que andar/donde fuimos a parar/qué nos pasó"</i></b> dice la canción que en su estribillo tan solo confirma la naturaleza maquínica y artificial de los días pasados y por venir <b><i>"Nos espera hoy lo mismo que ayer, "todo se convierte en un loop eterno".</i></b><br />
Es curioso que la canción se llame Animales, y <b>sea una de los tracks más controlados</b>, como si todo la performance instrumental fuera más un dique que contiene cómo puede las sensaciones de desengaño, desamparo y resignación que la canción enuncia y las encarna a su pesar.<br />
El único momento donde se siente la fuerte presencia de lo informe, es en los punteos de la guitarra donde el clima parece fluir a un típico solo furioso y estridente, pero es cortado de cuajo, recordando al oyente que lo que importa no está en el derrape sino en el control de la emoción.<br />
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<i><b>"Vampiros Psíquicos"</b></i> es el tema que más recuerda en su juego, y libertad formal a "Atraco" del trabajo anterior, no porque sean iguales sino porque en las creo detectar, la mejor versión del trío cuando se conjugan naturalmente: <b>la potencia rítmica, el gusto melódico y la espacialidad sonora, </b>cuando esto ocurre la felicidad es múltiple y este es el sentido más acabado de El alma del Robot. Que en su cuerpo comporta todos los atributos de una estética estrictamente formal, porque si hay algo de cierto en las antiguas batallas de las vanguardias, es que ahora el campo de experimentación y lucha no pasa por el contenido o los enunciados políticos, hoy más que nunca la pelea pasa por la <b>forma, el medio, el vehículo</b> necesario que muestre y se demuestre, que no basta con tener buenas canciones, musicalidad virtuosa o desparpajo punk, lo realmente importante parece decirnos este power trío capitalino, es qué hacemos con todo eso que ahora más que nunca está a nuestra disposición.<br />
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En la elección, en el criterio, <b>esta la jugada política y estética, una estética política</b> que va definiendo su credo, hay una <b>militancia</b> sobre la forma a la que hay que atender, estamos atravesados de contenidos, de residuos formales y discursivos, restos, ruinas y escombros de saberes caducos, así parece demostrar la anteúltima canción de esta placa, llamada <i><b>"Mi Dios"</b></i>, que en su incansable enumeración señala justamente todas las fuerzas en pugna, que operan en el imaginario del hombre frente a lo ignoto y desconocido, empezando -<b><i>oh casualidad-</i></b> por el hombre, ese gran desconocido.<br />
<b><i>"Hombre, pueblos, niños, brujas, almas, libros, aire, arte, fuego, luna, mares, vientos, nos trae el miedo a vos. "</i></b><br />
El Alma del Robot con todo el cuidado del caso, trata de mirar a ese abismo cultural evitando quedar pegados al vértigo de lo hecho, <b>no niegan al pasado ni tampoco lo celebran sino que lo afirman desde su hacer,</b> pero no para ser admitidos dóciles a la tradición, sino cuestionando fírmemente la propia condición de cada integrante, <b>como ser sensible moldeados por el rock y la música en general.</b><br />
<b><i>"y cuando hoy volvamos a creer, en un espejo me volveré a mirar, y lo que hicimos no se podrá borrar".</i></b><br />
<br />
Con todas las limitaciones que este tipo de propuesta tienen frente a tanta proliferación rimbombante de tantas tantas y tendencias, El Alma de Robot se erige como un trío de rock a secas, y para llegar a ello tuvieron que depurar su discurso, separando cuidadosamente: lo necesario de lo contingente, lo <b><i>natural de lo artificial, lo especifico de lo esencial y para finalmente quedarse con lo real de lo impostado.</i></b><br />
No se cuál es el destino de este trío en nuestra patria sonora, pero El Alma de Robot sin lugar a dudas es una propuesta <b>fundamental</b> para poder mirar al espejo de nuestra tradición, y no asustarse por el destino del rock en esta, cada vez más ridícula y absurda contemporaneidad.<br />
<br />
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El Alma del Robot esta conformado por:<br />
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<b>Adrián Garófalo: Bajo</b><br />
<b><br /></b>
<b>Rodrigo Diaz Virzi: Guitarra y voz</b><br />
<b><br /></b>
<b>Andrés Reymann: Batería y percusión</b><br />
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<b><br /></b>
Los discos lo pueden escuchar en <a href="https://elalmadelrobot.bandcamp.com/album/el-alma-del-robot-ep">https://elalmadelrobot.bandcamp.com/album/el-alma-del-robot-ep</a><br />
<a href="https://elalmadelrobot.bandcamp.com/album/curandero-ep">https://elalmadelrobot.bandcamp.com/album/curandero-ep</a><br />
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<br />Luis Ortelladohttp://www.blogger.com/profile/14876361558949662947noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2494870625295851170.post-65731483002470865662019-12-26T22:12:00.000-08:002019-12-27T19:38:18.329-08:00Lo Bello y lo Necesario <br />
<b>Para Victoria y su gran corazón</b><br />
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<b>Cuál es el límite del dolor</b>, cuál es su capacidad para una sensibilidad totalmente abierta al mundo, <b>qué comporta el dolor cuando se llega a un umbral</b>, pero no solo el propio sino también el ajeno. el del otro, el del que uno ama, de qué manera se puede compartir esos momentos tan difíciles donde la angustia es un goteo insoportable, y llegado esos momentos, puede uno hacerse cargo del dolor más próximo, <b>puede uno poner el cuerpo por el otro y recibir.</b><br />
Uno de los mitos más hermosos y problemáticos de la cristiandad, es la del hijo de Dios que <b>condescendió a ser hombre para morir por los pecados del mundo</b>, y redimir de esta manera a la humanidad en una larga espera de culpas, castigos y promesas de salvación.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQaqLGRapDurHMhYLnUfVDJCBHiEJDIl0Pg-2YZUzU8EAva_GlB7ipbdCBGxo3Vrswsp0ytKSuRxVvLgm4UlQ4BTAIUUlE2kxZXWY30blaj_r2qUhhJ1rr3WtCIvbrBchyEEPaOO0a6H8o/s1600/images+%252811%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="218" data-original-width="231" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQaqLGRapDurHMhYLnUfVDJCBHiEJDIl0Pg-2YZUzU8EAva_GlB7ipbdCBGxo3Vrswsp0ytKSuRxVvLgm4UlQ4BTAIUUlE2kxZXWY30blaj_r2qUhhJ1rr3WtCIvbrBchyEEPaOO0a6H8o/s1600/images+%252811%2529.jpg" /></a></div>
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<b>The green mile</b> (1999) película de <b>Frank Darabont</b> (1) se ocupa de esta problemática, desde un imaginario que linda con lo fantástico dentro de un mundo entre comillas normal, porque todo sucede dentro de una prisión, en un lugar dentro del presidio, llamado la milla verde que es<b> el destino final</b> <b>de los condenados a muerte.</b><br />
El film esta basado en una novela de <b>Stephen King</b> que lleva el mismo título (2) hay que recordar que este autor es conocido y popularizado por sus novelas de terror, pero también es un excelente narrador con<b> mucha sensibilidad social</b>, y que sabe retratar en pocos trazos como lo hizo también<b> Lovecraft </b>(3) de manera involuntaria (en el siglo pasado XIX), a la norteamérica profunda.<br />
<br />
Detalle no menor porque la historia esta ambientada durante <b>la época de la depresión</b> en el estado de Luisiana en 1932. Debo confesar que no leí la novela, pero el film como otros del mismo director tiene una mirada piadosa<b> sobre la materiales narrativos</b>, sabe cómo contar una buena historia administrando la información, bordeando con sabiduría los golpes bajos, todo ello con humor e ironía bajo una mirada atenta que no juzga a sus personajes sino que los deja hacer, no hay condena moral, ni un relato ejemplificador que se nos quiera comunicar, si en cambio se <b>pone énfasis en lo</b> <b>ciertamente intrasmisible de toda experiencia precedida por el paso del tiempo</b>.<br />
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Afirmo esto sin negar que de Green Mile es una película de<b> Hollywood</b>, está pensada como un entretenimiento, tiene todos los condimentos de un relato con buenas intenciones, hay una fábula, es cierto, y también una moraleja, pero esto no quita lo ciertamente perturbador que es la condición concreta e inaprensible del <b>"dolor"</b>, eso excede a la historia y la mantiene viva hasta el final.<br />
<b>John Coffey </b>es un preso que llega al pasillo de la muerte con toda su gigantesca humanidad a modificar el curso de las cosas, pero sin un ápice de voluntad por hacerlo, porque está en su naturaleza exponerse y <b>dar su cuerpo literalmente por el dolor de los otros</b>.<br />
<br />
No hace mucho entre en contacto, o en todo caso debo decir que<b> un poema</b> compartido en un muro de faceboock <b>entró en línea directa con mi sensibilidad,</b> provocando una interrogación que en lo obvio de lo dado, y la costumbre, buscó rápidamente sacarse un poco de culpa, frente al dolor de los demás.<br />
<b>El poema tiene un tono socrático, directo, no anda con vueltas ni vuelos metafóricos</b>, dice las cosas por su nombre y en su enumeración de daños despliega una estrategia deliverada para punzar la buena conciencia ciudadana <b>que no sabe cómo hacer</b> frente a la miseria social y humana de este mundo que nos toca compartir.<br />
<b>Diego E. Suarez</b>, (4) es un poeta de una sencillez extraordinaria, la mirada que le otorga a las cosas tiene la suficiente percepción como inteligencia <b>para decirlo "todo" con pocos elementos</b>, no hablo de una voz minimalista, sino de alguien que crea un lugar de enunciación que va a la especificidad del decir, <b>descarta lo meramente bello por lo necesario </b>y desde esta posición poética habla de <b>la necesariedad</b> de lo bello.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5_UoN_cSqTcG5J9N3qmtOT6VQIY-iC5DgkTN39GCZwW8oQ8shlBMNzOFmdpTkWn5_aOeiWIB75ATShilDevL7YCtxMPDB17c0B0g0q6qIkTz2ZuRlcpKc3PWmAjiRP21veboIv3V6ccnj/s1600/descarga+%252820%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="259" data-original-width="194" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5_UoN_cSqTcG5J9N3qmtOT6VQIY-iC5DgkTN39GCZwW8oQ8shlBMNzOFmdpTkWn5_aOeiWIB75ATShilDevL7YCtxMPDB17c0B0g0q6qIkTz2ZuRlcpKc3PWmAjiRP21veboIv3V6ccnj/s1600/descarga+%252820%2529.jpg" /></a></div>
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Johnn Coffey es un hombre de una contextura inmensa, es <b>un negro de actitud sumisa,</b> que destila una bondad que confunde a sus carceleros, que rápidamente lo quieren catalogar como un ser raro con cierto retraso, pero ciertamente peligroso, porque <b>ha sido encontrado culpable por la muerte y violación </b>de dos hermanas de poco más de 9 años, hecho por el cual es condenado a la pena máxima, es decir su muerte en la silla eléctrica.<br />
El relato comienza ´por el recuerdo del protagonista, (un excarcelero interpretado por <b>Tom Hanks</b>) en un asilo de ancianos, que ya no puede vivir sin tratar de contar lo que ha vivido, en este terreno donde el pasado toma protagonismo, todo lo narrado se tiñe por la intensidad de la experiencia, que <b>pide un público dispuesto a asombrarse por los misterios de lo inesperado</b> frente a la opacidad del lenguaje, que trata como puede de transmitir toda la emoción de un hecho excepcional.<br />
<br />
El poema de Diego E. Suárez, detenta un tono social y comprometido con lo que observa, en su forma (que es su contenido), hay <b>una crítica solapada pero certera a los medios masivos de comunicación,</b> que centran y crean la atención de la audiencia con un miserabilismo escandaloso y manipulador.<br />
Con esto no quiero decir que la poesía hoy, debe ocupar el lugar del periodismo, sino simplemente constatar un hecho: Cuando algo realmente se comunica: <b>"se comunica todo"</b>, en su más elemental y precisa expresión.<br />
Lejos estamos de la pretensión de objetividad, ni tampoco se trata de ser objetivos, sino <b>en qué lugar</b> <b>ponerse para decir algo ligeramente distinto y sustancial,</b> a lo que se reproduce de manera sistemática y agobiante en los medios masivos de comunicación (no todos, claro, pero son la minoría), que hacen del miedo, la intolerancia y la desesperación su cartera de trabajo.<br />
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John Coffey es un ser extraordinario, su cuerpo sabe mucho más de lo que el puede expresar con palabras, <b>a la manera del idiota dostoiesvkiano,</b> John Coffey es un ser iluminado, gratificado, <b>alguien con la capacidad de absorber la dolencia del otro</b>, alguien que consume el dolor del otro, lo deglute en su interior y lo devuelve al aire como una suerte de <b>expectoración metafísica</b>.<br />
Quiso el devenir de los hechos que el destinatario de semejante <b>"Don" fuera un negro</b>, de aspecto amenazante, (más por su tamaño), en una época donde la negritud todavía era considerada una mala palabra y una ofensa a la moral, blanca, puritana y protestante.<br />
Por eso no hubo una verdadera investigación en su caso, para la justicia era muy claro que no había otro culpable que john Coffey que oportunamente había sido encontrado junto a los cadáveres de las niñas, pero lo que realmente nadie se había preguntado era porque cuando lo encontraron a John Coffey estaba llorando a los gritos diciendo una y otra vez -<b>Jefe, lo quise detener, lo quise detener, pero ya era muy tarde.</b><br />
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<b>"Alimento no perecedero"</b> se llama el poema de Diego E. Suárez, a toda vista el título señala una mirada social, humana, solidaria, apela en su constitución a ese imaginario, pero <b>en lugar de quedarse</b> <b>en la comodidad demagógica del mensaje</b>, va más allá para poner en evidencia, algo que se busca escamotear todo el tiempo con el síndrome culposo de lo políticamente correcto.<br />
El tono va de lo social a lo político, y de lo político a esa capacidad cada vez más lejana de la humanidad de <b>con-moverse</b> por el otro en la contingencia su singularidad.<br />
<br />
<b><i>"Hoy por hoy/ algunas criaturas/ mueren dos veces:/ primero de hambre/ después de un balazo/policial o vecinal/. Acordate: Se agarran/ con ellas, no con/ la clase política/ a la que legitimaron/ ni con la oligarquía que nos estafó/ otra vez."</i></b><br />
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<b><i><br /></i></b>
La voz del poeta no impone un sentido, <b>hurga las consecuencias</b> de un modo de vivir e inter-relacionarse con el mundo, una manera que encuentra su razón de ser en el desprecio, el prejuicio y la criminalización de la pobreza.<br />
La voz del poeta, tan solo señala lo obvio de manera <b>eficaz y sencilla</b>, pero lo tristemente evidente, es lo que muy pocos se animan a brindar sin especular por su salvación, de alguna manera la redención en este mundo capitalista no es una opción descabellada, aliviana la presión de la culpa, por tanta <b>fagocitación del ego en beneficio propio.</b><br />
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<b><i>"Una criatura menos,/ estómago vacío,/ pecho trizado/ con bala salida/ a quemarropa/ de los bolsillos y los votos/ de la mayoría./ Acordate: Esta noche/ antes de dormir/ sentí ese plomo/ rasgando ese tejido humilde/ de una vida por delante."</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
Lo que el poema apunta en su ejercicio, es que no importa tanto el acto sino el gesto que esta antes del acto, eso que nos vuelve irremediablemente humanos, eso que damos, porque es un don, sin esperar retribución a cambio, porque un don siempre es un regalo, algo que nos excede, sobra y que reclama ser compartido porque esa es toda su naturaleza.<br />
<br />
<b><i>"Acordate:/ En los tiempos/ que corren, el alimento/ no perecedero/ de primera necesidad/ se llama empatía".</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
No voy a develar los pormenores y la verdad de la historia de "The Green Mile", pero lo que si quiero es observar que en tiempo de crisis, de hambruna y desesperación lo que salva y contiene al relato del mundo es <b>"la humanidad demasiado humana"</b>, lo que John Coffey detenta con su sola presencia es el absurdo de la especie, qué no sabe qué hacer ni en<b> qué lugar ponerse para interpretar al dolor más allá de la propia carnadura</b>, lo que John Coffey demuestra desde su tonta bondad, es que comunicar y contener al dolor del otro tiene un precio, ser el reverso de la dolencia de los otros tiene un costo en donde <b>la vida se fuga por la intensidad del gasto</b>, del don, pero en esa fugacidad la vida humana cobra toda su dimensión, porque <b>no hay explicación que avale</b> la justificación de nuestra existencia en este universo.<br />
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<br />
Diego E. Suárez es un poeta que pone y se ex-pone desde el bostezo insondable del dolor, <b>presta su</b> <b>voz al servicio de lo inexplicable</b>, es un medio, un espacio oportuno para que la materia sensible de la vida y la afección realmente pase, transmita y comunique el hecho poético. Es un lugar de enunciación que no reniega ni de la ironía ni del humor, que desde su distancia telegráfica nos recuerda, que el dolor no es algo estrictamente personal, sino que <b>es la propia constitución de la vida</b> <b>en toda su voluntad entrópica que no deja de nacer y perecer.</b><br />
Diego E. Suarez es un poéta de la <b>com-pasión</b>, de la incómoda ternura del dolor, uno de sus últimos libros tiene un título que en sí mismo es una declaración de principios poética "<i style="font-weight: bold;">Sufrimiento de otro en su cuerpo", </i>pero este es otro cantar del cual ya voy a tener oportunidad de hablar.<br />
A fin de cuentas Diego E. Suarez nos pone sobre aviso, nos advierte desde su propia carnalidad lo que tiene de humano lo humano, <b>para no olvidar el propio sin sentido de nuestra especie</b>, que en su especificidad trata de lidiar como puede con lo desconocido. Es un llamado desde el más acá, un llamado extemporáneo, un llamado que todavía cree en<b> la calidez irreemplazable de un abrazo.</b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMJhYfNScwvE-TYQJ5kSvU6ik8b_qk14BVwNN9ioeWx506DBDSdbWDnmY0daVo08TklKaF4l2tnpn_Z8VCxsh_Uv89_Qud5F-54z1UZy6d4ze-vGfLBHRurMUb89eBbNtEUzQQK03mI5t1/s1600/images+%252812%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="198" data-original-width="256" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMJhYfNScwvE-TYQJ5kSvU6ik8b_qk14BVwNN9ioeWx506DBDSdbWDnmY0daVo08TklKaF4l2tnpn_Z8VCxsh_Uv89_Qud5F-54z1UZy6d4ze-vGfLBHRurMUb89eBbNtEUzQQK03mI5t1/s1600/images+%252812%2529.jpg" /></a></div>
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1-Para chequear información sobre la película <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/The_Green_Mile">https://es.wikipedia.org/wiki/The_Green_Mile</a><br />
trailer del film <a href="https://www.youtube.com/watch?v=0zkms0Tkmus">https://www.youtube.com/watch?v=0zkms0Tkmus</a><br />
Datos biográficos del director <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Frank_Darabont">https://es.wikipedia.org/wiki/Frank_Darabont</a><br />
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2- Para corroborar datos de la novela <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/La_milla_verde_(novela)">https://es.wikipedia.org/wiki/La_milla_verde_(novela)</a><br />
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3-Unos años atrás escribí en este sitio sobre Lovecraft <a href="http://lortellado.blogspot.com/2011/11/la-suma-de-todos-los-miedos.html">http://lortellado.blogspot.com/2011/11/la-suma-de-todos-los-miedos.html</a><br />
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4-Pequeña reseña biográfica precedida por un interesante reportaje a Diego E. Suárez donde expresa mucho más que las preguntas que le hacen. <a href="https://www.todasantafe.com.ar/?p=9727">https://www.todasantafe.com.ar/?p=9727</a><br />
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<br />Luis Ortelladohttp://www.blogger.com/profile/14876361558949662947noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2494870625295851170.post-88609642474054864762019-11-18T16:55:00.002-08:002020-07-01T15:06:56.356-07:00 Proteo, el mito peronista <br />
<b>"De Proteo el egipcio no te asombres,</b><br />
<b> tú, que eres uno y eres muchos hombres".</b><br />
<b><br /></b>
<b> Proteo</b><br />
<b> Jorge Luis Borges</b><br />
<br />
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Nuestro <b>país tiene un misterio</b>, un misterio insondable y si se quiere caprichoso, un misterio llamado <b>peronismo</b>, que ha generado a lo largo de su historia todo tipo de elucubraciones, que han tratado de explicar lo que sencillamente no tiene una sola respuesta y aún así no la hay, porque el peronismo <b>es un muerto vivo</b> que insiste en seguir insuflando vida, y potencia a la simiente cultural, política y afectiva de estas tierras, ya sea por identificación o rechazo, el peronismo <b>sigue siendo un hecho vivo</b>. A diferencia por ejemplo de sus antiguos contendientes como la Unión Cívica Radical que más que un partido político es una pieza de museo.<br />
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<b>"La Novela de Perón"</b> (1985) de <b>Tomás Eloy Martinez (1)</b> se aventura a entrar en esta terreno inhóspito para las explicaciones fáciles, tendenciosas y fuertemente ideológicas, <b>la novela en sí misma es un gran interrogante</b> y un sacrilegio para el dogma peronista porque se atreve a retratar al último Perón, al más desconcertante, al más revulsivo, al que vuelve después de 18 años de exilio español, con <b>José Lopéz Rega</b> como sombra de su sombra, que fue a su vez, responsable ideológico y arquitecto de <b>la masacre de Ezeiza (2)</b> primero y <b>Triple A (3)</b> después, al Perón que desterró de plaza de mayo a montoneros, al que quiso verse como pacificador de la sociedad argentina siendo que fue el entero responsable en alentar a la izquierda peronista a la lucha armada.<br />
A este Perón, Tomás Eloy Martinez convoca desde una escritura que se demora en lo biográfico, lo político y <b>lo</b> <b>estrictamente perceptivo de la ficción,</b> para indagar en las zonas más oscuras de esta historia que partió a nuestro país al medio y lo desangró finalmente, tiempo después con la dictadura cívico militar que fue su lamentable efecto, ya con Perón muerto, e <b>Isabel Martinez de Perón</b> como presidenta y Lopéz Rega como verdadero dueño de los destinos de nuestro país.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsyraiQBCQ4Lc3womJIm4UaNDNQsHdrXJ3sfhpUCURaBrBbKmaZB6LwTbLUr9rmGK3RKgVnQCBsxFPg2U3gD3FyGLHystnJYPL2SJztxmBC8VBbI66rIUjHBIeaNQ5q4hq2Z5ptT5DSnTp/s1600/descarga+%25281%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="194" data-original-width="259" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsyraiQBCQ4Lc3womJIm4UaNDNQsHdrXJ3sfhpUCURaBrBbKmaZB6LwTbLUr9rmGK3RKgVnQCBsxFPg2U3gD3FyGLHystnJYPL2SJztxmBC8VBbI66rIUjHBIeaNQ5q4hq2Z5ptT5DSnTp/s1600/descarga+%25281%2529.jpg" /></a></div>
<br />
Son varias historias las que se enhebran con maestría en la novela, son varios los destinos que se entrecruzan para dar lugar a los acontecimientos, y son muchas las contradicciones que sacuden la estantería de las convicciones de los personajes y de <b>los lugares comunes de la interpretación política e histórica.</b> La novela comienza retratando la ansiedad y el desasosiego del general en su vuelo de retorno al país, hay un ligero desacomodo que atraviesa y delimita a sus pensamientos de su cuerpo, los recuerdos de su memoria, los afectos de sus verdaderos sentimientos, <b>si es que se puede</b> <b>hablar de algo verdadero</b> en una subjetividad especialista en camuflarse en la necesidad de los otros.<br />
<br />
<b><i>"Una vez más, el general Juan Perón soñó que caminaba hasta la entrada del Polo Sur y que una jauría de mujeres no lo dejaba pasar. Cuando se despertó, tuvo la sensación de no estar en ningún tiempo. Sabía que era el 20 de junio de 1973, pero eso nada significaba. Volaba en un avión que había despegado de Madrid al amanecer del día más largo del año, e iba rumbo a la noche del día más corto, en Buenos Aires (...) Ni siquiera tenía prisa por llegar a parte alguna. Estaba bien así, suspendido en sus propios sentimientos. ¿Y eso qué era? ¿Los sentimientos?: nada. Cuando mozo le dijeron que no sabía sentir, sino representar los sentimientos. Necesitaba una tristeza o una señal de compasión, y ya: las pegaba con un alfiler sobre la cara. Su cuerpo vagaba siempre por otra parte, donde los afanes del corazón no pudieran lastimarlo (...) Nada le había pertenecido, y él mismo se pertenecía menos que nadie."</i></b><br />
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<b><i><br /></i></b>
Si hay algo que caracteriza al retorno del general a la Argentina, <b>es el desencuentro</b>, el desfase entre la expectativa largamente deseada de su retorno y su retorno finalmente, Perón volvía es cierto, pero su retorno no era gratuito, el precio pagado era muy alto, porque si hay algo que quiso controlar con voluntad férrea fue el destino de su movimiento, pero esto no lo lograría sino a medias, porque<b> el</b> <b>hombre no pudo sobreponerse al mito que había creado</b>, al monstruo que finalmente lo terminaría engullendo, porque si hay algo que no se puede conducir fue el incandescencia imaginaria del pueblo, desde el momento en que asumió la presidencia hasta su muerte.<br />
<br />
Con justicia se puede afirmar que la narración que despliega Tomás Eloy Martinez transcurre durante un solo día, en ese fatídico 20 de junio, fecha indigerible para el mito peronista, porque la operación retorno fue la masacre de Ezeiza y la puesta a punto de incipiente Triple A de José López Rega, alías el brujo, o <b>Daniel </b>como gustaba llamarse en la intimidad del general, en el primer capítulo está contenido todo lo que el autor de esta novela desarrollará con puntillosa sensibilidad.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjC11lepHDSO9yA2-TT9WXyEBiAFlH3M54mT72eyuwJivqbfolEWo-7fxeLFrKY6wSt6-tiJ4GkfkQGo8H5CbIrFmgB5pxMikx1jDos6F8YjD0MHq-vpQfhg-p6hjX6X8jUktKAi2mQqLmh/s1600/descarga+%25284%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="168" data-original-width="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjC11lepHDSO9yA2-TT9WXyEBiAFlH3M54mT72eyuwJivqbfolEWo-7fxeLFrKY6wSt6-tiJ4GkfkQGo8H5CbIrFmgB5pxMikx1jDos6F8YjD0MHq-vpQfhg-p6hjX6X8jUktKAi2mQqLmh/s1600/descarga+%25284%2529.jpg" /></a></div>
<br />
<b><i>"El secretario se llamaba José López Rega, pero en la primera ocasión de intimidad pedía seriamente que lo llamaran Daniel, ya que por ese nombre astral lo conocería el Señor cuando tronara el escarmiento del apocalípsis. Parecía un carnicero de barrio: era retacón y confianzudo. Se posaba como una mosca sobre todas las conversaciones, sin preocuparse en lo más mínimo por la tolerancia de la gente. En otros tiempos se había esforzado por caer simpático, pero ya no. Ahora se vanagloriaba de su antipatía."</i></b><br />
<br />
Se podría decir sin ningún ápice de exageración que La novela de Perón <b>es relato múltiple</b>, que en su expansión se fragmenta en un gigantesco caleidoscopio, donde cada uno, ve o cree ver, el influjo, el efecto, <b>la marca e incluso el mandato</b> que el general impuso en la vida de miles, ni siquiera el mismísimo Perón puede escapar a esta consecuencia que lo tuvo a maltraer entre él que fue, que hasta ese momento estaba en la memoria viva del pueblo, de varias generaciones y él que fue finalmente terminó siendo, en esa vejez que lo termina desencontrando no solo del país que lo esperaba en vilo, sino de sí mismo.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTOFK5m-guG7sJ88BnkqNpH5GndH0b5ZDiweUUlo8EDfFIjMHz7LN7CAqxJkg5Fkt1zBOmRww_3K4XFZyGN4kgAI68ec1l8PVfz0Esf0WKxIG6-zQUwf5vzJGXy_Up241nGpSgRsIjHfLL/s1600/descarga+%25286%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="181" data-original-width="278" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTOFK5m-guG7sJ88BnkqNpH5GndH0b5ZDiweUUlo8EDfFIjMHz7LN7CAqxJkg5Fkt1zBOmRww_3K4XFZyGN4kgAI68ec1l8PVfz0Esf0WKxIG6-zQUwf5vzJGXy_Up241nGpSgRsIjHfLL/s1600/descarga+%25286%2529.jpg" /></a></div>
<br />
El Perón de este relato <b>no encuentra su lugar</b> en sus memorias, aunque trate de controlar el pulso de lo vivido hay una zona que es imposible de intervenir, esa es la zona donde la escritura de Tomás Eloy Martinez escarba con maestría y encuentra su razón de ser, no para explicar el devenir del General, sino para acercarnos como lectores <b>a la intimidad de una subjetividad escindida de sus</b> <b>afectos</b>, a la puesta en escena primero del militar y después del político, a la construcción de ese personaje público, que hoy es, más una marca, una caricatura, un mito, una babel de voces que reclaman y se pelean por su herencia.<br />
<br />
Lo que el relato de Tomás Eloy Martinez expone, es que para que Juan Domingo Perón comience a ser Perón tuvo que pasar por <b>un largo proceso de despersonalización</b>, una rigurosa crueldad se tuvo que desplegar en su vida para llegar a ser; desde su infancia con una familia errante buscando un lugar donde hacer patria en el sur más anhóspito de nuestro país, en su educación cuasi huérfana con unas tías en la capital, para ir directo a las humillaciones constantes de una vida que él quiso que fuera militar, que hacía del sometimiento del alma, y de la identidad, su herramienta más efectiva para oprimir los impulsos vitales y necesarios para desarrollar y potenciar <b>la empatía humana</b>.<br />
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<b><i>"...Juan Domingo se aplicó a fundir su identidad con la del ejército, a desconocer los mandamientos de sus deseos y a obedecer hasta los más extraviados deseos de los superiores. El universo real murió. La vía láctea, el reloj del péndulo de la abuela, la campana del tranvía, el recuerdo de los domingos tristes en el internado de Cangallo al 2300: aquellos accidentes de la realidad se convirtieron para él en absoluta nada. Solo existía el ejército. Y dentro del ejército, en alguna orilla de los reglamentos, se diluía su persona. Para ser obedecido tenía que aprender a obedecer."</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
Por la misma naturaleza de la novela es difícil desglosar una parte del relato sin omitir otra, pero con justicia se puede afirmar que <b>el centro de la historia es la relación de Perón con José López Rega,</b> ese entramado oscuro, y ambiguo, en donde el brujo fue generando su espacio de poder de una manera muy sutil, un verdadero trabajo de hormiga, un trabajo de años para asegurarse un lugar en la historia, lugar (por cierto) siniestro e incómodo para el peronismo que todavía no sabe de qué manera procesar o re-significar su paso nefasto por la vida del general.<br />
A tal punto nos dice el relato de Tomás Eloy Martinez llega la influencia de López Rega, que abiertamente interviene en el dictado de las memorias del General, pero no solo eso, sino que también se ubica en la imaginación de Perón, como un olvidado recuerdo más, pero uno con el suficiente peso como para modificar el curso de su pasado.<br />
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<b><i>"No sólo sembraba las Memorias de pensamientos propios; también les incorporaba historias que el General había omitido y que él, en cambio, recordaba al dedillo (...) "Piense mi General: remóntese. Enero de 1906. Nos vistieron de negro, y por si fuera poco, nos ensartaron en el brazo un moño de luto (...) usted y yo caminábamos adelante; la prima María Amelia y el primo Julio nos seguían muy serios, tomados de la mano. Baldomera se atrevió a besar la frente del gran hombre. Los demás fuimos a firmar el libro de dolientes, recuérdelo..." Y el General respondía: Ahora que usted lo ha dicho, lo recuerdo como en una bruma. Pero no veo sino a los primos. Yo iba solo adelante, abriéndome paso entre la muchedumbre que lloraban. Buenos Aires parecía un camposanto. Sudábamos a chorros y nos ahogaba el calor de tantas flores. Y usted, ¿qué hacía usted allí, López? ¿Cuántos años tenía?. El secretario nunca contestaba.</i></b><br />
<b><i>A Perón le caían en gracia aquellas ocurrencias, pero por las mañanas, cuando la voz de López recitaba frases ya corregidas en la grabación (...) sentía que un cuerpo ajeno procuraba desalojarlo de su cuerpo, y se aferraba entonces a las barandas de las escaleras para no perder el instinto de identidad".</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
En el entramado de esta relación se encuentra lo más revulsivo de la novela, porque en la lectura de la historia están quienes le otorgan el beneficio de la duda al General, y se consuelan pensando que Perón fue totalmente manipulado por López Rega, pero la otra visión no se ampara en esa pretendida ingenuidad, si el General siempre fue una brillante mente estratégica es imposible que haya caído en las redes del brujo, pero sí es así, lo utilizo como beneficio para deshacerse del ala más combativa e indomable del peronismo como fue <b>montoneros.</b><br />
Lo cierto es que Perón era un estratega, un militar de formación enciclopédica y alemana, que <b>entrecruzaba sus conocimientos del campo de batalla con su astuto y sagaz saber campechano.</b><br />
Perón era un pragmático, no se hacía ilusiones con nada, salvo con su poder de seducción, su oratoria encendida, su visión del país en relación con los diferentes relatos del mundo, y Evita por supuesto.<br />
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Pero si hubo un referente en el mundo militar que lo ayudo a pensar la política desde otro ángulo, este sin duda fue: <b>Alfred Von Schlieffen,</b> un militar alemán de finales del siglo XIX. al cual Perón estudió con dedicación.<br />
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<b><i>"Clausewitz opinaba que la guerra es una continuación de la política por otros medios. Para mí las cosas suceden al revéz: la política es una continuación de la guerra por otros medios, pero con las mismas tácticas. Años más tarde, cuando me reprochaban una frase irritante, yo podía responder extrañado: ¿Cómo es posible, si en la ocasión tal o cual afirme lo contrario?. Nadie puede hacerme responsable de una sola idea que no cuente con su reverso. Con la Iglesia, el ejercito, el petróleo, la reforma agraria, las formaciones especiales, la libertad de prensa, he mantenido siempre dos actitudes, dos o más planes, dos o más líneas doctrinarias: por mi naturaleza adversa a todo sectarismo y porque soy un conductor. No puedo andar midiendo las cosas con la vara de un solo dogma. Esa fue la mejor enseñanza de Schlieffen."</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
Lo que la novela de Eloy Martinez enseña es que Perón sabía como intercambiar sus diversos rostros frente a sus aliados o enemigos políticos, <b>era como el mito de Proteo,</b> todos proyectaban sobre él lo que realmente querían ver de sí mismo frente al relato, al mito, a la historia.<br />
Perón <b>es el padre severo,</b> no solo fue el tótem de esa horda ruidosa y sucia (según las voces que descalifican al movimiento) sino del país todo, ya sea por admiración o rechazo el espectro del General sigue sobrevolando el imaginario del pueblo, como <b>el padre de Hamlet</b> sigue ordenando un sacrificio imposible, dentro de un pensamiento que se rige paranoico, hay que recordar que el padre de Hamlet fue muerto por las telarañas de su tío y las veintes verdades peronistas enuncia en su mandato número 6: <b><i>Para un peronista de bien, no puede haber nada mejor que otro</i></b> <b><i>peronista</i></b>, o sea hay que tener cuidado sobre todo de las personas allegadas, hay que resguardarse de los supuestos peronistas amigos o parientes, que camuflados pueden conspirar en el movimiento, que fue la lógica inclaudicable y feróz que no tardó en usar la Triple A como su razón de ser.<br />
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Hay que recordar que Tomás Eloy Martinez fue un reputado periodista, y la base de su novela son varias entrevistas que realizo el autor al General <i style="font-weight: bold;">"El primero tuvo lugar en junio de 1966, y luego se sumaron otras cuatro jornadas, entre el 26 y el 29 de marzo de 1970". </i><b>(4)</b><i style="font-weight: bold;"> </i>No se trata como el caso de <b>Rodolfo Walsh</b> o el de <b>Truman Capote</b> del tramposo género de la <b>"no fiction"</b>, sino de cómo <b>el</b> <b>entretejido de la realidad se entremezcla con la ficción</b>, y esto no es solo un ejercicio de voluntad del escritor sino que la misma simiente de la leyenda peronista fue construyendo <b>un relato más grande que la vida misma,</b> para sustentar la supuestas verdades del General.<br />
Por eso el autor es un personaje secundario en la novela, que aparece con su mismo nombre, no hay nada que ocultar parece decirnos desde su estrategia compositiva, porque el hombre propone pero la historia siempre dispone el lugar que le corresponde a cada uno.<br />
Zamora es un periodista que busca <b>entre-vistar</b> a Tomás Eloy Martinez para tratar de entender que extraño sueño está viviendo el país con la vuelta de Juan Domingo Perón.<br />
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<i><b>"HE CONTADO MUCHAS VECES ESTÁ HISTORIA, pero nunca en primera persona, Zamora. No sé qué oscuro instinto defensivo me ha hecho tomar distancia de mí, hablar de mí como si fuera otro. Ya es tiempo de mostrarme tal como soy, de sacar mis flaquezas a la interperie (...) El es una interminable contradicción de la naturaleza, un cuerpo de oso con hocico de búho, una cosecha de trigo en el mar. Carece de dibujo. Es un hombre de mercurio. Creo conocerlo bien y sin embargo llevo más de siete años desconociéndolo".</b></i><br />
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<i><b><br /></b></i>
Lo que la inclusión del autor pone en primera plano es la problemática que atraviesa la confección de estas páginas, <b>que tiene que ver con el orden de la verdad y sus diversas sustracciones</b> justamente en nombre de la verdad, el peronismo como tal, como fenómeno y movimiento fue una bomba que estalló, desde el primer momento en que apareció en la escena política, y su fuerza expansiva <b>todavía</b> <b>sigue modificando la percepción que tenemos de nuestro presente</b>, y que en la novela, nos muestra y de-muestra que en ese año aciago y extraño, el mismísimo Perón comenzaba a perder la referencia de su misma voz, de sus palabras, ese tesoro tan codiciado se le escapaba.<br />
Porque descubría que <b>otro hablaba a través de él</b>: el brujo en su obra maestra de superchería podría ser una respuesta, pero nadie lo sabe, tan solo se percibe los efectos de ese desencuentro entre el Perón que el pueblo supo querer y ese viejo triste y cansado, que llego para agotar sus fuerzas en el país que lo vio nacer como tal.<br />
<br />
<b><i>"Voy a seguir contándole todo en primera persona porque ya es hora de que las máscaras bajen la guardia, Zamora. El periodismo es una profesión maldita. Se vive a través de, se siente con, se escribe para. Como los actores: representando ayer al guapo del 900 y anteayer a Perón. Punto y aparte. Por una vez voy a ser el personaje principal de mi vida. No sé cómo. Quiero contar lo no escrito, limpiarme de lo no contado, desarmarme de la historia para poder armarme al fin con la verdad. Y ya lo ve Zamora: ni siquiera sé por dónde comenzar".</i></b><br />
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<b><i><br /></i></b>
De más está decir que eso no escrito, esas entrelíneas que Tomas Eloy Martinez busca develar es la propia naturaleza de su novela, en los márgenes de la historia con mayúsculas se desarrolla esta <b>historia verídica por sus afectos y por algunos datos cronológicos, pero fantástica por su verdad.</b><br />
Una verdad que encuentra su huella, el peso de lo contado en el barro de la ficción, y lo que nos queda de esa marca, es hiriente por su misma contradicción y espeluznante para el mito peronista, porque lo que se terminó engendrando en esos años que el movimiento estaba proscripto y el mundo iba cambiando su órbita de intereses, es su peor rostro el : <b>LópezRegismo</b> que hizo, deshizo y asesinó a mansalva en nombre de su propia megalomanía que la quiso confundir con la del General.<br />
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Como carecía de un linaje político la construcción de José Lopez Rega como personaje para usurpar su lugar en los hechos, y en los destinos en juego, fue la de crear a su modo un linaje espiritual mezclando a su antojo relatos de la<b> Escuela Científica Basilio</b>, de la cual la misma<b> Isabel Martinez de Perón</b> fue más que simpatizante, con los diferentes y múltiples relatos que alimentaron la imaginación del poder en el siglo XX, con el ocultismo, la brujería, la magia negra, blanca, los designios astrales, la reencarnación y toda la paranoia que el mismo lugar de poder (ese espacio vació) segrega en beneficio propio constantemente, para descabezar a los oportunistas y poner en guardia a los ambiciosos.<br />
La Triple A fue <b>un espanto en el amor peronista</b>, un espanto que desató una verdadera caza de brujas, que persiguió, mató y preparó el terreno de manera magistral para la dictadura que vino después, la Triple A fue beneficioso para el imperante orden mundial, mucho se ha especulado si Lopéz Rega era un agente de la CIA, pero si fue o no el resultado es el mismo, <b>la sistemática</b> <b>destrucción de lo diferente</b>, de lo realmente "otro".<br />
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<b><i>"Por fin, logró ver al General, enhiesto, saludable, sin mella del largo viaje. Se había compuesto el pelo con una capa de gomina. Estaba sentado en un sillón imperial, y apenas se movía. López Rega, de pie, un paso atrás, apoyaba las manos en el respaldo (...) Aunque el discurso era improvisado, López parecía seguirlo con los labios sin dificultad (...) Uno de los hombres se dio cuenta que los labios de López se adelantaban al discurso.</i></b><br />
<b><i>Fijensé bien -musitó-. Al General lo están arreando.</i></b><br />
<b><i>Volvió a ocurrir. En la boca del secretario se leyó: </i>...y me gustará ver a los jujeños en Jujuy"<i> una fracción de segundo antes de que la frase brotara de la garganta del General (...) El desencanto cayó sobre la gente como una enfermedad instantánea. Una de las mujeres se apartó llorando del televisor y fue a recostarse junto a los braseros. Otras empezaron a calentar la comida de los chicos. La casa entera quedó suspendida en ese abismo que hay entre la indiferencia y el estallido, hasta que uno de los campesinos se alzó por fin y dijo sereno, irrefutable:</i></b><br />
<b><i>-Ese hombre no puede ser Perón.</i></b><br />
<b><i>-No puede ser- aprobaron las mujeres.</i></b><br />
<b><i>-Cuando Perón se enteré de lo que está pasando, volverá- dijo el campesino.</i></b><br />
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<b><i><br /></i></b>
El final de la novela es amargo, el periodista llamado Zamora ve el discurso del General y comprueba que Perón ya no es Perón, o es a fin de cuentas el que siempre fue, alguien que a lo largo de sus años fue creando su espacio de poder a fuerza de chanzas, entretejidos oscuros, demagogia, beneficios y castigos, direccionando lo que buscaba direccionar, es decir las voluntades obreras que buscaban emanciparse en ese particular momento histórico, a un sentido mayor, a un mito que <b>ahunara las</b> <b>diferencias y profundizara el amor hacia ese líder que supo ser</b>; ese padre estricto pero tierno, iracundo pero justiciero, divino, pero humano <b>desconcertantemente humano</b>, demasiado humano en sus contradicciones, sus contra-indicaciones, contra-venciones que ya no eran de él, porque en el fondo <b>quizás su destino fue el de no ser nadie</b>, tan solo una oportuna pantalla donde todos proyectaron su propia película y aunque el mundo haya cambiado su geografía geopolítica, el mito peronista en la conformación de los relatos del mundo, <b>todavía tiene mucho para decirnos a nosotros</b>, su legado de hijos conocidos y no reconocidos.<br />
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La Novela de Perón fue originariamente publicada en 1985.<br />
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<b>1- Para un repaso biográfico de Tomás Eloy Martinez </b><a href="https://www.escritores.org/biografias/2070-juarroz-roberto">https://www.escritores.org/biografias/2070-juarroz-roberto</a><br />
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<b>2-Un buen documento sobre la Masacre de Ezeiza se puede ver en ese enlace </b><a href="https://www.youtube.com/watch?v=2Zaoq-nrM00&t=9s">https://www.youtube.com/watch?v=2Zaoq-nrM00&t=9s</a><br />
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<b>3-Para entender la conformación de la Triple A mirar </b><a href="https://www.youtube.com/watch?v=p_OlCEhYMaE&t=1121s">https://www.youtube.com/watch?v=p_OlCEhYMaE&t=1121s</a><br />
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<b>4- Cita extraída de la Fundación Eloy Martinez </b><a href="http://fundaciontem.org/las-voces-de-la-memoria-el-encuentro-entre-tomas-eloy-martinez-y-peron-en-puerta-de-hierro/">http://fundaciontem.org/las-voces-de-la-memoria-el-encuentro-entre-tomas-eloy-martinez-y-peron-en-puerta-de-hierro/</a><br />
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<br />Luis Ortelladohttp://www.blogger.com/profile/14876361558949662947noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2494870625295851170.post-12028503309139929452019-09-30T07:21:00.000-07:002019-10-04T08:55:31.275-07:00El Filósofo y El Presidente (historia de una amistad)<br />
En el año 2011 se editó un libro con un nombre muy sencillo: <b>"El Flaco"</b> que a la luz de los hechos políticos en la actualidad, quizás pueda arrojar otro tipo de mirada sobre los acontecimientos que se desarrollaron en el país, desde el 2003 en adelante. El Flaco tiene como subtítulo <b>"Diálogos</b> <b>irreverentes con Néstor Kirchner"</b> y el autor de esta suerte de entrevistas (por decirlo de alguna manera) es <b>José Pablo Feinman (1)</b> escritor, filósofo, polemista, guionista y dramaturgo, alguien con opiniones fuertes, controvertido, y poco dado a la modestia.<br />
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<br />
Si hay algo que caracteriza a Feinman para bien o para mal, es que generalmente sus libros son <b>la</b> <b>exasperación de lo autoreferencial</b>, el autor nunca se corre del eje de la cuestión, siempre está presente zumbando sus opiniones y disgresiones, y el Flaco no es la excepción, de hecho con justicia se puede afirmar que este primerísimo primer plano del autor, no enturbia tanto la economía del libro, porque más que un libro sobre Kirchner, <b>es sobre la relación y breve amistad</b> (si se quiere) que tuvieron el filósofo y el ex-presidente.<br />
<br />
Esta a mi juicio es la parte más valiosa del libro, el retrato de esta relación, ahí en ese terreno donde <b>lo vivencial convive con la formación ideológica de los protagonistas</b>, es donde se ve lo más valedero de este texto, que es un homenaje sentido a Nestor Kirchner, porque el libro termina con su repentina muerte, el Flaco tan solo es cronológico en algunas partes, lo que si lo es fuertemente, es la impresión que José Pablo Feinman va teniendo de nuestro ex presidente en ese primer tiempo de su mandato.<br />
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<br />
Nestor Kirchner habrá sido dentro de la historia política de nuestro país, <b>el presidente menos</b> <b>esperado</b>, el más sorprendente en algún punto,porque de alguna manera todos pensaron que quizás el gobierno de Nestor iba a ser el realidad el gobierno de<b> Duhalde</b>, de hecho era presentado como su protegido, y de manera aún más despectiva <b>"Su Chirolita"</b>, impresión que no tardaría en cambiar cuando declararía sus principios políticos y éticos en su discurso de asunción como presidente.<br />
Habría que poner las cosas en contexto, Nestor Kirchner asume cuando el país literalmente <b>estaba en</b> <b>llamas a nivel constitucional y social.</b> <b>De la Rúa</b> el último presidente electo se había fugado en helicóptero mientras en las calles la represión, los saqueos y la muerte habían cobrado protagonismo.<br />
<br />
Pero Nestor Kirchner no llega a la presidencia porque ganó limpiamente las elecciones, sino porque <b>Menem se bajo del ballotage</b> que lo tenía como ganador en la primera vuelta, este hecho fortuito de las causas y los efectos tendrá como consecuencia a un presidente que asume con <b>solo el 22% de los votos</b>, algo que a primera vista parecería la asunción de un gobierno débil, frágil y totalmente vulnerable, se transformó en el tiempo en <b>la consolidación de una política </b>que prontamente hizo historia en el nuevo milenio del país.<br />
José Pablo Feinman comienza su vínculo sin sospechar su incidencia con el nuevo presidente, escribiendo sobre él en una nota en el diario<b> Página 12</b> (diario del cual es más que un habitual colaborador), todavía como todo el mundo el autor de este libro desconocía a Kirchner, el texto escrito salió al calor de la simpatía que el filósofo, escritor y polemista le fue teniendo como casi toda la sociedad argentina hacia el nuevo presidente.<br />
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<br />
<b>"Un flaco como cualquier otro"</b>, se llamaba la nota, un escrito de bienvenida que analizaba muy bien el estado de situación de Néstor Kirchner, <b>su encrucijada</b> frente al abandono de Menem y el respaldo de Duhalde.<br />
<br />
<b><i>"De modo que el Flaco se pregunta qué tiene y tiene dos cosas: el frío patagónico y el aparato de Duhalde. Llega con dos cosas. Se banca lo de Chirolita y empuja. Por fin, gana. Pero por descarte. Gana porque el Otro, el Gran Embaucador, se va. O sea, el Flaco, que llego como Chirolita, que llego por medio de Otro, del Gran Caudillo Bonaerense, gana por defección del otro (...) Llegué porque Otro me hizo llegar y gané porque Otro decidió perder. Entonces en esta feroz encrucijada, el Flaco toma la decisión de su vida. Decide inventarse"</i></b><br />
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<b><i><br /></i></b>
La Invención de este Flaco tal como lo describe Feimman comienza de manera frontal en su discurso <b>de asunción a la presidencia (2)</b> ahí en ese terreno lleno de retóricas, rituales soporíferos, y burocracias patrióticas, Nestor descolla con <b>un discurso fuertemente combativo al establisment local</b>, toda una declaración de principios que pone sobre aviso al atavismo reaccionario de la derecha más recalcitrante, tal como lo expreso (en su momento) <b>Mirta Legrand</b> que un programa especial invita al reciente presidente electo y a su primera dama.<br />
Feinmam en su libro se encarga de reproducir esta insólita charla, una verdadera dimensión desconocida para este presente.<br />
<br />
<b><i>"-¿Saben lo que se dice? ¡Se viene el zurdaje!</i></b><br />
<b><i>Cristina reacciona casi de un salto. Con claro fastidio, dice: </i></b><br />
<b><i>- ¡Ay esa palabra!</i></b><br />
<b><i>Más sereno, Néstor dice:</i></b><br />
<b><i>-Señora, esa palabra ha costado más de treinta mil vidas en la Argentina.</i></b><br />
<b><i>(...)</i></b><br />
<b><i>-Bueno, igual un poco de zurdaje no le va a venir mal al país en el estado en que está. Hay tanta pobreza, ¿No?"</i></b><br />
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<b><i><br /></i></b>
Con mucha perspicacia José Pablo Feinman en su libro subraya: <b><i>" La Señora que Almuerza ha concedido que es el "zurdaje" el que se preocupa por la pobreza. Que los otros, sus amigos, los empresarios, los militares, los estancieros, no".</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
Si hay algo que queda claro desde entrada es que el libro, la mirada que tiene el filósofo sobre el presidente no es para nada obsecuente, hay una visión crítica que todo el tiempo <b>está horadando las</b> <b>diferencias entre el intelectual y el político.</b><br />
Esta distancia es la que ejerce Feinmam en todo su libro, pero esto no impide su conmoción cuando escucha el discurso de asunción presidencial, esto no impide que se vaya dejando ganar por una voz, que de alguna manera la va involucrando en la caja de resonancia de la historia.<br />
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<br />
<b><i>"La primera frase que me llamó la atención fue: Sabemos a dónde vamos y sabemos a dónde no queremos ir o volver. Antes de esta frase había notado y lamentado que el Flaco leyera y que su dicción fuera endeble. No era endeble, en cambio, el modo en que decía su discurso. Tenía firmeza, convicción, el tipo era, a todas luces, un apasionado (...) Este tipo venía a enfrentar al neoliberalismo. Venía a poner la política sobre el tapete. La política, esa gran negada durante la década anterior, sometida descaradamente a la economía (...) Dijo: Sabemos que el mercado organiza económicamente, pero no articula socialmente, debemos hacer que el Estado ponga igualdad allí donde el mercado excluye y abandona."</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
Con la presidencia de Néstor Kirchner comienza a aparecer una figura que fue ninguneada por la gestión anterior, <b>esta figura es la del "Estado"</b>, como bien lo señala el libro este desaparición del estado no comienza con Menem sino que es la consecuencia más directa del ministro de economía <b>Álvaro Alsogaray ex-funcionario del gobierno cívico militar</b>, principal artífice del placebo (para la case media (cuando no) de <b>"la plata dulce"</b>, con Álvaro Alsogaray se hizo famoso ese eslogan reproducido en una calco de la época <b>"Achicar el estado, es agrandar la Nación"</b>.<br />
Este es el principal foco que rescatará Feinman, esta es la problemática que instala el gobierno de Néstor y estas son las consideraciones que saca el autor luego de escuchar este primer párrafo del discurso presidencial.<br />
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<br />
<b><i>"Es el Estado el que debe actuar como el gran reparador de las desigualdades sociales en un trabajo permanente de inclusión y creando oportunidades a partir del fortalecimiento de la posibilidad de acceso a la educación, la salud, la vivienda, promoviendo el progreso social basado en el esfuerzo y el trabajo de cada uno. Es el Estado el que debe viabilizar los derechos constitucionales protegiendo a los sectores más vulnerables (...) El Estado es la herramienta de la política. El Estado debe intervenir en la economía".</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
Pero el momento que lo incluyó (de manera inesperada) al autor de este libro y de alguna manera lo vinculó con su propio derrotero personal, fue cuando <b>el discurso presidencial asume un lugar</b> que hace explícita su posición moral.<br />
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<br />
<b><i>"Formo parte de una generación diezmada, castigada con dolorosas ausencias; me sumé a las luchas políticas creyendo en valores y convicciones a las que no pienso dejar en la puerta de entrada a la Casa Rosada. No creo en el axioma de que cuando se gobierna se cambia convicción por pragmatismo. Eso constituye, en verdad, un ejercicio de hipocrecía y cinismo. Soñé toda mi vida que este, nuestro país, se podía cambiar para bien. Llegamos sin rencores, pero con memoria. Memoria no sólo de los errores y horrores del otro, sino también memoria sobre nuestras propias equivocaciones. Memoria sin rencor que es aprendizaje político, balance histórico, y desafío actual de gestión".</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
El discurso de asunción presidencial se podría resumir en dos puntos importantes, el primero es El Estado por encima de la economía, y el rescate de las luchas políticas de la década del 70, <b>la épica de la militancia</b>, que después se transformará en una <b>política sobre los Derechos Humanos</b>, estos dos ejes atravesaran toda la gestión de Néstor Kirchner que fue sobre todo criticada por lo último, porque para José Pablo Feinman como bien lo expresa en este libro, <b>la guerra sucia</b> que aconteció en la dictadura cívico militar encontró otra manera de ser en los medios hegemónicos que hicieron una verdadera guerra de información a los sucesivos gobiernos Kirchneristas, para restarles convicción, manipular datos, inventar causas, a fin de cuentas todo se reduce a tirar pescado podrido en la opinión pública.<br />
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<br />
<b><i>"Ya sabemos que "el periodismo" dirá después que nos tiró el anzuelo de los 70 y los derechos humanos para pescarnos (...) Bueno, es evidente: que nosotros somos medios pelotudos, digo. Nos tiran dos o tres cosas y ahí vamos, y nos creemos todo, y justificamos todo, y perdemos la conciencia crítica que sostuvimos toda una vida".</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
Sería largo e inútil de relatar los pormenores que posibilitaron el encuentro del filósofo con el presidente, pero fue por persistencia de este último que se encontraron e iniciaron esta suerte de intercambio cariñoso, picante y crítico en sus momentos más álgidos, fueron varios, no muchos pero fundamentales para entender como funciona la política y la vida intelectual frente a la contingencia de los hechos, en su primer encuentro sostienen este diálogo que definirá la relación. <b>El presidente</b> <b>todo el tiempo buscará acercarse</b> a Feinman, le pedirá en sus estilo campechano y directo que lo tuteé para dirimir las distancias de las miradas y posiciones, distancia (como ya dije) que el filósofo tratará de mantener todo el tiempo.<br />
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<br />
<b><i>"</i></b><i><b>-Decime Néstor</b></i>.<br />
<b><i>Me agarra del brazo y vamos caminando hacia la salida.</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
<b><i>-Mirá, hay que empezar de cero. El país está destruido. Pero en serio. Destruido. Hay que remontar treinta años de fracasos. No hay Estado. Sin un Estado fuerte, ¿qué puede hacer un gobierno popular?</i></b><br />
<i><b>(...)</b></i><br />
<b><i>-Nada, la economía no es nuestra. Nunca fue nuestra. La economía es de las clases poderosas y de los socios externos. Que son titánicos. Lo único que podemos tener es la política. Y lo que hay que llevar al centro de la escena es la política. Desplazar la economía.</i></b><br />
<b><i>-Acá, la derrotada fue la política. Esa gran tarea la hizo el menemismo. Subordinar la política a la economía. ¿No lo decía Perón eso? Poner la economía al servicio del pueblo.</i></b><br />
<b><i>-Sí, aunque creo que hay que olvidarse de Perón. De Perón y del peronismo. Hay que hacer algo nuevo. Todavía está vivo el espíritu militante de las asambleas. Las de 2001, las de 2002. ¿Te digo una frase que escribí en un libro que publiqué en los setenta? Es sobre la economía.</i></b><br />
<b><i>-Dale.</i></b><br />
<b><i>-Los países periféricos no tienen economía, la economía la tienen ellos (...) No te dije la conclusión de mi frase: los países periféricos no tienen economía, la economía la tienen ellos. Lo único que tienen es la política. Tenemos que ver bien qué es la política. Qué es la política hoy. Cualquier cosa menos la violencia. No hay peor política que la violencia.</i></b><br />
<b><i>-No te preocupes por eso. Yo no le voy a pegar a nadie. Y menos que nadie a los piqueteros. Nada de represión bajo mi Gobierno. Mirá, hasta pienso largar a la polícía sin armas. Y a cada cana ponerles el nombre en la chaqueta.</i></b><br />
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</div>
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</div>
<br />
En un momento de esta primera charla Kirchner tratará de tentarlo a Feinman para que colaboré con su gobierno y el autor de este libro pone las cartas sobre la mesa, cartas que para él son inflexibles y fundamentales.<br />
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<br />
<b><i>-En serio te digo. ¿Dónde podrías estar?</i></b><br />
<b><i>-No, Néstor. Yo no sirvo para funcionario.</i></b><br />
<b><i>-¿Ni de asesor te puedo tenér?</i></b><br />
<b><i>-Pero si me pongo de asesor tuyo voy a perder mi credibilidad. Los que me leen creen en mi palabra. Pero porque es la mía. Si te asesoro, mi palabra va a ser la tuya.</i></b><br />
<b><i>(...)</i></b><br />
<b><i>-¿Tanto te importa ser un intelectual independiente? ¿No es más importante sumarte a un proyecto colectivo?.</i></b><br />
El encuentro del intelectual con el presidente, expone al primero frente al <b>"qué hacer de la política"</b>, en las decisiones diarias, en un estado de situación del país francamente jodido después del 2001, en el relato de Feinman cuenta que a Néstor (por lo menos en esos primeros meses) lo que más lo pre-ocupaba era el tema de<b> El Poder</b>, cómo verse fuerte siendo que fue el presidente que asumió con el menos porcentaje de votos de la historia,<br />
<b><i>"Cuando se hablaba de "tomar el poder". Todo el tiempo todo el mundo hablaba de tomar el poder. Y yo decía: el poder no se toma, se crea. Quería decir: para tomar el poder hay que tener un poder superior al del poder. Ese poder ¿de dónde sale? El poder que toma el poder ¿Cómo se construye? (...) Creo que el tema es cómo se construye el poder. Vos necesitas hacerlo urgentemente. ¿Qué poder tenés? 22% de los votos. Y una sociedad que quiere un poco de sosiego. Pero todos los lobos están intactos. No les pasó nada. No perdieron ni un peso. </i></b><br />
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<b><i><br /></i></b>
Lo que sigue a continuación es una clara muestra de las diferencias y el calibre distinto de la labor intelectual y la política, en esa línea de tensión se sostuvo hasta donde se pudo este peculiar vínculo.<br />
Feinman señala y sugiere que el poder se crea en <b>los medios</b>.<br />
<b><i>"No tengo nada ahí. Tengo que moverme rápido o me van a hacer puré. ¿Cómo se construye el poder hoy? (...) Tomá el caso de Tinelli. Ese tipo es un gran comunicador.</i></b><br />
<b><i>-Y un gran hijo de puta.</i></b><br />
<b><i>-Perdoname, pero ésa es una respuesta típica de un intelectual.</i></b><br />
<b><i>-Es un juicio ético. Si me decís que hoy hacer política es dejar de lado la ética, te entiendo. No sé si te sigo, pero te entiendo.</i></b><br />
<b><i>-Deja de lado si Tinelli es un hijo de puta o no. Yo te pregunto:¿comunica?.</i></b><br />
<b><i>-Lo hace bien.</i></b><br />
<b><i>-¿De qué lado lo querés? ¿Del nuestro o en la vereda de enfrente?</i></b><br />
<b><i>-No lo quiero en níngún lado.</i></b><br />
<b><i>-Eso es negar la realidad. El tipo está. Está donde está y es por algo.</i></b><br />
<b><i>-Porque es un hijo de puta.</i></b><br />
<b><i>-¿Y? ¿Con eso que hago? ¿Doy un discurso y se lo digo? "La Argentina no tiene futuro porque Tinelli es un hijo de puta" ¿Eso le digo?</i></b><br />
<b><i>-Sé a dónde vas. Hay que negociar con Tinelli. Habrá que comprarlo.</i></b><br />
<b><i>-Comparlo no lo vas a comprar. Tiene más guita que el Estado argentino. Es nuestro pequeño Berlusconi.</i></b><br />
<b><i>-Todo el poder mediático es Berlusconi. Tinelli y todos los demás. Son todos menemistas. Todos fachos (...) Hoy, en la Argentina, el sentido común es fascista.</i></b><br />
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<b><i><br /></i></b>
La problemática de los intelectuales y la política <b>no deja de ser una cuestión opaca</b>, no hay demasiado brillos, <b>si muchos fracasos y desencuentros</b> , salvo algunas contadas excepciones, porque el sentido del trabajo intelectual en su aspecto más específico<b> es ir al fondo</b>, desmontado los mecanismo y las funciones de los aparatos ideológicos, y la función de la política es la de <b>crear alianzas</b>, generar estrategias, enhebrar aliados, (aunque sean de la oposición), generar consenso. Por eso la relación entre estas dos personalidades fue consecuente e intensa en sus posiciones, creo, que este intercambio sirvió para calibrar las verdades, y confirmar lo inevitable.<br />
Feinman de acuerdo a su credo y a su experiencia, le propone algo realmente radical a Kirschner.<br />
<b><i>"Néstor, hay una decisión que tenés que tomar. Si querés, claro. Pero es la base, es el punto de partida de todo. Tenés que abrir una nueva etapa histórica. Tenés que romper con el peronismo. Vi en algunos actos tuyos y vi con alegría que no había fotos de Perón, una que otra de Evita. El peronismo es la antipolítica. Nada nuevo puede salir ahí. Es un aparato. Nada más. Un aparato es una pura inercia (...) Se mueve por la guita. Por las ambiciones sin contenido de los corruptos, de los aventureros. Un aparato es una cosa. Es una piedra. No va a cambiar nunca. Tenés -es mi opinión, eh- que crear un partido de centro izquierda. Las bases ya están. Son los asambleístas de 2001, de 2002. Se quedaron huérfanos porque se jugaron a la política sin conducción (...) No hay políticas sin jefes. Ahora vos tenés el Estado. Con esa base y el Estado se puede crear algo nuevo. Una nueva forma de hacer política. Alejada de las mafias. De los mafiosos. Con gente nueva.</i></b><br />
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<br />
Más adelante en este capítulo donde esta citado el párrafo anterior, la conversación continua, a José Pablo Feinman le gustan las disgresiones, irse por las ramas para volver sobre el punto, la respuesta de Néstor Kirchner acentúa las diferencias pero repara en la posibilidad.<br />
<b><i>"A mi me interesa eso. Y lo voy a intentar. Sobre la marcha se verá cómo viene la mano. Para hacerlo voy a tener que hablar con todos. La política es eso, eh. La política es no hacerlo asco nada". </i></b><br />
<br />
Se podría afirmar que el gobierno de Néstor y los dos consiguientes de Cristina, marcaron un antes y un después la escena política local y ni hablar de la latinoamericana con los gobiernos contemporáneos de <b>Lula, Chávez, Evo Morales, Correa,</b> que hicieron del hemisferio sur una potencia temible a nivel político, pero volviendo a Néstor Kirchner es inevitable no comparar su efecto con el de <b>Juan Domingo Perón</b>, ese fantasma persistente e insidioso de nuestro pasado político nacional, para Feinman los contrastes con el fundador del partido más longevo y contradictorio son muy notorias en las maneras, en las formas de hacer y de decir.<br />
<b><i>"Kirchner fue siempre mucho más claro, menos tortuoso, más directo, más sincero, más apasionado. Perón podía enfurecerse y decir discursos como el del 31 de agosto de 1955 o el del 1 de mayo de 1974, pero no tenía pasión. A Kirschner le brotaba por todos y cada uno de los poros. Kirchner siempre tuvo una palabra. Nunca jugó al penduleo. Nunca parraleó. Para Perón sí era sí pero podía ser no. No era no pero podía ser sí. Kirchner se ubica más en la línea de frontal sinceramiento de Evita: sí es sí, no es no. Nunca pretendió ser el Padre Eterno. Era demasiado terrenal".</i></b><br />
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<br />
Pero el principal problema para José Pablo Feinman es cuando Kirchner pone toda sus fichas en sacarle <b>el aparato político</b> a Duhade, porque buscaba (claro está) afianzar su posición cosa que el presidente no tendrá problemas en poner sobre aviso sobre su accionar.<br />
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<b><i>"-Oíme, hablando de portarse bien. Yo voy a tener que hacer cosas que no te van a gustar. Ni a vos ni a los intelectuales que me traigas. La política tiene eso, es impura.</i></b><br />
<b><i>-Cuando hagas esas cosas yo te voy a criticar. Los intelectuales tenemos eso. Somos puros.</i></b><br />
<b><i>-Bueno, pero no exageres".</i></b><br />
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<b><i><br /></i></b>
En este punto es donde los caminos son inconciliables, donde los límites se vuelven infranqueables, y al mismo tiempo forma parte de la misma especificidad de cada oficio, son consecuentes, pero <b>lo que más</b> <b>inquieta</b>, es la visión que se tiene de la política en este país, visión propulsada y reproducida hasta el hartazgo por la misma clase política, y eso es lo que José Pablo Feinman trataba de comunicar cada vez que podía, que en reportajes de la época decía algo que era casi un sacrilegio, <b>que Kirchner no</b> <b>era peronista</b>, en un diálogo del autor con el director de la SIDE: <b>Oscar Ucazuriaga</b> (algo francamente irreal e insólito), José Pablo, vuelve a insistir sobre lo mismo.<br />
<b><i>"Mirá, Chango, hay dos caminos. Lo nuevo o lo viejo. Lo nuevo es salir del peronismo. Es dejar de lado para siempre el modo peronista de hacer política (...) Son los campeones de mezclar la política con la guita, los sobornos, la droga, la violencia, el aparatismo, la mafia, la concepción de la vida como escalera: trepar, trepar siempre. Y la política, para eso, es lo mejor (...) Ahí está la guita fuerte. Ganate un buen puesto de poder. Se puro durante un tiempo, ganate la confianza de muchos, y trepás porque creen en vos y seguís trepando porque te siguen y siguen creyendo en vos. Y un buen día los cagas a todos y te ponés en venta".</i></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEih1MhtvbO3rcbO70bTLSWRN_NXICWBuLBUQRMjkTLNJa_eKkOWSfMgSUptFCwRdgGq7ozwTV4SV8HILoUslWGWpuc0Pjn-ImjKTzGTPXKuo197qnMWKNkuoZGyp5LVS5_GhEfmcQOTjK2E/s1600/descarga.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="160" data-original-width="315" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEih1MhtvbO3rcbO70bTLSWRN_NXICWBuLBUQRMjkTLNJa_eKkOWSfMgSUptFCwRdgGq7ozwTV4SV8HILoUslWGWpuc0Pjn-ImjKTzGTPXKuo197qnMWKNkuoZGyp5LVS5_GhEfmcQOTjK2E/s1600/descarga.jpg" /></a></div>
<b><i><br /></i></b>
Para José Pablo Feinman, Kirchner, representaba a todas luces la posibilidad de <b>desmenizar </b>al país, esa esperanza de cambiar el sentido de la política, de crear un nuevo modo, una nueva patria, una utopía a fin de cuentas, a esto se refería nuestro filósofo cuando dice (un poco en joda un poco en serio) que los intelectuales son puros, la mirada del intelectual siempre es una mirada calibrada por la ética de las causas y los efectos, por eso no le cayo en gracia cuando se enteró de que Kirchner iba por el aparato político de Duhalde. Porque es un terreno cenagoso y traicionero, un lugar donde es muy fácil perderse y ser vampirizado por el aparato, <b>un lugar donde se justifican todos los males </b>en nombre de la democracia o algún otro bien simbólico que haga olvidar rápido la incomodidad de las manos sucias y calme un poco el aguijón de la conciencia. No hay manera de justificarse ahí, no hay manera de salir ileso y a eso temía con justicia José Pablo Feinman, pero no Kirchner, por eso fue político, era su manera de ser y de respirar, por eso no le tembló el pulso a la hora de conquistarlo..<br />
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El Flaco, Diálogos irreverentes con Néstor Kirchner, es un libro<b> inagotable en su riqueza</b>, en su confrontación, <b>en su terrible verdad</b>, aún con toda la vanidad del autor, el libro sobrevive a su propia condición por la manera en que se exponen los temas: <b>El Poder, El populismo, El Estado, La Política, Los Políticos, La Democracia, La Oligarquía, El Imperialismo y los fantasmas engorrosos</b> y sangrientos de nuestro país, que como el fantasma de Hamlet, siempre exigen una demanda imposible, y temible por sus actos.<br />
La relación entre Néstor y José Pablo no podía durar mucho por su misma naturaleza, los dos iban hasta el fondo de todas las cuestiones, los dos encontraron en el otro al interlocutor necesario y valioso, ese que no miente, ni da concesiones, ese que a riesgo de perderlo todo se juega por sostener sus convicciones.<br />
<br />
La relación encuentra su punto final en <b>un intercambio de mails</b>, que el autor generosamente comparte al final del libro, en el deja ver lo que ya era claro desde el principio, las distancias, las diferencias y los lugares en los cuales se juegan las posiciones, las posturas y la contingencia de lo real. Uno de los puntos sensibles que el presidente recrimina con todo respeto al intelectual, es que no valore los avances de su gestión, como si no tuviera en cuenta en la tierra arrasada en que se había convertido la Argentina después del 2001. El mail del presidente no es iracundo, posee una soterrada tristeza que recorre cada palabra, es humilde, no combate, no hay enojo, le habla de igual a igual, sigue manteniendo esa misma cercanía que siempre buscó con José Pablo al cual se permite decirle.<br />
<b>"A veces sos un intelectual brillante y otras veces opaco. Pero no olvides que también fuiste un militante político y como tal merecés un análisis más profundo y piadoso, pero siempre con los pies en la tierra (...) Mi compromiso es el de siempre: gobernar, trabajar y administrar. Creo firmemente en mis convicciones y trato de llevarlas adelante con todas mis fuerzas, en el marco de la realidad que nos toca vivir. Los problemas de los argentinos no se resuelven a vendavales, sino gestionando todos los días. Por eso creo que vos y yo no pensamos tan diferente, sino que tenés miedo. Miedo de que te confundan, porque creés que la individualidad te va a preservar. Pero no te olvides que pertenecemos a una generación que siempre creyó en en las construcciones colectivas. Las individualidad te pondrá en el firmamento, pero solo en las construcción colectiva nos reivindicará frente a la historia. Al fin y al cabo todos somos pasantes de la historia".</b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiqzJzyT5K4FUQOuYvHmc070Jb27J-qjQ7UfIbZK5zgryq1IGGJRaMbG0ZG5jTANQg2q3f7anb4ZOeVYzi2t9gSj5L9qlslaFck5klUMGMK8oDA0gk7AYC-svn0fdWNUwE3iWMduc0lpRd/s1600/493c446273ec721d80d7ea5531a30a60.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="377" data-original-width="236" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiqzJzyT5K4FUQOuYvHmc070Jb27J-qjQ7UfIbZK5zgryq1IGGJRaMbG0ZG5jTANQg2q3f7anb4ZOeVYzi2t9gSj5L9qlslaFck5klUMGMK8oDA0gk7AYC-svn0fdWNUwE3iWMduc0lpRd/s320/493c446273ec721d80d7ea5531a30a60.jpg" width="200" /></a></div>
<b><br /></b> El incordio de Kircher fue por una entrevista a Feinman donde este no fue condescendiente con su gestión, en este punto es bueno recordar para socabar los prejuicios de que el autor de este libro nunca fue Kirchnerista, en todo caso, acompaño con una simpatía crítica al gobierno por eso vuelve a recalcar en ese mail de inevitable despedida su postura como intelectual.<br />
<b><i>"Néstor: yo no puedo escribir para el público de Página solamente: esos lectores ya están convencidos. Tengo que volverme "creible" para que la derecha me escuche (...) Pero si soy visualizado como un "Kirchnerista" pierdo credibilidad. No sirvo para nada. No "te" sirvo para nada. A veces tengo que criticarte para meter lo esencial que quiero decir. Que siempre es a favor tuyo. De tu gobierno. Si esta metodología es equivocada la voy a revisar, pero es la misma que utiliza Página que, como yo, pierde credibilidad cuando los tantos cretinos que hay en esta tierra la llaman el Boletin Oficial".</i></b><br />
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Es muy compleja esa línea entre la obsecuencia y la crítica, más aún teniendo en cuenta que la crítica en nuestro país siempre tuvo mala prensa como también la política en sí misma, lo que si abunda es <b>una política de la obsecuencia </b>-ya sea por favores brindados o por favores esperados- decir algo en nombre propio, poner el cuerpo por la palabra como lo hizo a viva voz nuestro ex-presidente o como lo hace constantemente José Pablo Feinman implica un riesgo que nadie quiere tomar, porque es un terreno errático, uno se puede equivocar y a lo grande, pero esas son las consecuencias de tomar una postura y defenderlo a rajatabla aún en contra de eso que se defiende, como en el caso de este curioso y peculiar vínculo entre <b>el filósofo y el presidente,</b> que aún a pesar de sus claros oscuros nunca dejaron de pensar ni de pensarse posibles en esta Argentina, demasiado Argentina que duele tanto como apasiona.<br />
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<b>"EL Flaco" es un libro que apareció por Editorial Planeta, en el año 2011</b><br />
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<b>1-Para ver la biografía y la abultada bibliografía de José Pablo Feinman</b> <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_Pablo_Feinmann">https://es.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_Pablo_Feinmann</a><br />
<br />
<b>2-Para ver completo el discurso de asunción presidencial</b> <a href="https://www.youtube.com/watch?v=1Zao4M3qXvw">https://www.youtube.com/watch?v=1Zao4M3qXvw</a><br />
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<br />Luis Ortelladohttp://www.blogger.com/profile/14876361558949662947noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2494870625295851170.post-69397165624319815622019-07-15T16:52:00.001-07:002019-11-27T18:02:08.110-08:00Lo realmente Otro es uno mismo (notas sobre Luna Caliente, una novela sobre el deseo)<br />
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Cuáles son los límites para que una vida de aparente normalidad, descubra que una línea muy finita, casi inexistente, es la brecha que lo separa de <b>la bestialidad humana</b>. Cuál es la consistencia de la moral frente a<b> los extremos de la experiencia</b>, de qué sirve toda la educación logocéntrica, cristiana y occidental, cuando <b>el abismo se abre en la propia subjetividad</b>, y que no sabe cómo reaccionar frente a lo inexplicable de la propia conducta.<br />
<br />
Algunas de estas cuestiones aparecen y atraviesan toda la trama de<b> "Luna Caliente"</b>(1983) una nouvelle de respiración agitada, argumento problemático, más aún en estos tiempos donde lo políticamente correcto es una nueva forma de censura, pero al autor estas cuestiones le tienen sin cuidado, lo que importan acá, es <b>hasta dónde se puede sostener el relato</b> y junto con ello, <b>la lógica que</b> <b>trata de llevar hasta las últimas consecuencias, Ramiro</b>, el personaje principal de esta historia, que detenta una enfebrecida lucidez, abrumada por su propio límite de <b>la percepción moral</b>, que calibra cómo puede, hechos que largamente exceden la norma del orden y las cosas, que la sociedad tiene establecida para sí.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdElI-2P_IhQbNO9pI_-izAqKqB5V1opuGcxlxwxbt1l50bHbQXNpFKzxK430_PBP9qMZ0kJlTMINetmgR8M38oEuz4c1qSvtrjXFubLe233vT1_d0UocQFK0LvUSq8JcwuzLmWMTh0jFd/s1600/descarga+%252827%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="183" data-original-width="275" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdElI-2P_IhQbNO9pI_-izAqKqB5V1opuGcxlxwxbt1l50bHbQXNpFKzxK430_PBP9qMZ0kJlTMINetmgR8M38oEuz4c1qSvtrjXFubLe233vT1_d0UocQFK0LvUSq8JcwuzLmWMTh0jFd/s1600/descarga+%252827%2529.jpg" /></a></div>
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Luna Caliente es un relato que prontamente <b>encuentra su verdad en el caos, la confusión, la violencia</b>, y finalmente la muerte. Pero para poder contar de manera convincente este descenso a los infiernos, el libro se apoya en <b>una prosa cristalina, una narración líneal</b>, y un poder de síntesis que sabe dosificar la información y utilizarla en función de la historia, a su manera tiene <b>la misma</b> <b>potencia de un haiku</b>, por la economía de formas, el trabajo de observación sobre los detalles aparentemente más banales y su aguda percepción sobre el constante movimiento subjetivo del personaje principal.<br />
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Luna Caliente es una novela de <b>Mempo Giardinelli</b>, (1) un escritor que hace de la escritura <b>un</b> <b>trabajo casi invisible sobre la forma</b>, alguien con mucha conciencia sobre la tradición, sus recursos y retórica, pero sobre todo un artista en el sentido pleno de la palabra, <b>que hace de la lectura una</b> <b>herramienta política.</b><br />
No en vano su nombre aparece de tanto en tanto en la escena cultural, porque este escritor chaqueño no solo dedica su tiempo a la cuestión narrativa, sino que también escribe <b>punzantes notas </b>sobre el acontecer político de este país, como también ensayos, no tiene miedo de expresar su opinión, <b>ni de</b> <b>salir dar la cara por sus ideas</b>, es un escritor comprometido pero no a la manera de Sartre, (alguien que buscaba apuntalar su tesis en su obra de ficción), sino alguien que enriquece su ficción, porque <b>sabe escuchar y atender las maneras en que funcionan los mecanismos que hacen a la realidad</b>.<br />
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<br />
El argumento de la novela es simple, Ramiro el personaje principal vuelve de una estancia larga en París al Chaco, su provincia de origen, con intensiones de trabajar, asentarse, lograr buenos contactos, ascender e incluso formar una familia, la historia no pierde tiempo ya en el primer párrafo del primer capítulo presenta el conflicto que Mempo Giardenelli desarrollará con maestría en poco más de 124 páginas.<br />
<br />
<b><i>"Sabía que iba a pasar; lo supo en cuanto la vio. Hacía muchos años que no volvía al Chaco, y en medio de tantas emociones por el reencuentro, Araceli fue un deslumbramiento. Tenía el pelo negro, largo, grueso. y un flequillo altivo que enmarcaba perfectamente su cara delgada, modiglianesca, en la que resaltaban sus ojos oscurísimos, brillantes, de mirada lánguida pero astuta. Flaca y de piernas muy largas, parecía a la vez orgullosa y azorada por esos pechitos que empezaban a explotarle bajo la blusa blanca. Ramiro la miró y supo que habría problemas: Araceli no podía tener más de trece años."</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
Si hay un género en el cual la novela se inscribe, es el de <b>la novela negra</b>, pero la diferencia que acá en este escenario sudamericano, no hay detectives, ni hechos de corrupción como foco principal de la trama, en cambio, si, hay suspenso, como también una tensión difícil de resistir para un lector ansioso, que se ve compensado en su angustia por saber, con el deseo, <b>ese ardoroso deseo que motoriza la historia</b> y es responsable de varias muertes, que obviamente se busca ocultar con mucha torpeza.<br />
Ramiro el personaje principal <b>enarbola cierta pretensión</b> de los que <b>se creen un poco más</b> por tener una educación superior, y en ese contexto provincial comienza a naufragar, porque si hay algo que el personaje no sabe de sí mismo, es hasta que punto puede llegar cuando la pasión manda, y esta entrega inconsciente -al que se ve sometido- apaga su conciencia, y lo lleva más allá de lo que su capacidad para <b>el raciocionio y el dicernimiento entre el bien, y del mal puede soportar.</b><br />
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<br />
En Luna Caliente (2) también resuenan ecos de <b>"Lolita" (1955)</b> la incandescente y polémica novela de Vladimir Nabokov, donde también el personaje principal sufría los vaivenes y la bipolaridad del deseo, para caer finalmente rendido frente a la belleza y la sensualidad de <b>una chica cuasi adolescente</b>. En las dos novelas los personajes principales acusan una educación académica que de alguna manera los acartona y<b> los expone ridículamente frente a su propia sexualidad</b> que no sabe cómo abordar lo femenino, eso que es realmente lo <i style="font-weight: bold;">otro</i> para este tipo de subjetividades.<br />
Tampoco es casual que se elijan a dos cuasi adolescentes (Lolita tiene 12, Aracéli 13) como objeto del deseo, porque justamente en esa edad en particular, es donde el cuerpo y la sensibilidad muta como una bomba química <b>potenciando todo lo que es promesa en el cuerpo de una niña para ir convirtiéndose en mujer.</b><br />
<br />
Hay que recordar que los autores son hombres, los dos apelan a sus propios límites para narrar las peripecias de sus personajes frente a lo femenino y los dos historias muestran y demuestran que el problema no esta en arrojarse a la pasión y el deseo, sino <b>en la educación moral</b>, en la estreches de miras, <b>en la ignorancia y la represión de la propia carnalidad,</b> en la manera de acercarse a la mujer que tan solo para ellos, para este tipo de personajes, tiene dos variantes: la violencia (la negación) o la sumisión (el ideal), en estas dos posibilidades la mujer no es un ser humano sino <b>una idea para adorar o destruir</b>.<br />
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<b><i>Las mujeres representan el sentido común que nos falta a los hombres, se confesó. Y eso es lo que los hombres tememos. Por desearlas y necesitarlas, les tenemos miedo. Nos causan pavor ¿o no era eso lo que había sentido frente a Araceli la otra noche?. Él Ramiro Bernárdez, el gran macho, el argentino maula que no fue capaz de alzarse una francesita en París, anoche se había convertido en un vulgar violador. Por miedo, por terror (...) ¿No le había pasado antes, con mucha mujeres? Caray, con todas, si cada mujer que había conocido en su vida había significado un minuto de terror, de pánico insoluble. Quizás eso sea el machismo, ese segundo de espanto (...) el instante de terror que nos produce reconocer su sensatez, su aparente fragilidad (...) Porque, quizás lo que nos diferencia no es solo la tenencia de un miembro unos y de vaginas otras; lo que nos diferencia es la imposibilidad de de aceptar y reconocer la diferencia. He ahí lo que rechazamos del otro sexo.</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
El deseo que despierta Aracéli, no es una anomalía en ese <b>contexto fuertemente masculinizado</b>, de hecho es la norma. Desde el padre que de alguna manera se engola con la belleza de su hija, y la piensa más como un objeto que hay que ubicar con una buena familia, pasando por Ramiro e incluso la polícía cuando se entera que este tiene una historia con ella le brinda un guiño cómplice, es decir: no esta mal tener un romance con una piba por más que sea menor de edad, después de todo según esta lógica, <b>es mejor agarrarlas a esta edad, frescas y lozanas</b> cuando todavía no son esa mujer insoportable en la que inevitablemente se van a transformar, porque ya lo sabemos, las mujeres son seres incomprensibles y necesarios. Como bien lo expresa el padre de Araceli, hablando de su matrimonio.<br />
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<b><i>-Todas las noches me escapo. Carmén es una vieja imbancable; dormir con ella es más feo que tragar una cucharada de mocos.</i></b><br />
<b><i>Río de su chiste.</i></b><br />
<b><i>-Aguantarla es más difícil que cagar en un frasquito de perfume- entusiasmado se reía, hipando procazmente-. La pobre está gastada como chupete de mellizos.</i></b><br />
<b><i>Siguió riéndose. Era una risa repulsiva.</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
Pero el problema mayor es que justamente la norma para esta masculinidad a la defensiva, <b>es la violación</b>, esto es lo que comprueba Ramiro que por más altos estudios que tenga, no puede frente a su instinto depredador, a su mandato cultural de destrucción y sometimiento de lo diferente.<br />
<br />
<b><i>Ella lo miraba, tensa, en silencio. Él se acercó lentamente hacia la cama y se sentó, sin dejar de mirarla a los ojos. penetrante, como si supiera que ésa era una manera de dominar la situación. Estiró la mano y empezó a acariciarle el muslo, suavemente , casi sin tocarla; sintió un leve estremecimiento de Araceli y apretó su mano, como para hundirla en la carne (...) -Qué divina que sos -le dijo y fue entonces que advirtió en ella el terror, el miedo que la paralizaba. Estaba a punto de gritar: tenía la boca abierta y los ojos que parecían querer salírsele de la cara (...) Y entonces él le tapo la boca con una mano, conteniendo el alarido. Forcejearon, mientras él le rogaba que no gritara, y se acostaba sobre ella, apretándola con su cuerpo, sin dejar de manosearla, besándole en el cuello y susurrándole que se callara.</i></b><br />
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<b><i><br /></i></b>
La escena de la violación forma parte del primer capitulo, <b>el</b> <b>climax del relato está al comienzo</b>, lo que sigue después para Ramiro, es una problemática de orden moral y práctico, cómo se sigue después de un hecho tan atroz, porque Ramiro no es un bruto, ni un analfabeto, ahí reside la ironía mayor para la historia, es un personaje formado por la mejores instituciones, es abogado con un futuro promisorio y la conciencia de lo acontecido es lo que llevara al personaje a tomar las peores decisiones.<br />
<br />
<b><i>¿Y por qué pensar todo esto ahora? ¿Porque el horror no era siquiera la muerte, sino la vergüenza de ser un violador? ¿Porque de pronto debía admitir que no se atrevía a salir de su cuarto, puesto que francamente se sentía un prototipo lombrosiano? ¿O porque ya, íntimamente se sentía incapaz de toda ascendencia moral? ¿O es que el honor era, nomás, una superstición como sugirió Dostoievski? (...) Entonces, el no tenía honor, no era honrado, ni siquiera un hombre. Todos los siglos de la humanidad, de ese afanoso procurar distinguir el bien del mal, se le vinieron encima.</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
Como unos de esos<b> enrevesados y crueles argumentos de los hermanos Coen</b>, la novela avanza a fuerza de tropezones y malentendidos, lo único que no se malinterpreta es la fuerza del deseo de Ramiro, pero a partir de allí comienza su perdición y la subsiguiente pesadilla de cómo procesar y <b>convivir con los hechos,</b> que se va enturbiando cada vez más por las decisiones que toma con aparente razonabilidad.<br />
Como ya lo dije, Mempo Giardinelli se ríe un poco de las pretensiones de superioridad de su personaje, se ríe bastante de su educación superior y de sus aires de sorna, de escala social y acomodo. Porque claro está, Ramiro vuelve con las intenciones de hacer valer su título, y de encontrar un puesto conveniente.<br />
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<b><i>A sus treinta y dos años, se sentía, súbitamente, acabado, arruinado en su éxito social. Presintió el prematuro fin de su carrera, de su incorporación a la docencia universitaria, de su probable futura</i></b><br />
<b><i>nominación como funcionario del gobierno militar, como juez, como ministro. Todos sus sueños se fracturaban.</i></b><br />
<br />
El contexto de este relato no es un dato menor, todo sucede durante <b>la dictadura cívico militar en Argentina</b>, pero para Ramiro no es un dato importante ni que tenga relevancia, después de todo tan solo eran rumores que le llegaban estando en Francia, sobre las torturas, privaciones ilegales de la libertad y de las desapariciones, como si fuera el folclore de un país desconocido y pintoresco, pero este dato se volverá peligrosamente real cuando sea interrogado por la policía.<br />
Ahí es donde está nouvelle que respeta los códigos de un<b> trhiller</b> (ese subgénero industrial por excelencia) tiende un puente hacia la historia, hacia <b>los fantasmas de lo real</b>, hay que recordar que Luna Caliente fue escrita durante el exilio mexicano del autor a causa justamente de la dictadura, detalle que no es menor para una estética, que de alguna u otra manera; dialoga, discute y encuentra su límite con la coyuntura política cultural de ese momento tan álgido como contradictorio.<br />
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Mempo Giardinelli no es un escritor que hace de la literatura una herramienta panfletaria, para denunciar los males del mundo, lo real está vertebrado en su relato para completar una idea sobre un tipo de sensibilidad moldeada con <b>la mejor educación y con los más</b> <b>nefastos discurso de la cultura</b>. Que Ramiro se descubra misógino no es más que la confirmación que la raigambre de sus pre- juicios están anquilosados en la tradición local que mira a la mujer como lo realmente "otro", no exento de peligros como tentaciones, y que no esta muy lejano en considerar a los diferentes, los raros y porque no, en ese momento particularmente triste de nuestra historia, a los subversivos como el mal que hay que erradicar.<br />
<br />
Ramiro como es el caso de muchos civiles y militares que participaron activamente dentro la dictadura, son personajes que descubren que pueden ir hasta el fondo de su moral, ejerciendo los hechos más atroces, con el total convencimiento de que todo esta supeditado a una idea mayor, <b>un ideal que en la tiranía de los actos</b> no tiene reparos en causar sufrimiento, dolor y crueldad por un beneficio superador, pero el problema de Ramiro fue el descubrir la potencia de su deseo dormido, eso realmente "otro" no estaba en Araceli como quería creer, sino en <b>el horror de su misma subjetividad</b>, y ahí, en ese terreno que es completamente desconocido es donde desbarranca su razón y se empantana con el aguijón de la conciencia, ese espectro en el camino que lo vuelve irremediable e irrecuperable para sí mismo.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtG7-QZ0xiT3JXVRgdeVk7f1igMlap-vmzZyJYyhJmlYMyi3VAbLJ9HsgNmmRZsZFY6kgrcTV8FDR_oJyCtnlSBm4yOLTBOs0UnB1DFM9uLmM1EI4akxPMJ51T65S0XPavdvbjd3py-TQ6/s1600/descarga+%252823%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="219" data-original-width="150" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtG7-QZ0xiT3JXVRgdeVk7f1igMlap-vmzZyJYyhJmlYMyi3VAbLJ9HsgNmmRZsZFY6kgrcTV8FDR_oJyCtnlSBm4yOLTBOs0UnB1DFM9uLmM1EI4akxPMJ51T65S0XPavdvbjd3py-TQ6/s1600/descarga+%252823%2529.jpg" /></a></div>
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<b><i>Por fin la luna llena, la luna caliente de diciembre, la luna hirviente, ígnea del Chaco. </i></b><br />
<b><i>Y volvió a horrorizarse cuando se dio cuenta de que estaba excitado; de que su sexo se había endurecido, como su corazón. Como un pedazo de granito.</i></b><br />
<b><i>Y eyaculó así, mirando esa luna candente.</i></b><br />
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1- Biografía del autor <a href="http://www.mempogiardinelli.com/">http://www.mempogiardinelli.com/</a><br />
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2- Por la su simple forma narrativa no es difícil imaginar a esta novela en el cine, de hecho contó con dos versiones, una de 1985 dirigida por un desconocido<b> Roberto Denis</b> y la otra más reciente hecha en españa por Vicente Aranda, desconozco la calidad de los films, pero ninguno logro más trascendencia que la novela. De todas maneras la pelicual argentina se puede ver <a href="https://ok.ru/video/11373315469">https://ok.ru/video/11373315469</a> y el trailer de la otra en <a href="https://www.youtube.com/watch?v=3ezbLL23xBU">https://www.youtube.com/watch?v=3ezbLL23xBU</a><br />
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<br />Luis Ortelladohttp://www.blogger.com/profile/14876361558949662947noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2494870625295851170.post-69311097009517335922019-06-08T11:23:00.000-07:002019-06-11T20:10:13.146-07:00Catupecu Machu o como el rock puede ser una cuestión barroca <br />
<b>"El alma cuando sueña- escribe Adisson- es teatro, actores y auditorio."</b><br />
<b><br /></b>
<b> Borges </b><br />
<b> Otras Inquisiciones </b> <br />
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<b> Catupecu Machu</b> siempre fue una banda muy particular dentro del espectro del rock local, si en un principio se los podría haber asociado con cierto resabio <b>hardcore/ punk </b>emergente, propio del fin de década del ´90, con el cambio de milenio fueron profundizando una estética sonora que fue encontrando sus fuentes, en la austeridad formal de <b>Atahualpa Yupanqui</b>, la expresividad visceral del <b>flamenco</b> y <b>las experimentaciones formales del post punk.</b> (1)<br />
Si bien nunca fue una banda que puso énfasis en la vertiente más experimental, siempre estuvo atenta a <b>las innovaciones formales </b>de la historia del rock. Esta conciencia sobre los materiales en juego y la tradición fueron generando un propio patrón expresivo, que de una manera muy sutil fue experimentando con las formas, pero <b>siempre respetando a la canción </b>como hecho en sí, en ese espacio entre lo meramente musical y discursivo, crearon la manera de <b>horadar el sentido común</b> del rock para comunicar algo más que el tan bastardeado mensaje.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1_Y0cJ6M-dFtXBwVYwkbQlb2DXpoXa1SIrQ-tCOGomJiJGJ0c9hhlnaIOndJmXIej6NixWZUDMnYkSom0SCpvu_TfG6LW3Io6-Jgrl1YvcwsqnqnNGL8nHG9NLC8rM-qqlNEJVJA_nRhb/s1600/descarga+%252821%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="200" data-original-width="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1_Y0cJ6M-dFtXBwVYwkbQlb2DXpoXa1SIrQ-tCOGomJiJGJ0c9hhlnaIOndJmXIej6NixWZUDMnYkSom0SCpvu_TfG6LW3Io6-Jgrl1YvcwsqnqnNGL8nHG9NLC8rM-qqlNEJVJA_nRhb/s1600/descarga+%252821%2529.jpg" /></a></div>
<br />
Quizás lo que pueda confundir de la propuesta es su<b> gran dinamismo energético</b>, es una banda que tanto en sus discos como en vivo explota toda su potencia sonora, pero no lo hace en desmedro de un imaginario pobre, como ocurre con algunas bandas que ponen todas sus fichas en el sonido, en la naturaleza de la canción más que en la lírica, sobre todo porque no hay mucho vuelo desde la imaginación puesta al servicio de la palabra cantada.<br />
No es el caso de Catupecu Machu que se ha ido<b> pre-ocupando</b> (cada vez con mayor precisión) en desarrollar desde sus posibilidades semántica, letras que tienen <b>la ambición de condensar al máximo</b> los nudos temáticos que engloban su propuesta estética. (2)<br />
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A nivel superficial este hecho es elocuente, tan solo basta repasar los títulos de los discos para darse una idea de que fueron <b>minando</b> al sentido común <b>para hacerle decir al rock otra cosa.</b><br />
El primer disco tiene un nombre inmediato, un imperativo dicho con la premura de lo que no puede esperar mas que fugarse en el presente, un imperativo que obliga a despertarse del sopor obligando a la acción, <b>"Dale" (1998)</b> es una declaración de principios que activa a todo el cuerpo no solo físico sino también apela (claro) al cuerpo de la imaginación.<br />
Con el segundo ya hay un salto cualitativo en cuanto a la pretensión, el nombre presenta una narración quebrada, un cuento sin final, no porque no lo tenga sino porque ha sido mutilado. En <b>"Cuentos decapitados" (2000) </b>hay una escritura que comienza a despegarse de la medianía de las letras de rock.<br />
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<br />
En <b>"Cuadros dentro de cuadros" (2002)</b> se nota la ambición barroca, la segunda canción del disco <b>Sonando</b> es un claro ejemplo de cómo la imaginación toma conciencia de sí misma.<br />
<br />
<b><i>Hoy ser el telón/ mañana escenografía/ actor de reparto, protagonista/ Estar en eje, armar las valijas/ amar la noche, enamorarse algún día. (3)</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
La canción homónima del disco puntualiza aún más <b>la naturaleza artificial de toda refracción</b>, es una puesta en abismo que abre una fisura en la lógica de la representación, poniendo en primerísimo primer plano,<b> la espectralidad de la conciencia</b> que toma carnadura en una mirada que mira mucho más allá de sí mismo, porque<b> descubre en los otros lo que guarda para sí.</b><br />
<br />
<b><i>Llegas por mí/ a un sitio inesperado/ tus labios tienen un fin/ después de los ensayos/ Te toca actuar/ más que actuar/ hay más de mí/ en un mundo encerrado/ rompe el cristal/ Sé vivir y es merodear entre tantos ojos/ leer, deletrear/ aquel mensaje entre líneas (...) Todo es así/ cuadro dentro de cuadros/ siempre un final sin fin/ después de un nuevo ensayo/ te toca actuar/ más que actuar.</i></b><br />
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<br />
<b>"El número imperfecto" (2004) </b>es una falla en el orden del conjunto, es un dato inesperado, algo que rompe la cadena de sentido, y que<b> obliga a recapitular la necesidad de todo sentido</b> después de la ruptura, entre el mundo y su propia percepción.<br />
<b>Magia veneno</b> la canción que abre al disco entiende que la lógica de representación siempre funciona de a dos, <b>uno necesita del par para completar el lugar de la afección de la cosas</b> en la propia piel de la sensorialidad. La poética de Catupecu Machu apela la concepción dual de las cosas, <b>el otro</b> <b>siempre completa al sentido de lo que parece no tenerlo.</b><br />
<br />
<b><i>Magia Veneno/ de lo oscuro hacia la luz, todo nuevo/ respirarse, emborrachar/ morir y seguir viviendo/veo en parte lo que tu ves/ quieras o no estas adentro/ veo en partes no sé si ves/ entre lo dicho y lo hecho/ los amores el derroche/ los finales abiertos/ lo que habita en otros lados y aún no conocemos.</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
Para <b>"Laberinto entre aristas y dialectos" (2007) </b>la banda<b> se tuvo que re-inventar de nuevo</b>, es de público conocimiento que <b>Gabriel Ruiz Díasz,</b> el hermano de <b>Fernando</b>, tuvo un accidente automovilístico del cual salio con vida, pero el precio fue quedar totalmente inmovilizado, <b>la unidad</b> <b>dual</b> que hasta ese momento había funcionado <b>se quebró literalmente</b>. Este disco surge después de este delicado trance y a su manera es una afirmación vital aún en las peores circunstancias, lo que tiene el albúm de peculiar es que es de de versiones acústicas (en vivo), pero lo distinto es que trae tres canciones nuevas y una de ellas <b>-Viaje del miedo- </b>sintetiza la gravedad de lo ocurrido en su imaginario.<br />
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<br />
<b><i>Te resucito en el sueño/ es lo que espero que encontrar/ entro en el viaje del miedo/ abro la puerta al cerrar (...) encuéntrame...carne y hueso, hueso y nada/ llanto que aflora y su flor alimento/ envenena el dolor cae muerto/ faltan pedazos, estrofas y versos/ en lo peor de mis sueños/ despiertame...carne y hueso, hueso y nada.</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
La mortalidad en sí misma no es el tema de la canción, sino la idea de <b>lo irreparable de la muerte</b>, ese vacío, esa ausencia que permite que todas las preguntas se articulen en una sola cuestión inevitable, la rotura que se produce en el vínculo con el ser querido que perece o en este caso que roza la muerte y produce una gran perturbación en la armonía grupal.<b> El miedo es la reacción a eso</b> <b>que carcome la ilusión de toda trascendencia</b>, de toda pretensión de impunidad frente a la pura contingencia de los hechos y del tiempo.<br />
<br />
Pero son en<b> los dos últimos discos donde la banda despliega con soltura y libertad</b> toda la potencia de una poética que hace del rock una herramienta de precisión, formalidad asfixiante, y una expresividad que se apoya en el grano de la voz, para ir nada más que <b>hasta la exasperación entre la</b> <b>verdad y el artificio.</b><br />
<b>Simetría de Moebius (2009)</b> es una obra que busca en su gesto estético<b> corroer a la forma</b> llevando al límite la tolerancia del oyente, en la repetición obsesiva del estribillo -algo que ya aparecía en sus discos anteriores ahora presenta una saturación formal- en este subrayado de las intenciones expresivas, aparece toda la dimensión estética de una banda que<b> busca en la camisa de fuerza de la canción una manera de decir lo mismo desde otro lugar.</b><br />
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<br />
El mismo Fernando Ruiz Diaz lo deja bien en claro: <b><i>"Catupecu es como la cinta de Moebius: vos partís de un lugar, le das vuelta, y volvés al mismo lugar de dónde saliste, pero desde otro lado</i></b>", hay algo en la insistente repetición que llega un momento en que se transforma en otra cosa, este es el camino que elige esta poética para resquebrajar su propia formalidad y abrir una puerta que invita a la sugestión.<br />
Es dificil no tentarse y afirmar que Catupecu Machu es una banda que<b> se parece a si misma</b>, desde el primer disco supieron forjarse una identidad que nunca fue algo fijo o perenne, sino que albúm tras albúm esta identidad fue puesta en discusión.<br />
<br />
La lírica de Fernando Ruiz Diaz y el granuloso cuerpo de <b>su voz</b>, tienen <b>la enorme pretensión de la</b> <b>totalidad</b>, como en los grandes cantante folclóricos o en<b> Camarón de la Isla</b>, (como él mismo lo cita como influencia) en la voz de Fernando esta toda la vitalidad del sentimiento <b>que busca la palabra</b> <b>que exprese su inasibilidad,</b> y en esa tensión entre lo imposible y lo que no, se encuentra el espacio que la banda maneja con maestría.<br />
Esa zona que Catupecu transita tiene que ver necesariamente con el silencio, por eso en las canciones casi no hay espacio para ello, porque <b>quiere ser tan poderoso como lo que se calla</b>, como lo que se evita nombrar.<br />
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<br />
Simetría es <b>un disco prácticamente sin guitarras</b>, aparecen claro, pero no desde el lugar que ocupaba en los trabajos anteriores, esta privación funciona como soporte para que la voz aparezca con toda la soltura que quizás en su etapa anterior debía imponerse para puntualizar el ataque de la guitarra.<br />
Quizás la diferencia mayor es que es una obra mucho más rítmica, <b>más percudida por el fraseo del</b> <b>decir </b>y la insistencia metronómica de la batería, que sostiene y da espacio para que el bajo aparezca y funcione como una guitarra rítmica, asi como también los arreglos del teclado que crean climas, profundizan los momentos melódicos y por momentos tiene <b>la misma función que el silencio</b> en la economía de la canción.<br />
<br />
Es difícil destacar una canción por encima de las otras, todas forman un mismo cuerpo, y funcionan en bloque, pero hay señales que indican la importancia de algunas en el hilo narrativo del albúm.<br />
<b>Alter ego...grito alud</b>, es un tema que determina no solo el nudo temático del disco sino que también <b>contextualiza a los trabajos anteriores dentro de una perspectiva conceptual </b>que fue creciendo de manera natural a lo largo del tiempo.<br />
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<br />
La simetría, los opuestos que se complementan y se repelen, la unidad escindida, el reflejo, y <b>lo</b> <b>barroco como lugar de percepción</b>, son todas cuestiones que atraviesan el imaginario de Catupecu. Alter-ego...es una canción que subraya lo evidente, <b>a la banda le interesa lo que el espejo tiene para</b> <b>mostrarle</b>, los trabajos anteriores tanto como este son el efecto de esa mirada que hurga en la propia otredad la ajenidad del rostro.<br />
<br />
Solo basta revisar algunas de las estrofas de las letras del disco para enhebrar una narrativa que siempre busca decir lo mismo desde "otro" lugar.<br />
<br />
<b><i>Quedo absorto, nulo, neutro/ como sin poder hablar/ las palabras solo intento/ aunque no quiera callar/ la insensatez, de la ansiedad/ cobra vida el lado siniestro/ muero uno, nazco más.</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
<b><i> Confusión</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
<b><i>Fuera de mi, cambie la piel (...)/ desorden cruel anarquizado/ jugamos fuerte a la idiotez (...)/ quedo en dos aguas otra vez/ ser o no ser tu esclavo/ espera sentado, aunque me caes bien/ No sé si estoy en otro lado/ o aquí desmuteado, o afuera con quién.</i></b><br />
<br />
<b><i> Piano y RD</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
<b><i>Dedo sangra...cuerda guitarra/ madera tu sabrás cuándo amarás.../ bailando en el filo/ que cortan lo viejo...en dos lados nuevos...</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
<b><i> Anacrusa</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
<b><i>Entro de a dos/ entran dos alter egos de a dos/ hay otra ley que romper/nuestra ley es nuestra ley/ me paso de uno a otro/ nuestra ley no hace falta saber/ hay otra ley que saber/ puede ocurrir un destino/ y resolver/ y luego romper.</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
<b><i> Alter ego...grito alud</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
<b><i>Una vez al este de tu este/ y al sur de la suerte (...)/ no te conté que nunca hablé/ y si escuchas por suerte/ que las voces mienten/ háblalo fuerte muy claramente/ rompe silencios que se han quedado/ amordazados (...) cosa de goces.../ te escuché, te soñé/ en el útero de la tormenta/ nacimos de vuelta.</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
<b><i> Cosas de goces</i></b><br />
<b><i><br />Canción que siempre nos conmueve/ un designio, belleza sin piedad/ en aguas que siempre nos devuelven/ navegamos en trance de llegar (...) Vamos en dos equilibrando/ simetría opuestos aliados (...) Cinta moebius, un solo lado/ puro placer, reverso indomado/ Divina comedia, amor encarnado.</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
<b><i> Simetría de Moebius</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
<b><i>Un infierno, un tormento, resetear/ desactivo los párpados/ activo el sueño/ un espejo me devuelve inverso.</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
<b><i> Batalla</i></b><br />
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<b><i><br /></i></b>
<b><i><br /></i></b>
Lo curioso de una banda que apela al rock como medio de expresión, es que centre su imaginario en el orden, lo precisión, la simetría, el equilibrio de la forma, porque claro está, el rock siempre buscó la liberación de la forma para el desarreglo de los sentidos, para que el mundo revele su verdadera naturaleza elusiva para el logos y concreta para los sentidos. Pero no hay que olvidar que Catupecu es una banda que bebe de las fuentes del post-punk, sobre todo en bandas que hicieron de la forma en sí un mensaje críptico, monótono, abrasivo, condensado, de una furia incluso contenida e implosiva, pienso sobre todo en <b>Joy División</b>, que desarrollaron una estética apolínea, de líneas claras, minimalistas, donde las voz de Ian Curtis, musitaba en trance verdaderos mantras urbanos. (4)<br />
<br />
Hay algo de eso en la banda de Fernando Ruiz Díaz, <b>hay una obsesión con la repetición</b>, con la insistencia del decir, que no es para nada casual encuentra su contexto necesario con la figura del doble y la simetría, en ese aspecto Catupecu sin ser una grupo de rock minimalista, indaga este camino máximizando sus recursos pero siempre con<b> lo elemental de la expresión y la musicalidad</b>, hay un cuidado desde el sonido, un amor por la tecnología que se enmarida de manera natural con esta visión barroca de las cosas y el mundo.<br />
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<br />
Cuando hablo de <b>lo barroco</b> me refiero específicamente a <b>la auto-conciencia</b> sobre la forma, ese trabajo minucioso sobre los detalles que excede los códigos de la estética realista pero que a su vez son demasiado realistas para entrar dentro de lo fantástico. Las letras de Fernando Ruiz Diáz indagan esta problemática poniendo su discurso y su imaginación como efecto de lo barroco, por eso la banda, la música, el ritmo, incluso esta suerte de hermeneútica posible sobre lo imposible, <b>forman parte de</b> <b>los mismos materiales que la letra expresa con precisión</b>. Ellos son personajes de sus propias canciones, pero no como algo meramente autoreferencial sino porque saben que forman parte de algo más grande que ellos, <b>como si fueran el sueño de alguien más,</b> como el cuento "Las ruinas circulares" de Jorge Luis Borges, <b>la divinidad es un capricho de insondable consecuencias. (5)</b><br />
<br />
El último disco <b>"El Mezcal y la cobra" (2011)</b> sigue profundizando esta camino que no tiene asideros en el rock local, no se trata de una imaginación lírica a la manera de Spinetta, sino de una poesía concreta que en su prosaísmo rebalsa de imaginación pero que esta perfectamente contenida dentro del logos occidental, porque aunque la banda se aventuré hacia una empresa que se quiere desconocida, no puede desligarse del dualismo propio de nuestra cultura, pero aún así se las arregla para establecer una interferencia, un cortocircuito en el sentido, porque <b>Catupecu Machu no deja de ser una paradoja en sí misma</b>, porque en su práctica del rock, es directa, al hueso de su expresión: monótona y explosiva, pero en su lírica, en los bordes de este mundo que se abre cada vez más, son <b>ideologicamente barrocos</b>, conceptualmente espiralados en <b>el rulo del infinito</b>, y en esa contradicción entre la resta y su suma, lo imposible y lo real, se encuentra toda la riqueza de una propuesta que no tiene temor a quedar atrapados en la eternidad de un estribillo, que roe con paciencia a los ángulos de una razón cada ves más ensimismada en su trampa lógica.<br />
<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiY9-Ri2Latn5vjbvOCZiblwnl1S5wGM74CIjXzn876OKfh3DbKK6qjm0JRlD3rKLM1_DKvkZOKb5qI1d-qjAeAtjSKrbhoUKV-8eBfsPKt2-icNC6F8DwevR6tekGqFsbTqVhBkifI7bKd/s1600/descarga+%252810%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="191" data-original-width="264" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiY9-Ri2Latn5vjbvOCZiblwnl1S5wGM74CIjXzn876OKfh3DbKK6qjm0JRlD3rKLM1_DKvkZOKb5qI1d-qjAeAtjSKrbhoUKV-8eBfsPKt2-icNC6F8DwevR6tekGqFsbTqVhBkifI7bKd/s1600/descarga+%252810%2529.jpg" /></a></div>
<br />
<b>1- En el programa Encuentro en el estudio Fernando Ruiz Díaz habla de la génesis de la banda, de su pasión por la escritura y de sus tempranas influencias. La entrevista de Lalo Mir es muy jugosa, revela detalles y la intimidad de la creación. </b><a href="https://www.youtube.com/watch?v=1j4v15WQmIQ&t=1944s">https://www.youtube.com/watch?v=1j4v15WQmIQ&t=1944s</a><br />
<b><i><br /></i></b>
<b><i><br /></i></b>
<br />
<b>2-Si bien es cierto que Fernando Ruiz Díaz es el autor de las letras, su lugar de enunciación no es el nombre propio sino el de la banda, por eso me refiero a la banda y no a él como totalidad enunciativa de la poética de Catupecu Machu.</b><br />
<b><br /></b>
<b>3- En esta estrofa esta condensada toda la imaginación barroca puesta al servicio de una canción, el epígrafe que utilizo forma parte de un texto mayor Borges que escribió sobre Nathaniel Hawthorne, donde llega a enunciar en su estilo no excento de deliciosas paradojas que la literatura que es un sueño dirigido. Claramente las diferencias estilisticas y los soportes estéticos son otros, pero en la canción de Catupecu se encuentra la misma ambición y perplejidad frente a la creación, el sueño y su puesta en escena.</b><br />
<b><br /></b>
<b>4- Unos años atrás escribí en este blog sobre Joy Division para un mayor entendimiento </b><a href="http://lortellado.blogspot.com/2013/11/ian-curtis-y-el-destino-de-la-cancion.html">http://lortellado.blogspot.com/2013/11/ian-curtis-y-el-destino-de-la-cancion.html</a><br />
<br />
<b>5- Ruinas circulares, forma parte del libro de cuentos Ficciones (1944) de Jorge Luis Borges, donde se halla lo mejor de su producción cuentística, para aquellos que no tuvieron la oportunidad de leerlo, les recomiendo esta experiencia. </b><a href="http://www.ispbrown.edu.ar/accesorios/noticias/itinerarioxmundocultura/las_ruinas_circulares.pdf">http://www.ispbrown.edu.ar/accesorios/noticias/itinerarioxmundocultura/las_ruinas_circulares.pdf</a><br />
<br />
<br />
<br />Luis Ortelladohttp://www.blogger.com/profile/14876361558949662947noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2494870625295851170.post-45898240744580687992019-04-21T21:07:00.000-07:002019-04-22T07:45:37.414-07:00Ese opaco misterio de la existencia (la muerte, la literatura, la experiencia y Amelie Nothomb) <br />
<b>"En la actualidad, cualquier discurso sobre la experiencia debe partir de la </b><br />
<b> constatación de que ya no es algo realizable. Pues así como fue privado</b><br />
<b> de su biografía, al hombre contemporáneo se le ha expropiado la experiencia:</b><br />
<b> más bien la incapacidad de tener y transmitir experiencias quizás sea uno </b><br />
<b> de los pocos datos ciertos de que dispone sobre sí mismo."</b><br />
<b><br /></b>
<b> Giorgio Agamben</b><br />
<b> Infancia e Historia</b><br />
<br />
<br />
<b>"La escritura es el lugar en el que me enamoré de ella".</b><br />
<b><br /></b>
<b> Diario de Golondrina</b><br />
<br />
<br />
<br />
Los relatos sobre <b>asesinos a sueldo</b> a los que el cine nos tiene acostumbrados, nos muestran una subjetividad fría, anodina, mecánica, como uno supone debería ser, para llevar a cabo un trabajo de estas características con efectividad, a su modo, los asesinos a sueldos <b>están más allá</b> <b>del bien y del mal</b>, es decir la moral convencional no entra en la ecuación de su economía de sangre. Generalmente estas historias muestran el derrotero del personaje a lo largo de los días con sus maneras y las formas de trabajar frente a cada objetivo nuevo, con sus respectivas rutinas, métodos, y la deliverada minuciosidad para estar atento a todos los detalles. Así como también este tipo de relato muestra <b>una subjetividad carente de entusiasmo y de empatía</b> por la vida misma, no solamente la de los demás, claro está, sino que también la propia.<br />
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<br />
Todos los relatos sobre asesinos a sueldos -pienso en <b>El Samurai</b>, <b>Peligro en Bangkok</b>, <b>El</b> <b>Americano</b>, por nombrar algunos de esta gran cantera narrativa que es el cine- culminan con la muerte del personaje, como si <b>la misma moral del relato</b> no pudiera contemplar este tipo de vida sin un juicio severo sobre las causas y efectos, los costos y las pérdidas. Salvando El samurai la gran película de <b>Jean Pierre Melville</b> las otras dos adolecen de los lugares comunes del género, tanto como en El americano -acá conocida como El ocaso de un asesino de <b>Anton Corjbin-</b> y Peligro en Bankok -vi solo la remake protagonizada por Nicolas Cage- <b>tratan de humanizar</b> a su personaje cuando este se topan con la la posibilidad del amor. <b>(1)</b><br />
<br />
Sobre estos temas parece recalar la novelle <b>"Diario de Golondrina"</b> (2006) de la inclasificable y prolífica <b>Amelie Nothomb</b>, autora de la cual solamente he leído tres novelas y que a mi parecer, es una escritora que sabe manejar el misterio de la narración, sabe mantener cierto suspenso que no tiene que ver con un género en particular sino más bien, responde más a la tensión interna entre <b>lo que elige contar y lo que calla</b>, las tres novelas que tuve oportunidad de leer no se apoyan en la deriva de personajes bien definidos sino más bien en la construcción de una voz, en un tono, en una manera de decir, que a su manera es toda la literatura<b> (2)</b><br />
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<br />
Diario de Golondrina es un relato totalmente <b>autoconciente de sus materiales</b>, no malgasta sus esfuerzos en crear un mundo, sino que toda su voluntad pasa por la <b>creación de un discurso</b> fuertemente enraizado con la tradición literaria, pero desde un lugar oblicuo, alambicado, con pinceladas de la cultura pop y la contemporaneidad. Este entrecruzamiento genera una curiosa distancia que coloca a la historia en una perspectiva extraña y funcional, de un <b>humor seco</b>, desganado, a la manera de los de los films de <b>Jim Jarmush</b>, de las novelas, cuentos y obras de teatro de <b>Samuel Beckett</b>, que detentan un tono cansino, agotado,<b> al límite del silencio y la abulia</b>.<br />
<br />
Diario de Golondrina es una novela sobre un asesino a sueldo, comparte con los films citados algunos lugares comunes -la frialdad, el método, la ausencia del pasado y del porvenir- pero la diferencia es que los personajes en los films ya son asesinos de hecho, en cambio en el relato de Amelie Nothomb nos muestra el devenir, <b>el momento en que su personaje pasa de su inocua normalidad a esa vida extraordinaria en sangre y sexo</b>. La voz narradora no justifica su accionar, no hay propósito más inútil que buscar explicaciones donde no las hay, parece decirnos desde su <b>cinismo avant la lettre</b>.<br />
En un mundo donde ya no parece posible tener experiencias, epifanías, ni silencios porque todo esta mediado y pre-digerido por los diferentes placebos de la civilización,<b> Urbano</b> -tal es el nombre con el cual el personaje elige bautizarse para iniciar su carrera de sangre- decide traspasar el umbral de su aburrimiento, sin pompas, ni declaraciones megalómanas, ni llamados de atención rimbombantes , de alguna manera <b>es la continuación en este siglo del Mersault de Camus</b> ese gris e inaprensible personaje del <b>El extranjero</b>.<br />
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<br />
La lógica que despliega el personaje es una ligera perversión de la moral y las costumbres, en última instancia, más acá de los asesinatos<b> Urbano le interesa tener algún tipo de conexión </b>con sus posibles víctimas, pero no para humanizar su accionar, sino para comprobar que cada vez esta más lejos de la humanidad.<br />
<br />
<b>"En la actualidad, qué es una relación humana? Mortifica por su pobreza. Cuando ves lo que hoy denominamos con el bonito nombre de "encuentro", se te cae el alma a los pies. Conocer a alguien debería construir un acontecimiento. Debería conmover tanto como cuando, después de cuarenta años de soledad, un ermitaño ve a un anacoreta en el horizonte de su desierto.</b><br />
<b>La vulgaridad de lo cuantitativo ha culminado su obra: conocer a alguien ya no significa nada (...) El asesino va más allá de los demás: se arriesga a liquidar a aquel que acaba de conocer. Eso crea un vínculo."</b><br />
<b><br /></b>
Amelie Nothomb es la continuación necesaria del existencialismo francés, pero no funciona como una heredera, sino que <b>es su resaca</b>, los restos de un movimiento más filosófico que literario, Urbano su anti-héroe, como Mersaul, como Ronquetin, (ese apenas disimulado alter ego de Sartre) por accidente, por tedio, <b>por la sorda persistencia de la vida</b>, descubren, se topan, se enfrentan a la cruda contingencia de los hechos, a l<b>a verdad desnuda de sí misma</b>, a la mentira necesaria, que la misma sociabilidad obliga para mantener las apariencias, para travestir al vacío, con la esperanza del sentido final de todo. <b>(3)</b><br />
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<br />
<b>"Luego el mecanismo se pone en marcha. Cada uno tiene el suyo, café-cigarrillo, té-tostada o perro-correa, regulamos nuestro propio recorrido para experimentar el menor miedo posible. En realidad dedicamos nuestro tiempo a luchar contra el terror de lo vivo. Inventamos definiciones para huir de él: me llamo tal, tengo un curro allí, mi trabajo consiste en hacer esto y lo otro.</b><br />
<b><br /></b>
Pero este descubrimiento del absurdo del mundo, no es motivo de angustia en Urbano, sino de una nueva posibilidad, un nuevo impulso, de <b>un optimismo de la nada</b>, del vacío de la misma subjetividad del ser, que se va librando de sí mismo sumido en una calma casi tan fría como la muerte.<br />
<br />
<b>"Todo empezó hace ocho meses. Acababa de vivir una decepción amorosa tan estúpida que ni siquiera merece la pena hablar de ello. A mi sufrimiento había que sumarle la vergüenza del propio sufrimiento. Para prohibirme semejante dolor, me arranqué el corazón (...) Entonces decidí matar mis sensaciones. Me bastó con encontrar el conmutador interior y oscilar en el mundo del ni frío ni calor. Fue un suicidio sensorial, el comienzo de una nueva existencia".</b><br />
<b><br /></b>
Con Diario de Golondrina queda en evidencia que para que un relato sea verosímil, tiene que haber <b>un estilo, un tono, una forma de narrar los hechos</b>, que no se preocupa por la construcción realista del mundo, sino que<b> toda su a-tensión</b> esta puesta en darle carnadura y matices (no librado de contradicción) a la voz narrativa, que en este caso usa todo <b>su encanto políticamente incorrecto</b> para contarnos de manera descabellada algunas situaciones que si se hubiera valido del código realista, hubiera naufragado inevitablemente. Todo es presentado desde una distancia telegráfica, que parecería por primera vez ver las cosas, pero esto no provoca asombro ni estupor, tan solo <b>la ligera</b> <b>felicidad de sentir algo realmente distinto</b>, diferente, con otras reglas y otros protocolos de cotidianeidad.<br />
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<br />
<b>"La regla era disparar dos veces a la cabeza. En el cráneo, ya que valía más destruir la central. En la inmensa mayoría de los casos, la primera bala resultaba mortal. La segunda era por seguridad. Así nunca había supervivientes (...) Por mi parte bendecía esta ley del segundo disparo, que aumentaba mi placer. Al apretar el gatillo por segunda vez, incluso me di cuenta de que era mejor que la primera: la primera aún olía a aceite de engrasar.</b><br />
<b>Lo que se revelaba a pequeña escala se reproducía a gran escala: experimente más placer con el periodista que con el magnate de la alimentación. Y gocé todavía más con el ministro que vino después.</b><br />
<b><br /></b>
En contra del retrato que el cine suele hacer de los asesinos a sueldos, Amelie Nothomb le da una pátina a su personaje que en lugar de hacerlo sentir como un robot carente de sentimientos, lo vuelve <b>cada vez más vivo</b> a medida que las páginas avanzan.<br />
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<br />
<b>"Afortunadamente, me quedaba la sensación de matar. Nunca me decepcionaba.</b><br />
<b>El hartazgo, que tanto había temido, no empañó aquel frenesí: al contrario, éste era cada vez más profundo.</b><br />
<b>La necesidad de terminar en mi cama se volvió más urgente. Sin embargo, no había nada sexual en mi actitud (...) El mecanismo activador formaba parte del acto mismo de matar, que me emparentaba con las divinidades más injustas (...) Anteriormente a mi pérdida sensorial, no creo que hubiera sido capaz de matar así. Habría tenido que superar numerosos obstáculos. (...) Recuerdo que no conseguía darle una patada al perro que me mordía la cola (...) Ahora, lo que debía superar para liquidar a aquellos desconocidos era una resistencia tan débil que ni siquiera podía calificarse de física. En el último reducto de mi cuerpo, situado quién sabe dónde, y que quizá sólo fuera el simple recuerdo, pervivía la memoria inmaterial de lo que fue materia y que no tenía otra función que la de alimentar mi capacidad de disfrutar (...) El asesinato comportaba una formidable carga espiritual: si se considera que el orgasmo es carne saturada de pensamiento, se obtiene la clave de mi día a día de ese entonces (...) Mi sexo sólo alcanzaba la plenitud con la idea de la hemoglobina. No hay nada más extraño que el erotismo".</b><br />
<b><br /></b>
Los pocos diálogos que contiene Diario de Golondrina, son lacónicos, escuetos, mínimos, de un <b>humor deshidratado</b>, la risa llega desfasada,<b> fuera de tiempo</b>, el timming del personaje realmente está en otro lugar que no es el nuestro.<br />
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<br />
<b>"Le pregunte a Yuri si le gustaba matar.</b><br />
<b>-Ayuda a desahogarte -dijo.</b><br />
<b>-¿A desahogarte de qué?</b><br />
<b>-Del estrés, de la angustia.</b><br />
<b>-¿Y matar no constituye una angustia?</b><br />
<b>-No, es un miedo.</b><br />
<b>-¿Y el miedo desahoga la angustia?</b><br />
<b>-Si, ¿a tí no?</b><br />
<b>-No.</b><br />
<b>-¨Por qué trabajas en esto, entonces?</b><br />
<b>-Porque me gusta el miedo en sí mismo. No necesito desahogarme.</b><br />
<b>-Menudo perverso estás hecho.</b><br />
<b>En su voz sentí estima y preferí dejarle con aquella buena impresión".</b><br />
<b><br /></b>
O momentos de una banalidad picante y provocadora.<br />
<br />
<b>"-¿A qué dedicas el tiempo entre dos misiones? -le pregunté a Yuri.</b><br />
<b>-Crucigramas. ¿Y tú?</b><br />
<b>-Radiohead.</b><br />
<b>-Muy bien. Radiohead.</b><br />
<b>Tarareó sus éxitos de los años noventa.</b><br />
<b>-No -zanjé-. Mi droga son sus últimos tres discos.</b><br />
<b>-Es música experimental -dijo haciendo una mueca.</b><br />
<b>-Precisamente, soy un asesino experimental.</b><br />
<b>-¡Oh, hasta donde puede llegar el esnobismo!</b><br />
<b>Tuve el sentimiento exquisito de mi superioridad:</b><br />
<b>Yuri pertenecía a la retaguardia. Yo, en cambio, era</b><br />
<b>un asesino del tercer milenio. (4)</b><br />
<b><br /></b>
O situaciones de un humor finísimo, prácticamente involuntario<br />
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<br />
<b>"-Bien, trae los documentos.</b><br />
<b>-¿A estas horas, un domingo?</b><br />
<b>-No puedo creer lo que estoy oyendo, Urbano.</b><br />
<b>¿Acaso crees que estás sindicado?</b><br />
<b>-Ahora voy.</b><br />
<b>Tenía razón. Se empieza así y se acaba exigiendo</b><br />
<b>vacaciones pagadas".</b><br />
<b><br /></b>
Urbano no es un asesino común, en su discurso se enhebra la cultura letrada que lo precede, aparecen <b>Goethe, Las tribulaciones del jóven Wherter, los filósofos presocráticos, James Joyce, Marcel Proust,</b> <b>Aristóteles</b> y una de los tracks más experimentales de <b>Radiohead </b>de su disco oportunamente llamado <b>Amnesiac,</b> que para la historia de este singular personaje, vendría a ser lo más parecido a una epifanía, que a su vez, es la necesaria banda sonora para el nuevo propósito de su vida. Urbano, no solo es un asesino por accidente, sino que a su manera es <b>un pensador de ocasión</b>, alguien que diagrama con precisión la naturaleza de este despertar a las costuras del mundo.<br />
Urbano despliega una lógica inclaudicable, va hasta el fondo de las cosas, pero sin ánimo de espantar, sino por la simple curiosidad de ver que sucede. Su accionar si bien no tiene más justificación que sí misma, hay una filosofía detrás, una tradición que se articula de manera casi silenciosa y le da un sustento, una densidad específica que se descalabra cuando se topa con Golondrina, pero antes de eso, <b>su discurso detenta cierta soterrada furia anti-platónica.</b><br />
<br />
<b>"El cerebro todavía es peor. resulta increíble hasta que punto dejan huella las manchas de grasa. El cerebro es grasa en estado puro, y la grasa nunca es limpia (...) todo esto confirma mi metafísica: el cuerpo no es malo, el alma sí lo es. El cuerpo es la sangre: es puro. El alma es el cerebro: es grasa. La grasa del cerebro invento el mal".</b><br />
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<br />
El encuentro con Golondrina (así lo bautiza Urbano) desequilibra la aparente tranquilidad de sus días, habría que agregar que Amelie Nothomb no elige ningún nombre para sus personajes, de hecho no se sabe como se llamaba antes de ser Urbano, en este aspecto, es el mismo personaje, es el que elige como llamarse y llamar a la única persona que perturba sus sentidos y lo vuelve a exponer frente al <b>caos del enamoramiento</b> y al deseo, todas sus defensas se vulneran, un dato que no esperaba entro en su interioridad y lo va minando con una voracidad letal. El amor es su vuelta al mundo, el amor, lo obliga a encontrar lo que durante todo ese tiempo estuvo negando con una determinación implacable, <b>el amor abre un dique que lo arrasa y lo derrama hacia el abismo de su pasión</b>.<br />
<br />
El amor por primera vez lo enfrenta a un dilema moral cuando encuentra el diario íntimo de Golondrina después de haber a asesinado a toda su familia, salvo el padre que muere en manos de de su hija porque este no le quería devolver justamente su diario íntimo, en ese momento es cuando se le revela a Urbano <b>la enorme responsabilidad de la intimidad y el silencio.</b><br />
<br />
<b>"Al abrirlo, observé una fina escritura infantil que azuleaba las páginas. Enseguida volví a cerrar el cuaderno, avergonzado. Por primera vez, experimentaba la sensación física del bien y del mal.</b><br />
<b>Ni por un momento se me había pasado por la cabeza no liquidar a la cría. Un contrato es un contrato, el asesino a sueldo lo sabe mejor que nadie. Pero, de repente, leer su diario me pareció un crimen inexpíable".</b><br />
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<br />
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<br />
Como lo dije al comienzo Diario de Golondrina se sirve de las convenciones del género policial para narrar los hechos, pero su fin es otro, su naturaleza es bien distinta, porque <b>su propósito es la literatura</b>, pero muy lejos de lo que instituye el valor de lo literario y más cerca de la materia cuando todavía es ese velado misterio, cuando todavía no tiene nombre, cuando la multiplicidad de los hechos conspiran contra el entendimiento y la simiente moral de la experiencia.<br />
Urbano responde a los anti-héroes de esta época, su vida se reduce al puro presente de los acontecimientos, no hay nada para lamentar ni buscar en el pasado, que para el lector es completamente desconocido, no hay respuesta posible, ni lógica de causas y efectos, ni tampoco hay mucho para proyectar sobre el futuro, que para el imaginario del personaje no existe, porque no hay un más allá de sí mismo.<br />
<br />
Pero el fin es distinto si en personajes como en <b>Jason Bourne (5)</b>, el pasado es un fantasma siempre amenazante, porque es el origen de su arriesgado nomadismo, y de alguna manera contextualiza su accionar en ese mundo: de intrigas, espionaje, y latente paranoia, <b>en Urbano el pasado no representa</b> <b>nada más que un vacío</b>, un hueco en su memoria que no vale la pena recordar, porque realmente no hay nada significativo, su vida como tal no existía hasta el momento exacto que comenzó a matar.<br />
Diario de Golondrina es una apuesta a la literatura, que pone su foco, en lo innenarrable de la experiencia, <b>en los puntos ciegos de una vida</b>, y en su desesperada vitalidad.<br />
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La decisión de qué todo se desencadene por el diario íntimo de una adolescente, tan solo indica su propósito, detrás de todo registro sobre la marcha de los días se encuentra su fracaso, <b>la</b> <b>imposibilidad de lo real</b> y la permanente derrota de la literatura frente al cruda e inasible materia de las cosas.<br />
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<b>"Pero sobre todo me hubiera gustado saber porque una chica escribía semejantes cosas. A veces enunciados tan simples, como extraños: "Esta mañana, mi corazón es grande". No iba más allá, ¿Porqué me desgarraba tanto? Intentaba convencerme de que esas líneas no sólo valían por su autor. Si las hubiera escrito una matrona plácida, no me habrían afectado. Absurdo razonamiento: nunca semejantes propósitos podrían haber sido obra de una matrona plácida.</b><br />
<b>Su brevedad, su soledad, su sabia inanidad correspondían a un ser joven y no instalado. Su frágil encanto hablaba de la belleza de la infanta difunta. Su extrañeza era la viva expresión de su destino."</b><br />
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<b><br /></b>La belleza de este párrafo puede hacer pasar por alto una frase en la que está el nudo temático de la novela condensado:<b>"un ser joven y no instalado". </b>El coqueteo con el policial, la utilización de un anti-héroe como personaje principal, tan solo son una anécdota que le da carnadura y <b>le presta un</b> <b>código de lectura</b>, a lo que se pretende contar, pero en esa fragilidad de identidades no definidas se juega la poética de la autora, por eso vuelvo a insistir que su literatura atiende más al tono elegido, a la construcción de una voz matizada y atravesada por otros discursos, que a darle identidades pre-claras a sus personajes, lo importante no esta en contar una historia, sino en todo lo que esta antes,<b> en</b> <b>lo que se articula cuando una voz habla</b>, en las inflexiones del discurso cuando las fuerzas que maquinan son múltiples, no es solo el pasado que se juega sus fichas en cada gesto estético, también opera lo que no esta, lo fuerza del deseo, <b>la potencia de lo que esta viniendo.</b><br />
La apuesta de Amelie Nothomb le da batalla al confort de los géneros, la historia que cuenta es bien simple, podría ser narrada de manera eficaz en no más de un minuto, pero su ambición estética no pasa por ahí, sino en hacer hablar a esas zonas de silencio, <b>a esos lugares inaccesibles de una intimidad cuando no esta sujeta a los nombres propios.</b><br />
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Si algo enseña Diario de Golondrina es que entrar en la subjetividad de alguien, no es un acto gratuito, hay un precio que pagar, <b>el valor de ese peaje es la empatía</b>; la total empatía hacia ese fenómeno que es una persona <b>antes de ser</b>, la mirada esta puesta en lo que se está conformando en el momento en que se conforma, porque lo importante no es lo que se cuenta, sino <b>lo que se elige callar.</b> En ese silencio que la poética de Amelie Nothomb maneja con maestría, se encuentra <b>toda la</b> <b>potencia de la literatura cuando todavía no es</b>.<br />
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<b>1-El Samurai es un film de Jean Pierre Melville (1967), El americano es una película de del fotógrafo y director Anton Corbijn (2010), y Peligro en Bangkok (2008) es una remake del film homónimo de los hermanos Oxide Pang Chun y Danny Pang, también encargados de esta versión. </b><br />
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<b>2- Las otras novelas que tuve la oportunidad de leer de Amelie Nothomb son "Cosmética del enemigo" y "Matar al Padre" que a mi parecer no están a la altura de Diario de Golondrina, por un exceso de conciencia e inteligencia.</b><br />
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<b>3-Este párrafo de la Naúsea de Sarte bien podría haber sido un fragmento de Diario de Golondrina</b><br />
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<b>"Algo me ha sucedido, no puedo seguir dudándolo. Vino como una enfermedad, no como una certeza ordinaria, o una evidencia. Se instaló solapadamente poco a poco; yo me sentí algo raro, algo molesto, nada más. Una vez en su sitio, aquello no se movió, permaneció tranquilo, y pude persuadirme de que no tenía nada, de que era una falsa alarma. Y ahora crece (...) Por ejemplo, en mis manos hay algo nuevo, cierta manera de tomar la pipa o el tenedor. O es el tenedor el que ahora tiene cierta manera de hacerse tomar; no sé. Hace un instante, cuando iba a entrar en mi cuarto, me detuve en seco al sentir en la mano un objeto frío que retenía mi atención con una especie de personalidad. Abrí la mano, miré: era simplemente el picaporte."</b><br />
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<b>4- Los discos de Radiohead del cual Urbano es fan son: Kid A (2000), Amnesiac (2001), Hail to the thief (2003).</b><br />
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<b>5-Jason Bourne es el personaje principal de la saga Bourne identity, creación del escritor Robert Ludlum y llevada al cine de manera magistral por Paul Greengrass.</b><br />
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<br />Luis Ortelladohttp://www.blogger.com/profile/14876361558949662947noreply@blogger.com0